PROYECTO LIMA-Z

2DA SESIÓN FILMACIÓN PROYECTO LIMA-Z EN SURQUILLO

2011-12-14T12:14:00.000-08:00

"DEMO" de Miguel Vargas Valladares.

2011-11-29T14:46:00.000-08:00

Una vela encendida en primer plano, íntima y cercana, se abre entre una densa oscuridad, también cercana y familiar. A contraplano, una ciudad, Lima, que amanece iluminada artificialmente, siempre fría y distante, pero inevitablemente envolvente. Una metáfora del individuo cuya naturaleza noble, se torna sombría por el entorno, como si de forma paradójica, estar apartado emocionalmente de todo y de todos, le facilitara abrir su buen corazón, como si la ciudad le hubiese enseñado la frialdad y la manera fáctica de relacionarse, pero que valiéndose de ella, alcanza a mostrar su afecto a quienes de veras importan.

Luego, un par de amigas se encuentran, caminan, conversan de banalidades, tales como si el servicio de fotos internet es una estafa, si el chocolate es peor que el alcohol para la gastritis, entre otros. De pronto, de forma tarantinesca, el tema cambia a algo de “mayor importancia” dentro del todo de la película; comienzan a hablar de las relaciones interpersonales. En ese momento, y casi inadvertido, ingresa al plano el protagonista, cruzando la calle, como si todo lo observado hasta ese entonces fuera una excusa y a la vez, preludio.

Así, con esa fuerza cinematográfica, Miguel Vargas hace un intro a “Demo” su ópera prima, dejando que en todo momento la “imagen natural documentada” se imponga a la poesía de la “imagen tiempo” y sobre los efectismos de la “imagen acción”. Para Miguel lo importante es cómo se llega a los momentos que realmente importan en el desarrollo de la historia, y deja a entrever los porqués. Constantemente disocia información entre diálogos nada impostados y de extremo naturalismo, con detalles que deben ser apartados y resaltados por el espectador. Hay momentos digresivos y que sólo adquirirán sentido en la medida que seamos capaces de relacionarlos con sus pares dispersados con un ritmo “semicromático”, es decir, la aparente linealidad de los hechos es revertida por escenas temporalmente descontextualizadas, y que adquieren su lugar conforme la dirección narrativa va siendo retomada, pues Miguel desea que sus planteamientos abanderen nuestro visionado, de tal forma que nos insta a construir no sólo la historia, sino la siquis completa de sus personajes en relación unos con otros, con el entorno y con el espacio tiempo de la Lima actual.

Porque para Miguel Vargas, las relaciones entre familiares, hijos, parejas o ex parejas, amigos, compañeros de trabajo, etc. Están cubiertos de cierto pragmatismo con sus acomodos; si una familia no funciona, nos separamos, no hay porqué llevarnos mal, si un ex no cumple con sus “deberes”, no hay porqué darle “derechos”, si un hijo es hiperactivo, hay que llenarlo de videojuegos, si alguien es molesto, simplemente lo desaparecemos, y si debemos desaparecer a alguien, esta debe ser una tarea tan natural y metódica como archivar documentos en una oficina, dejando poco espacio para la reflexión, sino más bien en el alcance de lo inmediato que nos ayude a “estar tranquilos”.

La película tiene como eje la historia de Micky, un tipo que no ha dejado aún sus hábitos juveniles, escucha la misma música de cuando aún estaba en el colegio, viste como seguramente vestía en sus días de adolescencia, y habla con la frescura de un pícaro púber.

Pero Micky, ha pasado por mucho; ha salido de su casa por problemas con su padre, vive solo con sus 3 perros, se ha separado de su mujer con quién tiene un hijo, recibe constantemente la visita de su hermana que lo busca sólo para pedirle ayuda, y sólo ha aceptado la adultez en el aspecto laboral, convirtiéndose en lo que tal vez nunca imaginó; un oficinista explotado.

Lo interesante en la historia de Micky es que ha sido asesino a sueldo, y que el aparente episodio de madurez que le trajo la paternidad le hizo abandonar dicho oficio. Pero las circunstancias se han hecho duras y le obligan a retomarlo, de ahí, se entrecruzan la historia de un hombre que quiere deshacerse de un familiar (quien tiene un misterioso encuentro con una muchacha, siendo este posiblemente el detonante de su fatal destino) y que contratará sus servicios a través de una service atendida desde un cibercafé barrial, por una mujer, la “gorda” que atiende a sus clientes como si se tratase de un delivery, o a través del “negro”, un ex futbolista de ligas locales que también hace “trabajos” casuales, entre otros personajes, todos extraídos de una realidad cercana, tangible, y conocida de primera mano, con un interés por la verosimilitud que evita la dureza de lo superficialmente construido sobre supuestos.

Lo importante en cualquier película de similares características sería el “trabajo” o al menos los pormenores del mismo; los cuestionamientos del asesino, su planificación y resolución. Pero en este caso, eso es meramente anecdótico, un hecho más que no altera la peculiar escaleta, y que más bien es parte de un fondo del que se justifica todo en la película; La vida humana vale tanto como la paternidad, o la filiación, la relación de pareja, o un empleo aburrido, y todo ello sólo son cálculos cotidianos, nada extraordinario, nada filosófico, ni teológico, sólo la existencia simplificada a lo que se quiera alcanzar, la tranquilidad vista desde la apatía, la paz interior que más significa aislamiento, y la supervivencia que es más una serie de condiciones y exigencias que se enfrentan con una parsimoniosa deportividad. Hay un momento en la película en que esto se ve claro, cuando el solitario Micky almuerza junto a sus perros.

Micky no es malo porque a pesar de sus errores como padre, se preocupa por su hijo y por su ex pareja, ayuda a su hermana y a su pequeña, asume responsabilidades, es “buen pata”, en fin. Micky no es bueno porque asesina a alguien para solucionar sus problemas. Él y su trabajo no son buenos, ni malos, sólo necesarios en la realidad que muestra Miguel Vargas. Esta Lima en la que, según comprobamos en las noticias, puedes por menos de20 soles acabar con algún desdichado indeseado. Y es que ese Micky “buena gente” es natural, el “otro” es sólo producto de la sociedad que lo cobija. Hasta ahí, es la recurrente historia del alter ego que lucha por el control del individuo, pero lo diferente aquí es que no hay un límite ni siquiera levemente marcado, tal es así que al parecer su ex pareja sabiendo de su anterior ocupación, y sin que esto le despierte un pestañeo, le insta a retomarlo debido las necesidades presentadas. Micky no quiere hacer esos trabajos no por cuestiones morales, sino por cierta “flojera” debido a su adolescencia arrastrada.

El valor de la vida se refleja en la escena final de la película, en la actitud de la familia en su visita al cementerio, como si se tratase de un viaje al centro comercial o una salida a algún almuerzo campestre. La asimilación de la vida ha sido y es tan dura que aparentemente la muerte no detiene este proceso, ese que nos toca vivir, y donde nuestro valor está encerrado en qué podamos ofrecer o qué encontramos hacer para estar bien.

El Proyecto Lima-Z en el suplemento SOMOS del diario EL COMERCIO del 19/11/2011

2011-11-20T15:47:00.000-08:00

EL CINE INDEPENDIENTE SEGÚN JOHN CASSAVETTES

2011-11-16T13:45:00.000-08:00

No realizaré jamás un film comercial. No se puede pasar a la gente para que se interese en cualquier cosa. Es malsano, insalubre. Si puedo haré films con no profesionales, gente que pueda permitirse soñar con una recompensa importante diferente a la monetaria, gente con un deseo frenético de participar en un juego creativo sin saber exactamente de qué se trata. Lo que exijo a un equipo, es que brinden tanto amor al film, a la historia, a los actores y tanta inventividad y audacia como les sea humanamente posible. Es lo que he logrado con Shadows y con Faces; gente que no tenía ninguna experiencia técnica se ha abocado, cámara en mano, a ocuparse de los muebles, a participar en las discusiones sobre la escena, en suma a funcionar como un verdadero equipo de cine para el film.

Es este tipo de espíritu el que falta en el cine comercial donde los síndicos quieren controlar la marcha pensando en la próxima inversión, y aceptan la vida marchita que la sociedad organizada les ha reservado... La mitad de los problemas que los cineastas deben afrontar, es que se ven forzados no solamente a adaptarse a los actores, sino también a los técnicos, a la oficina de producción, y a los problemas financieros; en resumen, nunca les queda el tiempo preciso para dedicarlo a los problemas más importantes: a saber, ¿qué es aquello que ellos quieren decir a b>todo precio?

Extraído del libro "John Cassavettes, por el mismo".

ÚNETE A LA EXPERIENCIA ZOMBIE

2011-11-15T21:45:00.001-08:00

PROYECTO LIMA-Z: EL APOCALIPSIS ZOMBIE LLEGA A LIMA

2011-10-08T22:08:00.000-07:00

Los directores capitalinos Eduardo Quispe Alarcón, Jim Marcelo Santiago (“1”, “2”, “3” y “4”), Miguel Vargas Valladares (“Concreto” y “Demo”) y Rafael Arévalo (“Alienados, Kasa okupada”) preparan un film políptico denominado “PROYECTO LIMA - Z”, que tendrá la particularidad de ser la primera película de zombis limeña.

El proyecto constará de 4 cortometrajes en los que cada director presentará su visión personal de una Lima post apocalipsis zombi. Puntos de vista en los que, como dicta la tradición en el sub género, son las relaciones humanas en los momentos de crisis el mayor punto de atención.

Como ya es conocido en el modo de producción de estos jóvenes directores, la película será totalmente autofinanciada, de ínfimo presupuesto y realizada de manera autogestionaria. Estos son los motivos por los que los directores lanzan una convocatoria abierta al público en general, amante de las singulares criaturas de George A. Romero y otros maestros del sub-género, a colaborar y participar en esta producción.

El “PROYECTO LIMA-Z” se encuentra en fase pre-producción y se planea iniciar las grabaciones en el mes de noviembre de este año.

Los interesados en ser parte de esta peculiar aventura, pueden escribir al correo: proyectolimaz@gmail.com

Mi Perú...De siempre...De nunca...

2011-08-01T12:56:00.000-07:00

Pasé fiestas patrias durmiendo, despertando, viendo películas (de esa ruma que había acumulado como “pendientes”), tocando música, escribiendo cosas que publicaré después, preparando un ciclo de cine para el cineclub de la Escuela de Bellas Artes (que arranca el jueves 4 de agosto), planificando la pre producción de mi 5º largometraje, reuniéndome con mis compinches de la obra colectiva que pronto saldrá a la luz (ya escribiré más adelante sobre eso). Además, la obra multidisciplinaria que tengo entre manos... y bueno, aprovechar que estoy sin “trabajo”, pero produciendo, y mucho.

Sabía del cambio de mando, del discurso de Humala, pero ni me acerqué al televisor. De igual modo, revisaba correos, leía artículos, columnas, y uno que otro libro...También blogs, actualizaciones, y bueno, veo que como siempre la gente sigue peleándose, sigue pidiendo cosas a quienes nunca les prometieron nada…Leí por ahí a gente desgoznando de su habitual silencio y defendiéndose de una ofensa que asumieron como personal. No siento ningún interés personal en responderles.

He vivido 30 años en el Perú como para conocer a los peruanos.

En mi ignorancia y trasnochamiento me siento feliz y complacido por hacer lo que me da la gana sin tibias comparaciones, ni estándares autoinflingidos. La cordura es el estándar, la comodidad de llevarse bien con todos te hace sentirte libre de estar al otro lado.

Suele suceder que cuando alguien es sincero (que habría que serlo con uno mismo primero) y se siente libre de tapujos, se hace de cierta infamia, de ciertas ojerizas impensadas, o en el mejor de los casos, se le cataloga a uno de “radical” o de "ignorante" e inmediatamente salen los defensores del “aquí no pasó nada” a pasarle trapos tibios o asentar el café, para que no sepa tan amargo.

Me tiene sin cuidado.

¡Felices fiestas patrias! ¿Ya pasaron?, ¡Qué más dá!...el Perú es el de siempre, el de nunca...

¿Qué es el cine independiente?

2011-07-05T17:28:00.000-07:00

En simples palabras; ver una película que me produce la sensación de deberse a sí misma; que no está parametrada a ganar un Festival, a gustar a cierto típico crítico que cree que ver crecer la hierba es cine, o que mostrar a 2 personas tener sexo explícito es ser arriesgado, que se esfuerza por ser “interesante” entendiéndose esto como mostrar historias bizarras (reales o ficticias), con personajes lunáticos, caricaturizados a lo MTV o Locomotion, que se introducen tubérculos al cuerpo, o marginales que beben su propia orina, que se tatúan con sus propias uñas arrancadas de raíz o que son adictos al insecticida para hormigas.

Las poses pop art cholo, las citas de escritores “malditos”, los embustes de intervenir un registro documental para ficcionalizar, la estética reality show, porque eso está de moda. Esas tonterías de manipular la imagen con filtros cochinos, o de colorcitos sicodélicos que ya son anacrónicos, de buscar ser la versión peruana y autárquica de Bresson, de intentar, y sólo eso, ser Tarantino trasnochado, Gonzales Iñarritu en ayawasca.

Darle giros a la historia, todo ese desmadre saturnino de que los malos sean buenos y los buenos no tan buenos y las fruslerías al estilo Christopher Nolan sin genio.

Osea, no hacer una película furcia que postule a que dentro de cuatro años le caiga financiamiento para el “transfer”, una irrumación de productor o financista que siempre busca “mejorar” algunos aspectos formales y narrativos a fin de “vender mejor” la película.

Hago aquí un paréntesis: si haces una película para venderla, entonces eres más comerciante que cineasta, no sé hasta qué punto pero, no podrás negar que haces la película para que determinado público la consuma, y utilizarás determinados códigos y parámetros de venta, algo que haga tu película “aceptable” para muchos o algunos muchos.

Nadie tiene derecho de descalificar, no pretendo hacerlo, sólo se trata de poner las cosas claras. Si alguien me dice que George Lucas es tan independiente como Rafael Arévalo, no me lo trago.

Un director puede creer en sí mismo, en sus ideas, en sus propuestas, y darse por ellas. ¿Eso es ser independiente? Las convicciones no hacen la independencia, es más podría decir que la maniatan. Los principios hacen la diferencia, porque está respaldado por el sentido común, por la búsqueda de bienestar comunitario, pues son en esencia éticos y morales.

Una convicción en cambio, tiende a ser ciega muchas veces, se puede confiar falsamente. Muchos directores pueden tener la convicción de que sólo una industria puede salvar el cine, como si la cantidad, las cifras de dólares elevadas y las estéticas clasificadas, etiquetadas, empaquetadas y puestas a la venta como “novedades”, puedan ser determinantes para las calidades o mejor dicho, para la variedad, y no me refiero sólo a géneros, pues la industria del embrutecimiento (o lo que algunos llaman entretenimiento) es experta en brindar la ilusión de la novedad en lo repetitivo, de lo único e individual en lo que lleva código de barras. Hay que ver a un quinceañero que se cree único porque escucha a Tokio Hotel para darse cuenta de eso.

Ok, el cine necesita público para existir, pero asumir que el público es homogéneo y que por eso las películas deben serlo, me parece insultante, es asumir que al público hay que tratarlo como a débiles mentales.

Ser independiente conlleva asumir una posición radical; los cineastas de la posvanguardia rechazan la homogeneidad y la globalización de las imágenes, así como el discurso único, las imposiciones del lenguaje dictado por parámetros neocolonizantes. El cineasta independiente está contra la mercantilización y banalización de los valores de las imágenes, pues estas le dan forma a nuestra condición humana, nos identifican, nos dan un patrimonio cultural, nos hacen ser nosotros.

El cineasta independiente está contra lo políticamente correcto, pues de lo contrario sería un empleado más. Para ser independiente tienes que rebelarte y rechazar los discursos oficiales, navegar contracorriente, mantener una actitud y postura de crítica radical.

En el arte las palabras más comunes deben ser radicalismos contra lo establecido.

Los cineastas viven y producen el constante desplazamiento del mundo del arte, en muchos aspectos. El lenguaje audiovisual ha cambiado y está cambiando, pero es más significativo el caso del cine. De la vanguardia se heredaron la experimentación, los planteamientos eclécticos, lo multidisciplinario, el dialogo con las otras artes, la asimilación de los avances del pensamiento, de la filosofía, de la estética, los nuevos enfoques históricos, los revisionismos y todo aquello que se opone a que las cosas estén bien tal como están en beneficio de los de siempre.

El cine puede ser un instrumento de resistencia, una acción política; arriesgarse a equivocarse, ir a la incertidumbre en vez de conformarse con un falso saber impuesto. Cómo diría Ángel Quintana de Cahiers du cinema: “El cine digital no ha servido únicamente para crear los mundos en los que Lara Croft acabará ganando el Oscar a la mejor actriz, sino también para aumentar el deseo de filmar las ruinas de nuestra civilización.”

Carlos Losilla dice: “¿Por qué no ser radicales? ¿Por qué no poner al espectador contra las cuerdas del sentido, de sus límites? ¿Por qué no aniquilar todas sus certezas para salvaguardar la excitación de la búsqueda constante?”

Ahora, para muchos el cine “independiente” ya tiene fórmulas.

Más allá de presupuestos, financiamientos, de formatos, soportes y asuntos técnicos, la independencia es autonomía, es hacer la película menos dependiente de un factor de gusto externo, sea este el de un “público”, el perfil de un festival, la endogamia con la crítica, y sobre todo, la concesión con el lenguaje homogenizado, industrializado. Que una película independiente intente “ser” como una película de industria, o que busque codearse con el circulito indie sundanceado o, como diría Alberto Fuguet, rotterdaniano, es casi como vender sándwiches al costado de Mc Donalds.

Pero, justamente para eso vale la pena poner las cosas claras, porque si ser independiente es la etiqueta que te hacer estar dentro del sistema sin ser parte de él (osea, sí, pero no) entonces es un embuste, una patraña. Tomar coca cola o pepsi no importa mucho, un independiente preferirá siempre un emoliente en la esquina.

Ser cineasta independiente no es cómodo, es peligroso. Si sólo se tratara de armar historias frikis, de buscar tipologías seudo marginales, de estéticas extremistas que rayan entre el videoarte y el videoclip, la cosa sería tranquila.

Se trata de decir lo que otros callan, de no escudarse en la tibieza, de incomodar, de no deberle nada a nadie, para tener siempre la libertad de no tener reparos en lo que se dice, de mearse en el protocolo, en lo políticamente correcto, de zurrarse en las normas de viejos enciclopedistas con sus miles de “esto no se debe hacer”.

Podría concluir en que ser independiente es algo así como ser suicida, con todas las ventajas y compromisos que ello implica.

FESTIVAL DE CINE LIMA INDEPENDIENTE: UN BALANCE PERSONAL

2011-07-04T12:22:00.000-07:00

Teoría de cuerdas (Luján Montes, Gabriel González Carreño, Clara Frías, Laura Focarazzo y Luciana Fo. Argentina, 2010)

112 obras cinematográficas, la mayoría inéditas en el país, provenientes de diversos lugares de nuestro país y del extranjero, retrospectivas de Richard Kerr y Raúl Perrone (de quien además hubo una exposición fotográfica) y un justo homenaje al recientemente fallecido cineasta nacional Armando Robles Godoy. Nuevos espacios, nuevo público, nuevo cine.

El Festival de Cine Lima Independiente mostró mucho más que películas. Mostró que el cine, como manifestación cultural es patrimonio de dominio público (en lo que a exhibición se refiere, no a los derechos de cada realizador sobre su obra, aunque personalmente me gusta más lo que dijo Godard: “Los artistas no tienen derechos, tienen deberes”) y como bien público ha de ser accesible a todos los públicos. Ahora, no es que me oponga a retribuir a un creador que vive de su creación. Lo que sí me opongo es a pagar precios abusivos que benefician más a intermediarios (quienes tienen derecho a la usura, pero a mí no me interesa beneficiarlos) que mayormente tienden a la elitización. La accesibilidad es una garantía para contrarrestar también a los facilistas que piensan que ciertas películas son snob, o que el hecho de que no sean masivas las hace impasibles e indigeribles.

También pudimos ver que, al igual que las películas, sólo basta una idea en la que creer (así es mis queridos posmodernistas, las ideas y la fidelidad a ellas aún no han muerto) para poder crear. El poder de creer es el poder de crear. La organización del Festival costó, pero el precio lo pagamos todos, en un esfuerzo comunitario en el que instituciones, colectivos, realizadores, críticos, cinéfilos y sencillamente seres humanos que se enteraron de esta iniciativa, simpatizaron por la misma y aportaron con apoyo económico, con sedes, soporte técnico y apoyo en las proyecciones y actividades del Festival. En tiempos de dictadura de la economía de mercado, esta actitud de desprendimiento es realmente loable.

(Manuel de Ribera de Christopher Murray y Pablo Carrera. Chile.2010)

Ahora, con respecto a las películas, que es al fin lo que realmente nos importa, tener acceso a obras de notable calidad expresiva (porque personalmente, me zurro en lo que digan los puristas de la imagen, la ‘notable’ fotografía de comercial de perfume y el preciosismo high tech) curadas y reunidas en una programación de toda una semana realmente me dejó exhausto, abrumado, alucinado y fascinado. Los trabajos de Raúl Perrone, pionero e ícono del cine independiente en la región, reunidos por primera vez para el público peruano, nos dieron la oportunidad de acercarnos a una de las propuestas que desde la década del 90 desencadenaron, en muchos casos, la idea del cine de temática cotidiana, de muy bajo presupuesto, y en formatos caseros.

Descubrir tesoros como el documental Parador Retiro (2010) del argentino Jorge Leandro Colás, la mirada madura y sensibilidad de José Luís Torre Leiva en su documental Tres semanas después, y a modo de ‘réplica’ el corto ganador La calma del peruano Fernando Vílchez, los cortos de Maya Watanabe, la originalidad de Priotr, del chileno Martín Seeger, la incomprendida (y en muchos sentidos genialmente incomprensible) película argentina Teoría de Cuerdas, cuyo título nos da bastante anticipo de lo que podamos ver, sin pasar por alto aquellas 2 maravillas que son Todos Vos sodes capitans de Oliver Laxe y Manuel de Ribera de Christopher Murray y Pablo Carrera.

Todas ellas, salvo la multipremiada película de Oliver Laxe, son trabajos en digital. Muchos de ellos son tesis de vida, manifiestos sediciosos, estilos disidentes, otros producidos bajo condiciones que muchos considerarían desafiantes (sobre todos aquellos que estarían dispuestos a gastar 300,000 ó más para un transfer), es decir un tipo de cine que no espera 4 años para aspirar algún fondo internacional, que no hace colas complacientes para burócratas que quieran intervenir en la película para hacerla “más visible”. Son anti comerciales pero no esquivas, pues muchas podrían bien estar en cualquier cartelera si esta no estuviera acostumbrada a la bosta.

El Festival ha sido independiente mostrando películas verdaderamente independientes.

Existen muchos públicos, muchas películas, muchos espacios, pero era ya insultante que no existiera un espacio que reuniera este cine, para este creciente público que sigue cineclubs, que compra en el pasaje 18 de Polvos Azules o que Taringa, Emule y los Torrents suplen sus necesidades cinéfilas. Que en pleno siglo XXI, en plena revolución informática, no se acepten trabajos en digital, o que se les reduzca a muestras por no entrar en estándares acartonados de hace décadas, que se privilegie sólo un modelo de producción, y casi una sola estética, habla mucho de nuestra realidad cinematográfica.

Mientras muchos reclamen la existencia de más fondos, de subsidios para carreras ya hechas, de industria (¿bajo qué modelos?), de mayor cantidad de “producciones” hechas bajo esos criterios, los cineastas (auto)relegados hacen películas, se hacen de espacios, y tratan de llevar a la gente una alternativa ante la saturante y neocolonizada cartelera limeña.

Pero el Festival también mostró la necesidad de una Escuela de cine, de espacios para que los cineastas confluyan propuestas, compitan (visto esto desde la mejor acepción), dialoguen, se alimenten de las tendencias, de los nuevos cines a fin de mejorar su propio lenguaje. Llego a esta conclusión al ver la distancia entre lo que se está haciendo aquí y lo que, casi con las mismas condiciones y presupuestos, se hace en Chile, Argentina, Bolivia, por mencionar algunos países de la región. El factor diferencial no puede la industria, porque de lo contrario, todas las películas saldrían bajo modelos de industria y ese no es el caso.

Además de llevar ese dialogo con cineastas, críticos y público de esos países, algo que también consiguió y puede conseguir mejor después del Festival, ya que este espacio sirve para que el ciclo de vida de nuestras películas se prolongue, aparte de los esfuerzos personales de cada realizador por internacionalizar su trabajo.

(Tres semanas después, de José Luís Torres Leiva. Chile. 2010)

1º FESTIVAL DE CINE LIMA INDEPENDIENTE - DEL 20 AL 25 DE JUNIO 2011

2011-05-30T18:36:00.000-07:00

Ha nacido un nuevo cine en el Perú y nosotros queremos dar cuenta de este hecho. Un grupo de películas realizadas en formato digital y de bajo presupuesto obliga a reescribir la historia del cine peruano. Nunca hasta ahora este material valioso, pero disperso, ha sido visto en su totalidad por su público natural, gente de espíritu joven, curiosa y sensible a experiencias estéticas innovadoras. Nuestro objetivo es darle a este nuevo cine el espacio que se merece, crear un circuito de exhibición más amplio y generar diálogo y reflexión sobre este fenómeno; a la vez que compartir con el público las obras de importantes directores independientes de diversas partes del mundo.

Habrá además conversatorios con participación de los realizadores, exposiciones artísticas, conferencias, performance, entre otras actividades multidisciplinarias.

SEDES:

Universidad Peruana Cayetano Heredia - Av. Armendáriz 445, Miraflores.

Universidad Del Pacífico - Av. Salaverry 2020, Jesús María.

Centro Cultural Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú - Jr. Huallaga 402, Cercado de Lima.

Escuela de Arte Corriente Alterna - Renán Elías 500, Miraflores.

Restobar Cultural Koka Kinto - Jr. Wakulski 177 (entre crda 1 y 2 de la Av. Brasil), Cercado de Lima.

Cineclub de Pueblo Libre - Av. Cipriano Dulanto 949, Pueblo Libre.

Centro cultural La Casa Rosa - Av. Saenz Peña 212, Barranco.

COMITE ORGANIZADOR:

ASOCIACIÓN PERUANA DE CINE INDEPENDIENTE

Mario César Castro Cobos.
Viviana Anabell Quea Acosta.
Herbert Félix Bazán Aguirre.
Erik Eduardo Quispe Alarcón.
Marco Antonio Ramos Saettone.
Alonso Izaguirre Godoy.

Colaboradores:

John Campos Gómez
Jim Marcelo Santiago
FENACO

Enlaces:
http://limaindependiente.blogspot.com/2011/04/lima-independiente-film-festival.html
http://www.facebook.com/Cinelimaindependiente
http://twitter.com/Limdependiente

"El camino de los independientes" artículo publicado en la revista Godard

2011-05-09T10:04:00.000-07:00

Por Sebastián Pimentel

… La propuesta de la dupla Quispe-Marcelo está la senda de un realismo “rohmeriano” concentrando en la tensión establecida entre parejas, y en planos secuencias que funcionan como unidades o flujos sin interrupción. 3, es la continuación de un programa iniciado por 1 (2008) y 2 (2009). Y, podríamos decir, cada episodio o “largo” no es más que una variante de una conversación de un pretendiente y una pretendida, de dos enamorados en el proceso “oral” de unirse o separarse.

Quizá, lo más interesante del “sistema” Quispe-Marcelo (ambos socios y líderes del grupo de creación Cinestesia) es la vocación filosófica y pragmática de su proyecto-laboratorio: uno tan secuencial, tan serial, como el título de cada película. Un programa de trabajo sin fin alrededor de un tema que podría denominarse, casi como una fórmula: “la soledad de la pareja”, valga la paradoja. Este filme no puede acabar porque tiene que re-hacerse con todas las combinaciones de un número limitado de elementos. Al parecer, se trata de llegar a un virtual 100: con Quispe y Marcelo el cine se ha vuelto un poco lo que fue para Vertov a inicios del siglo XX: un instrumento de trabajo y de estudio, una forma de conocimiento. De allí lo fascinante de este método.

Si 1 se remite a la especie de nacimiento abortado de una pareja que divaga en escenarios urbanos, emplazando los rostros como un asedio que permita diferentes ángulos, 2 hace un viraje hacia “afuera”: empieza como un documental sobre un día en las riberas del Centro de Lima que termina en la fiesta donde, de nuevo, el mismo Quispe asume el rol protagónico. Luego, vemos al director, como a Linda Soto, empezar, cada uno por su lado y en paralelo, su propia rutina solitaria, aunque desde dos clases sociales diferentes. Como es de preverse, ambos se encontrarán. Un aspecto interesante de la serie se refuerza: la escucha de la conversación se enturbia por el ambiente, casi como se enturbia la visión de los rostros por la navegación de la cámara alrededor del entorno próximo. Sin embargo, la “negociación” final entre la pareja de 2, en un parque, podría ser lo menos convincente de una propuesta que no llega a sentirse íntima: esta vez la soledad no tuvo contrapunto mayor.

3 devuelve, al proyecto, una fuerza que quizá había perdido 2. Ahora, en la noche, una cámara recorre, con ese estilo sistemático del proyecto Cinestesia, las bancas de un parque. Así, el filme se estructura como una red de pequeños filmes unidos conceptualmente, ya que todas las parejas encontradas despliegan un micro-show oral y dramático directo. La nueva ola, el Dogma 95, y todos los free cinemas, tienen su continuidad en 3, con el atractivo que ahora las parejas son múltiples y el filme adquiere un carácter más eléctrico, cómico y violento, incluso más documental, que en el caso de las historias protagonizadas por Quispe. Si bien no todas las dinámicas gozan del mismo nivel de naturalidad y fluidez, otro atractivo es que no hay cortes en este devenir audiovisual, especie de tour de forcé sobre distintas parejas-universos en un cosmos urbano donde el sonido interferido hace su espectáculo secreto. Vuelve una pregunta muy contemporánea, forzada por 3, pero ya entrevista en 1 y 2: ¿Qué sucede cuando la ficcionalización de la propia vida pierde sus contornos ilusorios, en el flujo libre de oralidad registrada de forma documental y precaria?

Pero si tuviéramos que elegir, nos quedaríamos con la más menesterosa -técnicamente hablando- y concentrada 1. Allí el mismo Quispe, como protagónico pretendiente, emplaza, en una secuencia de conversaciones y “sets” en exteriores, a su pretendida: Grecia Aguinaga. El proceso adquiere misterio y expectativa por la incorporación de otro tema fundamental del cine moderno: el tiempo. Las largas secuencias de diálogo empiezan en un orden cronológico, en un arco temporal reducido (ellos en la calle, ellos en un café, ellos en un solar antiguo), para permutar el orden del tiempo, de modo que el espectador tiene que participar en la reconstrucción del proceso que ha llevado la relación, atendiendo, también, a los diversos signos y “datos” que proliferan en las dilatadas conversaciones. Nuestra preferencia, hay que decirlo, elige un criterio: el nivel de tensión entre los personajes, y el grado de complejidad que va adquiriendo su relación, de principio a fin. Es la más parecida a una historia de amor inconclusa, o indefinida de las tres y, quizá, la que conserve un mayor poder emotivo.

Por Sebastián Pimentel

Ciclo: Elogio a Jean Luc Godard I

2011-04-04T11:35:00.000-07:00

El cineclub VIDEANDO del colectivo Cinestesia, presenta este mes un ciclo dedicado a 4 de las últimas películas del genial director franco-suizo Jean Luc Godard, incluyendo la reciente Film Socialisme.

No se puede hablar de cine moderno sin hablar de Godard. Sus planos contienen citas culturales, compromiso político y radicalidad estética. El cineasta experimental incansable, irreverente y políticamente incorrecto, se ha enfrentado a los poderes y figuras de todo tipo, y tiene en su haber una filmografía imprescindible para la historia del cine.

Las proyecciones se realizarán todos los martes de abril, a las 7:30 p.m., como siempre, en el local de los talleres de arte de la UTP, en el pasaje Hernán Velarde 179, Lima (altura de la cuadra 1 de Petit Thouars). El ingreso es libre y habrá comentarios al finalizar cada proyección.

La programación es la siguiente:

MARTES 05 ABRIL 2011, 7:30 p.m.

NOTRE MUSIQUE (2004)

Una cantata en 3 movimientos. El Infierno: imágenes de guerra y devastación, sin orden cronológico se mezclan con imágenes de ficción de Eisenstein, Kurosawa, Ford, y otros. El Purgatorio: La ciudad de Sarajevo, víctima de una las más crueles matanzas de los últimos años tras el conflicto de los Balcanes, es sede de un encuentro de literatos que incluye una ponencia del mismo Godard, sobre la imagen. El Paraíso: Una playa vigilada por marines norteamericanos (ironía bastante gruesa), a la que va una joven estudiante después de autosacrificarse por la paz.

MARTES 12 ABRIL 2011, 7:30 p.m.

FOREVER MOZART (1996)

Una compañía francesa de teatro se propone representar una obra en la ciudad de Sarajevo, pero sus miembros son capturados y recluidos en un campo de prisioneros de guerra. Entonces pedirán ayuda a sus amigos más influyentes para que gestionen su liberación.

MARTES 19 ABRIL 2011, 7:30 p.m.

ELOGE DE L’ AMOUR (2001)

Un director de cine hace un casting para encontrar a la actriz protagonista de su próxima película. Después de probar a algunas postulantes, recibe a Elle, una joven que le inspira una extraña fascinación; tiene la certeza de haberla visto antes, pero no recuerda dónde ni cuándo. Cuando decide elegirla para el papel, descubre que ha muerto. Recuerda entonces el momento en que la vio por primera vez: fue en una entrevista con una pareja de ancianos supervivientes del Holocausto que habían vendido a un productor de Hollywood amigo suyo los derechos del relato de sus vidas.

MARTES 26 ABRIL 2011, 7:30 p.m.

FILM SOCIALISME (2010)

De similar forma que ‘Notre musique’, la película es una sinfonía en tres movimientos. "cosas así": en un crucero por el mediterráneo viajan personajes muy diversos entre los que tienen lugar numerosas conversaciones: un policía de moscú, un criminal de guerra, un filósofo francés, un embajador palestino, un ex doble agente, y Patti Smith, ícono punk norteamericana. "Nuestra Europa": una noche, una niña y su hermano pequeño convocan a sus padres ante el tribunal de su infancia y les piden explicaciones sobre la libertad, la igualdad y la fraternidad. "Nuestras humanidades": visita a seis lugares que son escenario de leyendas auténticas y falsas, Egipto, Palestina, Odessa, Hellas, Nápoles y Barcelona."

Teaser y Poster de "4", otra película de Cinestesia Perú...

2011-04-01T11:38:00.000-07:00

Esta es la primera entrega de imágenes de la película "4" realizada por Eduardo Quispe Alarcón y Jim Marcelo Santiago. Adjuntamos la ficha técnica.

FICHA TÉCNICA:
Título (idioma original): “4”
Género: Ficción/Documental/Experimental
Formato: 16:9
Duración: 70 min.
País: Perú
Año: 2011
Idioma: Español.

Dirección: Erik Eduardo Quispe Alarcón
Idea Original/Guión: Erik Eduardo Quispe Alarcón
Cámara: Jim Marcelo Santiago
Fotografía: Jim Marcelo Santiago
Sonido: Erik Eduardo Quispe Alarcón / Jim Marcelo Santiago
Edición: Erik Eduardo Quispe Alarcón / Jim Marcelo Santiago
Producción: Cinestesia Producciones
Reparto: Eduardo Quispe, Diana Castro, Brenda Betetta, Cristina Galarza, Christian Reátegui, Erika Mariazza, Giuliana Mallma, Grecia Aguinaga, Jackeline Castillo, Karla Mallma, Leny Tapia, Nati Espino y Stephania Navarro.
Con el Apoyo de: Ana Balcazar, Javier Bellido, Gonzalo Velasquez, Jhon Campos y Hugo Palomino.

Sinopsis
Un joven misántropo y cinéfilo, conoce a una vendedora de películas en dvd, dando rienda a su emotividad reprimida y desencadenando una apasionada obsesión por ella. Pero las cosas no parecen ser como se las imagina, y la gran ilusión puede convertirse también en una gran decepción, que lo lleva a divagar por la ciudad y entre la variedad de gente que la habita, quienes, entre diálogos, van mostrando el pensamiento generacional sobre las relaciones humanas.

Algunas palabras del director:

"Hace bastante que me propuse realizar un ensayo sobre el amor posmoderno, es decir, retrata una sociedad incapaz de mantener vínculos sólidos y perpetuos. Esta fragilidad en las relaciones personales, produce muchos fenómenos sociales, porque siempre se enfrentan la exigencia personal y la familiar/social; por una parte toda la sociedad espera que uno cumpla al pie de la letra el ciclo de estudiar/hacer una carrera/casarse/tener hijos, y esa misma sociedad impone una cultura del éxito y competitividad, que de por sí, son actitudes y motivaciones bastante personalistas, que generan huídas masivas al compromiso, que ata nuestro ‘potencial’, y nos exige entrega y desprendimiento, sin dejarnos muchos beneficios.

Así, el amor se vuelve un ‘negocio’, el individuo aprende a amar a través de la publicidad y los modelos de la cultura pop, y se enfrenta a una indefinición de los sentimientos, las relaciones y de los roles sociales. Bueno, es un rollazo, pero tratamos de hacer una película que experimente más en la narrativa y el planteamiento visual, y que ayuden a identificar varios indicadores del comportamiento de la gente en ese aspecto, de la muy peculiar sociedad limeña, observándola y escuchándola. Hemos tratando de mantener ese enfrentamiento de personajes contrapuestos, que a la vez, son muy similares, algo que ya hemos estado desarrollando en nuestras películas anteriores”

Eduardo Quispe

Diana Castro y Jhon Campos

Grecia Aguinaga, Eduardo Quispe y Karla Mallma

Eduardo Quispe y Karla Mallma

Grecia Aguinaga, Eduardo Quispe y Karla Mallma

Eduardo Quispe, Diana Castro, Stephania Navarro, Leny Tapia, Cristina Galarza, Brenda Betetta y Erika Mariazza

Diana Castro en una escena grabada en "Mondo Trasho" Polvos Azules pj. 18

Eduardo Quispe en "Mondo Trasho" Polvos Azules pj. 18

Jim Marcelo grabando a Leny Tapia, Stephania Navarro y Cristina Galarza.

Hugo Palomino y Eduardo Quispe, alistando la locación de una escena.

ACLARANDO...A PARTIR DE ESTA SEMANA, NUESTRAS PROYECCIONES SERÁ LOS MARTES A LAS 7:30 P.M.

2011-03-19T02:26:00.000-07:00

Estimados, les comunicamos que a partir de esta semana, las proyecciones de nuestro cineclub se realizarán los martes desde las 7:30 p.m. De esta forma, la proyección de este martes 22 de marzo de 2011 es WAITING FOR LOVE, tercera película de la trilogía del amor de James Lee. El siguiente marte 29, estaremos presentando cortometrajes peruanos, muchos de ellos en calidad de estreno...no se lo pierdan, la entrada es LIBRE y es en el lugar de siempre; Local de Talleres de arte UTP Pasaje Hernán Velarde 179, Lima.

CON USTEDES, EL CINECLUB "VIDEANDO" DEL COLECTIVO CINESTESIA

2011-03-08T17:07:00.000-08:00

El colectivo Cinestesia, después de programar por 2 años en el cineclub “Ojos abiertos” de la UTP, ha intentado siempre mantener una programación atractiva para los amantes del cine, con ciclos especiales, temáticos, por autores, vanguardias, (sub) géneros, etc... Comunica al público en general que ese espacio está ahora en manos de la Dirección de Cultura de la UTP, con la que no tenemos ninguna relación, ni afinidad, por lo cual, no nos responsabilizamos ni participamos de los ciclos que en adelante se programen en ese cineclub.

Sin embargo, continuaremos programando en nuestro espacio habitual, el local de talleres de arte de la UTP, ubicado en pasaje Hernán Velarde 179, Lima (altura de la cuadra 1 de Petit Thouars), esta vez, con el nombre “videando”…

A continuación; les presentamos la lista de actividades de nuestro cineclub:

Ciclo: “James Lee: La trilogía del amor”

James Lee es un director primordial del nuevo cine malayo, que surge desde el video digital y el cortometraje, realizado con la precariedad propia de un movimiento “Do it yourself”. Su trayectoria como director es variada, desde sus experimentos con el género y propuestas más personales, siendo a su vez productor, director de fotografía e incluso actor, principalmente para otro director del movimiento Tan Chui Mui, y también en la primeras películas de Amir Muhammad o Ho Yuhang, a través de su propia productora, Doghouse73 o de la del grupo, Da Huang.

La “trilogía del amor” es una de sus propuestas más interesantes, contienen las películas:

BEFORE WE FALL IN LOVE AGAIN (Nian ni ru xi)

Malasia / 2006 / 99 min.

Proyección: JUEVES 10 DE MARZO 2011, 7:30 P.M.

Ling Yue desaparece misteriosamente. Un mes después, Chang, su marido, decide ir a Praga a buscarla, ya que ella siempre se ha sentido fascinada por esta ciudad y es posible que se encuentre allí. Antes de emprender el viaje aparece Tong, un hombre que dice ser el amante de Ling Yue, y que también necesita saber por qué ha desaparecido. Una película sobre sueños, recuerdos y traiciones, en definitiva, un rompecabezas armado con piezas de emociones humanas.

THINGS WE DO WHEN WE FALL IN LOVE

Malasia / 2007 /89 min.

Proyección: JUEVES 17 DE MARZO 2011, 7:30 P.M.

Narra la historia de dos amantes que están intentando encontrar una solución a su relación, lo que provoca discusiones a menudo. Un día deciden emprender un viaje fuera de la ciudad en coche. Su esperanza es poder resolver los problemas, o al menos escapar temporalmente de ellos. Una relación difícil que sin embargo se sustenta gracias al gran amor que se tienen uno al otro.

WAITING FOR LOVE

Malasia / 2007 / 70 min.

Proyección: MARTES 22 DE MARZO 2011, 7:30 P.M.

Tres escenas sobre tres parejas cada una de ellas retratada en un punto conflictivo de su relación. En la primera escena, Lim y Amelia son una pareja que llevan juntos cinco años. Él trata de salvar su relación y le pregunta a su pareja si desea casarse. Una carta de un admirador añadirá más tensión a la relación. En la segunda escena, Pete y Bernice son una pareja que llevan ya diez años juntos. Ellos no se casan porque no creen en el matrimonio. Sin embargo, ella un día se da cuenta de que puede que él no sea su pareja ideal. En la tercera escena, Ami y Lai son una pareja de amantes. Puede que sea su último encuentro, o tal vez no.

MARTES 29 DE MARZO 2011, 7:30 P.M.

NUEVO CINE PERUANO:

CORTOMETRAJES DE MONICA PALOMINO, MIGUEL VARGAS, EDUARDO QUISPE, JIM MARCELO, MARIO CASTRO y HUGO PALOMINO.

AGAIN de Hugo Palomino (7 min.)

La espera, el entusiasmo, la ansiedad, la desesperación, el cansancio y la renuncia...La esperanza, la cita, la espera, el entusiasmo, la ansiedad...etc...

GARANTÍA DE POR VIDA de Eduardo Quispe (2 min.)

Un vistazo al instante después del suicidio de un joven, intentando entender el porqué de su decisión.

INTRIGAS I de Eduardo Quispe (10 min.)
Un par de amigos conversan sobre las relaciones de poder que se dan entre una pareja. Uno de ellos es el director de un cortometraje que se está enamorando de su protagonista, echando abajo su discurso en la práctica.

LIBERTAD Y DEMOCRACIA de Eduardo Quispe (5 min.)

Un requiem para los desaparecidos por el terrorismo de estado durante la guerra interna.

CUBO de Mónica Palomino (1:10 min.)

Universos paralelos que dialogan; un personaje misterioso limitado a repetirse en tiempo y espacio.

“X” de Mario Castro (5 min.)

Contemplativo. Un ejercicio estético y sensorial que desafía nuestra capacidad de atención.

OBJETO de Jim Marcelo (3 min.)

Animación. ¿las personas son fines o sólo medios, son individuos particulares o proyeccciones de los demás?

CONCRETO de miguel Vargas (7 min.)

Ficción/documental, el techado de una casa en un paraje alejado de la ciudad muestra los niveles de construcción de la sociedad limeña.

Conversatorio con los directores al final de la proyección.

CICLO ENERO 2011: "LO QUE (NO) SE VIÓ DEL 2010"

2011-01-05T15:32:00.000-08:00

Como ya acostumbramos, el cineclub "Ojos abiertos" que Cinestesia programa en la UTP, presenta las películas que no se estrenaron en las salas comerciales o culturales y que creemos, deben ser vistas. Son todos los jueves de enero 2011, a las 7:30 p.m. en Pasaje Hernán Velarde 179, Lima (a la altura de la crda 1 de Petit Thouars). El ingreso es libre. No se lo pierdan.

Jueves 06 enero, 7:30 p.m.

Lung Boonmee raluek chat

(El tio Bomme recuerda sus vidas pasadas)

Apichatpong Weerasethakul - Tailandia, 2010

El campo, la ciudad, los mitos, fantasmas, criaturas extrañas, y bueno, también humanos. Esta inclasificable, extrañísima pero hermosa y excelente película fue ganadora de la última Palma de Oro en Cannes, y nos muestra un compendio de todo el cine e universo de Apitchapong Weerasethakul. Tienes que verla.

Jueves 13 enero, 7:30 p.m.

The Limits of control

(Los Limites del control)

Jim Jarmusch - EUA, 2009

El mejor Jarmusch desde hace bastante tiempo (y eso que Broken flowers es muy buena), argumento minimalista, profundo, enigmático, y lleno de filosofía oriental. Una película que juega con el género de 'espías', pero que no es otra cosa que un elogio y apologia al arte.

Jueves 20 enero, 7:30 p.m.

Kynodontas
(Canino)

Giorgos Lanthimos - Grecia, 2009

Una rareza griega, emparentado con el cine de Haneke, ganadora del premio especial en Cannes 2010. Es una crítica despiadada al control parental y el componente modelador que los padres inevitablemente ejercen con sus hijos. Óptima para diferenciar los pequeños matices que existen entre enseñar y educar, amaestrar y guiar, moldear y proyectar.

Jueves 27 enero, 7:30 p.m.

Visage

(Rostro)

Tsai Ming Liang - Francia, Taiwan, 2009

Un cineasta pretende filmar el mito de “Salomé” en el Museo del Louvre, París. Presentando también casi todos los elementos de sus trabajos anteriores, la película es un simbólico guiño al cine francés (occidental?); un requiem que termina por decorar el Louvre con aquellas antiguas figuras, pero no por ello exentas de melancólica belleza, entre ellas Jeanne Moreau, Laetitia Casta ,Fanny Ardant, además de la estelar participación de Jean-Pierre Léaud, el Antoine de Truffaut de antaño. Un homenaje al cine moderno y una muestra de cine 'del futuro'.

LOS CINEASTAS DE VERDAD

2010-12-31T15:34:00.000-08:00

Pienso que un cineasta/artista siempre se debe a sí mismo, pero nunca olvida dónde está parado. Tampoco ignora la realidad política y social, ni se hace de la vista gorda ante la injusticia, los abusos, y las desigualdades en cualquiera de los niveles y en los distintos ámbitos de la vida.

Sin importar lo que diga el posmodernismo (o mejor dicho, la posvanguardia) el activismo en los artistas es casi inherente. De una u otra forma la rebeldía es un requisito artístico; la denuncia una norma y la referencia contextual (histórica/o no), un elemento indispensable en la creación, ya sea con un tratamiento directo o indirecto.

Los artistas, en su mayoría presumen una imagen de míticos marginales, visionarios de un mundo mejor a través de mostrar lo peor de nuestra miserable realidad. En todas las épocas han tenido posturas iconoclastas (la mayoría de veces parricidas), desafiando a las autoridades políticas, académicas y morales de su época; enfrentándose a los reaccionarios del stablishment, aquel patronato geriátrico, arbitrario y lleno de prejuicios sobre casi todo, y que son una invitación abierta a la disensión.

Toda revolución formal nace de una posición contraria a lo establecido, que no sólo se atañe a la técnica, sino al pensamiento, la ética/estética; un modo de ser, hacer y estar. Esas inquietudes de buscar ‘una manera diferente’, atentar contra las normas y convenciones es una actitud propia del artista, independientemente a su trascendencia en la historia.

Sin la necesidad de ser un artista político, el artista hace política, porque expresa y comparte una visión del mundo. Mucho más con los considerados artistas ‘del futuro’, aquellos seres proféticos que se han adelantado a su época con los pies en la tierra y la cabeza en los cielos o el infierno, según sea el caso.

Resumiendo, el cineasta que hace arte (¿los cineastas de verdad?) busca siempre hacer las cosas de una manera diferente, producto de tener un inconformismo y una forma particular de pensar y ver el mundo.

No me imagino a Apitchapong Weerasethakul, a mí entender el cineasta/artista de la década, en una actitud avasallada y convenientemente alineada ante una situación que amerita la indignación. Como prueba de ello, unas palabras del buen Api:

“En Uncle Boonmee… he querido hacer un tributo al pasado, a mis películas pasadas. Hay un tema recurrente en toda la película que es el tema del reencuentro de los personajes, del recuerdo y de la memoria… y bajo todo eso, hay una conciencia política del lugar donde se ha rodado que es el noroeste de Tailandia. No son dos partes claramente distinguidas, pero sí se habla de un cine que ya ha pasado. Espero que mi siguiente película esté enfocada a explicar o desarrollar algún tema socio-político y adentrarme más en la actualidad de mi país.” (Entrevista realizada por Gloria Fernández, noviembre 2010.)

Cabe precisar que el genio tailandés en nombre del arte y la verdadera libertad, desafía constantemente a la dictadura de su país, como miembro activo de la asociación Free Thai Cinema. Además, que mejor activismo que la producción de las bellas imágenes que la censura tailandesa no puede ocultar, por más esforzadas que sean sus cavernarias intenciones.

(Si entiendes tailandés, o te quieres dar el trabajo de traducir en google, este es el link del movimiento: http://freethaicinema.blogspot.com/)

Jean Luc Godard, un cineasta referente para muchas generaciones, tanto por sus constantes transgresiones formales, como por su posición política; denunciaba los atropellos de su gobierno en la guerra argelina, la posición servil de Francia ante la guerra de Vietnam, además de encabezar las manifestaciones de aquel mayo del 68 parisino que canceló el Festival de Cannes de ese año, siendo también parte del movimiento por la creación de la nación palestina, las luchas por los derechos civiles de los afro ascendientes, denunciar las guerras y matanzas de todas las banderas, como la que ocurrió en los noventa en Los Balcanes, eso, sin contar con su etapa de activismo político en el grupo Dziga Vertov.

Y ya estando en su calidad de mito viviente, se da el lujo de arrochar al Festival de Cannes en más de una ocasión, a pesar de las invitaciones con honores y todo, por cuestión de “principios”. Ni que decir del arroz que le arrojó al Oscar honorífico.

Una perla más: El genial director franco-suizo donó dinero en setiembre de este año, para la defensa legal de James Climent, un ciudadano francés multado con 20 mil euros por descargar 13, 788 audios MP3 a través de BitTorrent. Godard mencionó en su momento: “No es de donde tomas las cosas, es adonde las llevas... Estoy en contra del Hadopi (la ley francesa de coyright en internet), obviamente. La propiedad intelectual no existe…”

Lelouch, Godard, Truffaut, Malle y Polanski en reunión que suspendió el Festival de Cannes para sumarse a las protestas de mayo del 68.

Tomás Gutiérrez De Alea, el gran Titón mando a rodar a los camaradas del ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos) de la dictadura estalinista de Fidel, entre otras cosas, por las intervenciones políticas a las temáticas y tratamiento de las películas, así como las censuras que producía dicho Instituto. El compromiso con el arte y la conciencia es mayor que el que se pueda tener con el poder o los poderosos, cualquiera que sea su bandera política.

Buñuel y sus enfrentamientos abiertos al franquismo y al clero cómplice, Visconti, Rosellini y otros del neorrealismo italiano enfrentándose al fascismo italiano y alemán (a pesar de comenzar su carrera bajo el fascismo, Rosellini nunca fue leal al duce, ni besó su mano. En el caso de Visconti, su película Ossessione 1942 es considerada la primera película neo-realista de denuncia contra los excesos del fascismo, que la censuró hasta quitarle la mitad del metraje y prohibir hasta 1976 su exhibición internacional), Kieslowski y sus enfrentamientos al régimen comunista polaco, Jan Svankmajer provocador casi incendiario del régimen checo, Costa Gavras y su compromiso con las luchas sociales de casi todo el mundo, los hermanos Dardenne y sus denuncias de las desigualdades en la Europa del milenio, camino que también transita Bruno Dumont, Laurent Cantet, entre muchos otros geniales cineastas del planeta.

En el Perú, ¿alguien se atrevería a enfrentarse a todos como lo hizo Tsai Ming Liang con “El sabor de la sandía”?. Cuenta la historia que la Oficina de Información del Gobierno (GIO, siglas en inglés), ente gubernamental taiwanés, responsable de determinar la publicaciones y de realizar los cambios editoriales a las películas antes de que lleguen a las pantallas, intentó calificar la película como “obscena” y trató de cortarla (además, por la controversia por la escena musical en que Chen Shiang-chyi y Lu Yi-ching interpretan un baile erótico alrededor y sobre la estatua del Generalísimo Chiang Kai-shek en plena plaza del Museo Nacional del Palacio en Taiwan), a lo que el cineasta malayo reclamó y amenazó con no proyectarla en la isla si no se proyectaba la película tal y como él la había concebido, ante lo cual, la GIO quedó mundialmente desprestigiada (dado que la película acababa de ser reconocida en varios festivales, incluyendo la Berlinale) y acabó por ceder. Es más, después de las controversias, las autoridades de Tai Pei otorgaron un premio especial al buen Tsai por promover la imagen de la ciudad, a pesar que Tsai no muestras las favorables vistas turísticas, ni culturales de Taiwan.

Rescato una frase del escritor y cineasta independiente Alberto Fuguet:

“…Cuando las ideas son vagas, necesitamos imágenes claras. Personalmente, no creo que ningún artista deba tener ninguna responsabilidad más allá de su propia historia, personajes, estética y ética. No creo que es necesario ni obligatorio tener que ayudar a una causa mayor o ajena ni hacerse cargo de temas actuales o urgentes. Pero por otra parte… sorprende ver tanta irresponsabilidad estética.”

(Sobre el mayo del 68, escrito en mayo del 2008).

Es un hecho que dentro de cada cinematografía en el mundo existen predilecciones hacia consentidos que entran dentro de los estándares de lo exigido por cada industria.

Es inevitable que se constituyan neo-cortesanos alrededor del poder de turno, pero que un verdadero artista lo haga, es lo complicado, por no decir inaceptable. No puede haber compatibilidad de intereses entre aquellos que sólo tienen por dios el vientre y los que se descarnan y desmiembran (o deberían) en cada obra de arte.

…………………………….

Estos meses vi con vergüenza a muchas de las figuras de la cinematografía nacional apoyando un proyecto de ley que le da más dinero a las distribuidoras y exhibidoras que saturan nuestras carteleras de chatarra hollywodense, y que además, maltratan cada que pueden a las pocas películas que se estrenan en salas comerciales.

Pregunta: ¿Algún cineasta/artista de verdad estaría de la mano de un personaje como Carlos Raffo defendiendo una ley que beneficia a las trasnacionales contaminantes de las carteleras mundiales?

No olvidemos que Raffo, cuya infame frase desencadenó este post, es defensor del dictador, asesino, traidor, ladrón, corrupto y corruptor de Alberto Fujimori. ¿O es que eso no cuenta a la hora de tener una posición? Si hasta en un inicio al señor Lombardi le daba asco la idea.

Y aunque después del escándalo desatado por una aprobación escandalosa de un proyecto de ley de escándalo en el legislativo, hubo quienes se pronunciaron y que dieron un paso atrás en su apoyo a esta ley, o al grupo humano que la impulsaba, juntamente a otras pocas que reclamaba tímidamente para no perder las ‘maneras’, siempre con el ‘respeto a los colegas’ o mejor dicho para pasar el asunto por agua tibia, sin embargo, las cosas estuvieron claras:

- Se mintió a la opinión pública mencionando que esta ley era consensuada por la comunidad cinematográfica para beneficio de la misma.

- Se mintió a la comunidad cinematográfica cuando decían con orgullo que iban a conseguir más fondos para la producción nacional, pues la ley eliminaba el aporte del estado a Conacine (sujetándolo a la buena voluntad de las majors), además del aporte a los cortometrajistas.

- Se mintió al mencionar en primera instancia un beneficio al cine regional del 20%, cuando en realidad era el 3%.

- Se mintió y se miente al mencionar que aprobar esta ley es la única alternativa para obtener más fondos para el cine nacional, pues, si como esperamos este proyecto de ley es observado por el ejecutivo, regresa al congreso, donde se puede volver a elaborar un proyecto que contenga un verdadero impulso a la cinematografía. Basta ya de resignaciones por el cuento del ‘mal menor’.

Ahora, ¿es inocencia, ingenuidad o complicidad disimulada? No puedes apoyar abiertamente lo que no conoces bien, sin prever consecuencias, y si lo haces, no es justo que apeles a las ‘buenas intenciones’, que es un término que queda ridiculizado ante tanta (ir)responsabilidad.

Pero, siendo comprensivos, digamos que es hora que los cineastas peruanos de verdad hagan lo que en un inicio debieron hacer; luchar para que los pocos fondos del estado para la promoción del cine nacional se incrementen, se descentralicen y se encaucen al desarrollo de la cinematografía del país (que no significa estrictamente que crezcan las multisalas de cine en el país) sin necesidad de empeñar la decencia, la actitud artística y el desafío personal de ser autoexigente, autocrítico, y ser consciente que las subvenciones son un apoyo inicial para cualquier carrera artística de verdad.

Es gratificante saber que hay artistas verdaderos que se han fajado la lucha verdadera por el verdadero desarrollo del cine nacional. Es bueno saber que ellos pueden mirar de frente sin que se les acuse de nada en este embrollo, que las manos limpias y el interés colectivo priman por encima de las poses, las glorias de papel y del bolsillo satisfecho con el alma vacía.

Para los que no, pues, nunca es tarde, sobre todo si se es un artista, uno de verdad.

LO QUE SE VIÓ: BALANCE DE UN DÉCADA

2010-12-23T16:50:00.000-08:00

'Syndromes and a Century' de Apichatpong Weerasethakul

Esta década está marcada por la hegemonía de los medios informáticos y la tecnología digital, que hizo que el cine mundial alejado de Hollywood llegue a nuestro país por distintos medios, alimentando la escena nacional e influenciando al cine que se hace con menos recursos y más entusiasmo.

No puedo calificar películas como “buenas” o “malas” porque no es dicotomía válida en el arte. Tampoco se puede evaluar sobre si funciona o no una película porque eso sería un pragmatismo que reduciría un análisis a pura estadística y criterios técnicos. Digamos que podemos hablar del VALOR de las películas, tanto por su aporte al cine; en aspectos narrativos, técnicos, expresivos, etc. como en los riesgos que asume, pues, una película que sólo se zambulle en las olas de las tendencias, o en la mar de popcornmovie no merece mi respeto, ni mi apreciación o valoración.

Sin más preámbulos, ahí va el balance:

'Tres monos' de Nuri Bilge Ceylan

LO NUEVO QUE VINO:

Le deberemos muy, pero muy poco, a las distribuidoras en el país. Pero el mercado alternativo, internet, y sobre todo muchos cineclubistas nos han dejado ver y valorar el mejor cine mundial (el cine se está reescribiendo ahora más que nunca), trayendo incluso filmografías completas de autores que durante esta década se han hecho imprescindibles.

Debo reconocer que gran parte de la tarea de este balance se facilitó por el ciclo que programó, desde octubre de este año, el cineclub de la Universidad Cayetanno Heredia; “Diez películas para una década”, en el cual se presentan (el ciclo continúa hasta el 20 de diciembre de 2010) una exquisita selección que incluyen “Las armonías de Werckmeister” de Béla Tarr (Hungría, 2000), “Un lugar en la tierra”, de Artur Aristakisian (Rusia, 2001), “My Winnipeg”, de Guy Maddin (Canadá, 2007), “Juventud en marcha”, de Pedro Costa (Portugal, 2006), “Tres tiempos”, de Hou Hsiao-hsien (Taiwán, 2005). “¿Qué hora es allí?”, de Tsai Ming-liang (Taiwán, 2001), “Shara”, de Naomi Kawase (Japón, 2003), “El mundo”, de Jia Zhang-ke (China, 2004).

Me detendré un momento en autores que han marcado para siempre la historia del cine, y que se han dejado ver en esta década.

What time it is there? de Tsai Ming Liang

Apichatpong Weerasethakul: Naturaleza misteriosa.

No puedo dejar de lado mi subjetividad y emocionarme al escribir del que considero el cineasta de la década. Me viene en poco que haya ganado la última Palma de Oro en Cannes, el cine de Apichatpong ha sido el más arriesgado, personal y universalmente bello que he podido apreciar a la fecha. Su naturalismo no es sólo un enunciado de los hermosos paisajes, del sonido tan minucioso, sino del manejo actoral, sus representaciones parecen extraídos de documentales, de alguna cámara oculta entre los personajes interactuando con ellos sin alterar su estado casi silvestre.

“Mysterious object at noon” (2000) es un pronunciamiento de un cine que se escribe mientras se graba, que se construye colectivamente con la complicidad del público, a quienes el director entrevista, para ensayar sobre la creación del mito, un tema tan presente en la filmografía del tailandés. “Blysfully yours” (2002) es una poética afrenta al cine tradicional y académico; planos secuencia contemplativos, y que trasladan (literalmente) al espectador al interior de los personajes y de sus sitios. La comunicación y las relaciones más allá del idioma; la piel, el cuerpo y el bosque como metáforas de cambio y deseos de cambio. Es también un sutil tratamiento de un tema político espinoso, como el de la inmigración debido a conflictos internos. “Tropical Malady” (2004) es la película perfecta en muchos sentidos; un díptico que reúne ficción y documental, realidad y mito, historia y metáfora, ciudad y campo, amor y abandono... “Syndromes and a Century” (2006) es una lección de cine contemporáneo; hay poco que entender y tanto que analizar, hay tan pocos rastros de relato y mucho que percibir sensorialmente. Esperamos con ansias Uncle Bomme recalls his many past lives, que imagino llegará por los mismos medios con los que llegaron sus demás películas, las cuales pudimos ver este año en un ciclo programado por el cineclub “ojos abiertos” de la UTP.

Apichatpong Weerasethakul

Hou Hsiao Hsien: La historia como excusa.

Hou Hsiao Hsien (HHH) no tiene reparos en dificultar las cosas al público, y sin embargo hace tanto por los que se atreven a ver completa algunas de sus obras. No es alguien que coge una enciclopedia de historia de Taiwán y se pone a filmar recreaciones. Lo suyo es mostrar el sentir de la época, los pormenores internos, muchas veces en vigencia. En todo caso, es la historia de las relaciones, vistas desde distintas épocas. Así, una pareja de inicios de siglo, durante la ocupación japonesa, una de los años 60 en plena guerra fría, o una de los desencantados, y más posmodernistas que nunca, años 2000, son recreados con una contemporánea mirada, que se detiene en los sentimientos eternos. Un narrador visual invisible, pero omnisciente y omnipresente, que no teme emocionarnos primero, para luego desencantarnos. Eso hace HHH en “Three Times” (2005), su película más aplaudida.

Cabe precisar que HHH nos regaló su obra más madura durante esta década, así “Millenium Mambo” (2001) nos adentra a esta, nuestra época de amores indefinidos, de dudas existenciales que no alborotan, pero que sin embargo, nos llevan a una búsqueda de “algo”. Desarraigo que no inquieta, pero que mueve a sus personajes, los hace encontrarse, alejarse, retraerse, y volverse a juntar, casi como si fuera el mismo proceso. Lo argumental cuenta tanto como lo histórico, pues se trata de adentrarnos en el mundo emocional de los personajes, meticulosamente recreados a fin de generar un ambiente “natural” (vaya palabrita, debo encontrar otra, y si no hallo, pues, ¡Qué más da!), sugestivo y lleno de color.

Hou Hsiao Hsien

En “Café Lumiere” (2003), una muchacha embarazada quiere vivir a su modo (sin que eso lo tenga tan definido, claro está) y un muchacho enamorado de ella, que sin embargo, no le dice ni pio sobre ello. HHH nos maravilla con una narración escueta, lejana, con planos secuencias donde la levedad y la temporalidad son ejes de la vida; porque eso sucede en las películas de HHH, son vidas filmadas, dadas a conocer a través de tazas de café, autobuses, y trenes. Luego de un acercamiento a Japón (Café Lumiere iba a ser un homenaje de 3 directores a Yazujiro Ozu, pero HHH terminó asumiéndolo solo), el taiwanés graba en Francia “Le Voyage du Ballon Rouge” (2007); una narración sencilla llena de sutilezas, en las que nos acerca a la vida de una madre soltera marionetista, un niño que escucha a Brel, una cineasta taiwanesa que hace de niñera, y un globo rojo que les sigue. Entre exploraciones domésticas, y citadinas, podemos adentrar a la vida de los protagonistas que transcurre apacible, en un pequeño y bohemio apartamento parisino.

Nuri Bilge Ceylan: ¿Quién dijo que el cine postal no es bello?.

No he visto películas con fotografía más lograda (¡Y en digital!...gran lección para los fundamentalistas del celuloide); con esos contrastes y sepiados tan sublimes, muchas veces sombríos y melancólicos, pero siempre efectivos. La corta filmografía de este cineasta turco no puede pasar por alto en esta década. La confianza, la ilusión y el amor fracturados; ese es el ambiente de los personajes de Nuri Bilge, capturando lo complejo de sus relaciones de forma minimalista e íntima, visto siempre desde la cotidianeidad.

“Uzak” (2002) explora de, las distancias entre los seres humanos, a pesar de los lazos sanguíneos o emotivos. Es un deleite contemplar esta película, pues el director turco hace de cada plano una obra de arte en sí misma. “Iklimer” es un retrato certero de una pareja contemporánea; personas que tienen tan poco en común y que no son felices viviendo juntos, ni separados. Mientras que en “Üç Maymun”, se explora el núcleo familiar fracturado, donde los miembros están reunidos, pero cada uno pone en juego la (in)estabilidad familiar con actos peligrosos, que aparentemente tienen fines nobles y de beneficio colectivo, en esta extraña forma de quererse sin contar unos con los otros.

Nuri Bilge Ceylan

Naomi Kawase: La vida es un fantasma.

El cine Naomi Kawase está relacionado al luto y la pérdida; a las formas de cómo resurgir a la vida después de la muerte, no la propia, sino la de alguien que hemos querido, quizá más que a nosotros mismos. El agua siempre es un elemento purificador, ya sea del sufrimiento o del recuerdo no superado. Sus documentales, tan personales y experimentales, desnudan a la cineasta (“El tema soy yo” mencionó en la entrevista concedida a Aaron Gerow) con su visión particular de la vida; su cielo, su tierra y su infierno.

Tengo la deuda personal de revisar su filmografía, pero hablaré de las películas que pude ver, gracias a polvos azules (casi toda su filmografía está ahí). “Cielo, viento, fuego, agua, tierra” (2001), documental que exorciza su pasado del abandono de sus padres, la muerte de su padre y su adopción por parte de su abuela, algo que también mostrara en “Nacimiento y maternidad” (2006), película de una sincera crudeza, que enlaza la muerte de su abuela y el nacimiento de su primer hijo, algo que deja ver en la magnífica “Shara” (2003), una ficción (aunque esa definición no tiene relevancia ni sentido en el cine de Kawase) que es casi un ensayo etnográfico. En “El bosque de luto” (2007) muestra a 2 personas generacionalmente apartadas; una joven enfermera cuyo hijo se ahogó, y un senil hombre que perdió a su esposa, confluyen en un asilo, y están ineludiblemente emparentadas por el dolor, adentrándose a la paz interior dentro del bosque, que sirve de plataforma para dar el último adiós a sus seres queridos.

Naomi Kawase

Tsai Ming Liang: El tiempo, la soledad y los relojes.

Un personaje, múltiples situaciones de una historia contada en varias películas, sin que estas sean estrictamente secuelas. “What time is it there” (2001) me presentó la obra del taiwanés, y me introdujo a las vicisitudes de Hsiao-Kang, protagonista de todas las películas de Tsai Ming (interpretado por el actor Lee Kang-Sheng), no pudo haber mejor manera.

Podría decir que tuve una epifanía después de esta película, que ha marcado mi vida y mi visión del cine. 2 personas que apenas se conocen (“Ella” interpretada desde entonces por Chen Shiang-Chyi), están enlazadas por la muerte, por el tiempo, por los fantasmas y sobre todo, por la soledad. Después de jugar con las expectativas de una secuela de esta maravillosa película con el corto “The Skywalk Is Gone” (2002), en la que los 2 personajes no concretan el anhelado reencuentro, viene “Goodbye Dragon Inn” (2003) una oda al casi extinto cine clásico y al cine naciente, lleno de posibilidades visuales (no en vano está metáfora del abuelo que lleva al nieto a su primera función de cine).

Retoma de nuevo a los 2 personajes solitarios en “El Sabor de la Sandía” (2005), esta vez en un contexto de sequía, de sandías y pornografía; combinación que desencaja tanto como el amor y el sexo. “I don’t want to sleep alone” (2006) cambia de contexto, esta vez es la homofobia y la inmigración forzosa, en la que estar juntos es la mejor forma de tolerar la miseria. Estoy a la espera de ver “Visage” (2009), en la que añade a su cine el universo Truffaut, que tanto le ha influenciado (incluso aparece en el film el actor Jean-Pierre Leaud como el añejo Antoine Doinel).

Tsai Ming Liang

El tiempo y el espacio juegan en mi contra, pero no puedo dejar de mencionar la filmografía del finlandés Aki Kaurismaki, que vimos en un ciclo del cinematógrafo de Barranco, el festival de cine europeo, y el Festival al este de Lima, espacios importantes que también sirvieron para descubrir obras de gran factura como la de los rumanos Christian Mungiu, de quien pude ver la galardona “4 meses, 3 semanas y 2 días” y “Occident”, Corneliu Porumboiu, Cristi Puiu y su inolvidable película “La muerte del señor Lazarescu”, o Cristian Nemescu y la destacada “California dreamin’”. Bruno Dumont y la belleza de lo común, tan presente en las geniales “29 Palmas”, “La vida de Jesús” y “Flandres”. Pedro Costa, con su peculiar estilo de cine directo “Huesos” y “Juventud en marcha”, Nicolas Klotz y su película tan ambiciosa como el mismo título “La Question humaine”, la interesante “Du Levande” del sueco Roy Anderson, destacable es también Arthur Aristakisian, inclasificable cineasta que con sólo 2 largometrajes (uno de ellos “Un lugar en la tierra” del 2002) ha instalado su obra en la vanguardia cinematográfica, y ya que estamos en eso, mencionaré los docudramas el anglo Peter Watkins, que si bien es cierto pertenecen a otras décadas, (La Comunne, 1999, magna obra de 6 horas), pudimos ver esta década gracias al paraíso de polvos azules.

Las filmografías de autores consagrados, como Jean Luc Godard (“Elogio al amor”, “Nuestra música”), Alain Resnais (“Coeurs”), Manoel De Oliveira (“Una película hablada”, “Belle Toujours”), Michael Haneke (“Codigo desconocido”, “La profesora de piano”, “Escondido”) y los desaparecidos Claude Chabrol (“Una chica cortada en dos”, “La Dama de honor”), Eric Rohmer (“Triple agente”, ), Ingmar Bergman (“Los creadores de imágenes”, “Saraband”) han mostrado una lucidez en el final de sus carreras, dejando intacta o muchas veces superando su marca en la producción de genialidades obras maestras.

'Notre musique' de Jean Luc Godard

El cine asiático es por demás el más interesante de estos últimos tiempos, pues aparte de la obra de los directores anteriormente reseñados, me quedo con “Last life in the universe” del tailandés Pen-Ek Ratanaruang, su paisano Ekachai Uekrongtham y el documental/ficción “Pleasure Factory”, así también el trabajo de los directores chinos Wang Bing con la exigente “Crónica de una mujer china”, que recuerda lo contemplativo de un solo plano de "Shirin" Abbas Kiarostami, Jia Zhang-ke, y sus película “El Mundo”, Quan’an Wang y “la boda de Tuya”, Hong Sang-soo con “Woman on The Beach”, y el cine filipino que sorprende cada vez más. Del que he podido ver, destaco a Brillante Mendoza con su hiperrealista obra "Serbis".

Interesantes también los trabajos de la cresta de la nueva ola asiática, algo rankeados pero notables, como el cine de, Zhang Yimou (“La casa de las dagas voladoras”, “Heroe”, “La maldición de la flor dorada”, “La búsqueda”), Kim Ki Duk (“Primavera, verano, otoño invierno, primavera”, “”Hierro 3”, “Aliento”), las pesadillas de Park Chan-Wook (“La trilogía de la venganza”, en la que destaca “Old boy”), Takashi Miike (“Visitor Q”, “Gozu”, “Izo”, “Audición”), Kyoshi Kurosawa (“Futuro brillante”, “Cura”, “Tokio Sonata”), Shynia Tsukamoto, que entre otros trabajos retomó la revolucionaria saga de “Tetsuo” y principalmente Won Kar Wai (inolvidables son “Con ánimo de amar”, “2046” “My blueberry nights”).

'Funny ha-ha' de Andrew Bujalski

Del cine norteamericano destacaré el movimiento “The New Talkies: Generation D.I.Y.” (mal denominado “mumblecore” o “slackavettes”/mezcla de “flojo” y “Cassavetes”, padre del indie film americano), quienes han redefinido el modelo de producción, a través de un cine en digital, producido, distribuido por sus propios realizadores (de ahí el termino D.I.Y.= “Do It Yourself”…ya escribiré a profundidad sobre este movimiento que me ha producido cierta simpatía, por tener una cercanía ética y estética), en la cual los directores Joe Swanberg (“Kissing on the Mouth”, “LOL”, “Hannah Takes the Stairs”), Mark y Jay Duplass (“Baghead”, “The Puffy Chair”), Andrew Bujalski (“Funny Ha Ha”, “Mutual Appreciation”, “Beeswax”), Aaron Katz (“Quiet City”, “Dance Party USA”), entre otros, se mofan de la industria del film independiente (sí, porque también hay industria de eso en gringolandia), con la utilización de recursos mínimos, trabajando intercambiando equipo y roles, y demás irreverencias, que se saltan todos los sindicatos y burocracias propias de los estudios.

En el plano de los indies, la desopilante “American Astronaut” de Cory McAbee, la cruda “Tarnation”, de Jonathan Caouette, la simpática farsa "Exit through the gift shop" de Bansky, la sencilla y agridulce “Old Joy” de Kelly Reichart, y la inclasificable “GoGo tales” de Abel Ferrara.

'Serbis' de Brillante Mendoza

Y como es casi imposible pasar por alto al cine de las grandes ligas (no por eso mejores), esta década nos mostró a los “nuevos” grandes maestros del cine contemporáneo gringo, como Paul Thomas Anderson (“Punch Drunk Love”, “Petroleo sangriento”), Los Hermanos Cohen (“El hombre que nunca estuvo”, “No es país para viejos”), David Lynch (“Mulholland drive”, “Inland empire”), Jim Jarmusch (“Café y cigarrillos”, “Broken flowers”), Sofia Copola (“Lost in traslation”), Wes Anderson (“Rushmore”, “Life aquatic”, “Viaje a Darjeeling”), Michael mann (“Enemigos públicos”), James Gray (“La noche nos pertenece” “Dos amantes”), Gus Van Sant (“Gerry”, “Elephant”, “Last days, “Paranoid park”), entre otros, que utilizan al star system para regalarnos joyas que quedaran para la posteridad. Asimismo, esta década nos mostró al mejor David Cronenberg desde “Crash”, con “Una historia violenta” y “Promesas del este”.

'Petróleo sangriento' de Paul Thomas Anderson

En el cine iberoamericano, José Luis Guerín con “En construcción” y su exquisita película “En la ciudad de Sylvia”, Julio Wallowitz con “Smoking Room” y “La Silla”, muestran un cine vivo, fresco, con propuestas no narrativas llenas de ideas y planteamientos visuales inspiradores. En nuestro continente es preciso mencionar a José Luís Torres Leiva, un joven director chileno con mirada madura, detallista, un observador metafísico, que sabe mostrar la belleza de lo ordinario hasta el umbral kantiano. Como ejemplos de ello: “Ningún Lugar en Ninguna Parte” y “El cielo, la tierra y la lluvia”. La visionaria directora argentina Lucrecia Martel, poseedora de un estilo único, inclasificable, una dulce y ácida transgresora, que ingresó al Olimpo de cineastas del futuro, son pruebas innegables de ello “La ciénaga”, “La Niña Santa” y “La Mujer sin cabeza”.

Lisandro Alonso es quizá el director más arriesgado de este continente. Asceta, trascendental, intransigente, genio. “La Libertad”, aquella aventura minimalista que lo llevó a la palestra y a Cannes, seguida de “Los Muertos”, un extraño viaje/ritual en clave casi documental, “Fantasma” un homenaje a Tsai Ming Liang, que también es auto homenaje, y la menos arriesgada “Liverpool”, que sin embargo mantiene la contundencia de las imágenes y el tiempo como protagonista. El mejicano Carlos Reygadas es un cineasta particular que tiene la virtud de ser varios cineastas y a la vez. “Japón”, “Batalla en el cielo”, y “Luz silenciosa”, los planos milimétricamente evaluados, con una pulcritud en el manejo visual, sonoro y podría decir que hasta olfativo, con la que nos muestra sus insólitas historias, de forma directa, precisa y estéticamente fulgurantes.

'En la ciudad de Sylvia' José Luís Guerín

La directora Paz Encina con “Hamaca paraguaya” nos muestra en contadísimos planos que el tiempo ya no es sólo una plataforma de un relato, sino que es también narrador. La espera que transforma las expectativas, que no cambia los climas, que nos adentra dentro de un reducido espacio en esa sensación de ser sólo personajes del tiempo, que en el presente esperamos el futuro retorno del pasado.

EL CINE NACIONAL:

El cine nacional de esta década sólo nos ha mostrado que es necesaria la ruptura; que no se puede seguir manteniendo una producción nimia y de cuestionable calidad, expresiva y estética, principalmente. Esta ruptura ha comenzado más o menos con películas ‘festivaleras’ (vale decir, películas que muestran ‘lo-que-los-europeos-quieren-ver’: popularismos exóticos, bizarría, marginalidad, podredumbre, miserabilismo, anacronismos culturales, casi canibalismo y una mezcla de Glauber Rocha con García Márquez), como “Días de Santiago” ópera prima de Josué Méndez, “Madeinusa”, “La Teta asustada” de Claudia Llosa, y en parte, aunque más sobrias “Paraíso”, ópera prima de Héctor Gálvez, y “Octubre” de los hermanos Vega, una versión limeña de Kaurismaki. Estas películas evidencian un interés por un estilo más personal, narrativas distintivas y considerables referencias (que no le quitan mérito, sino que intentan acercar sus obras al de las grandes figuras del cine mundial), mostrando también personajes e historias complejas, con indicadores contextuales, que buscan ser desencadenantes para análisis sociales, antropológicos y políticos, equivocados o no. Se puede conocer mucho del Perú de esta década (y sobre todo de las 2 décadas pasadas) a través de estas películas; tanto por la visión de los cineastas, como por las películas en sí, valiéndoles el reconocimiento internacional en los más importantes festivales de cine.

'Detrás del mar' de Raúl Del Busto

Pero, no se puede negar que gran parte de la producción nacional, mantuvo una “actitud” que evidencia una ausencia de ambiciones artísticas, intentando quizá la masificación, cosa que no se puede asegurar a pesar del aparente formulismo recurrente; con un tratamiento superficial de temas profundos, historias inverosímiles, teatralización de la puesta en escena, representación actoral que no convence, narrativa televisiva, relatos predecibles, con una insipiente carga expresiva, una serie de desaciertos temáticos en asuntos coyunturales, (la guerra interna, la desigualdad social y económica, la dictadura fujimorista, entre otros), climas impasibles, ritmos parsimoniosos, manejo del lenguaje básico, planos y encuadres regulares que llegan a ser sofocantes, aristotelismo a ultranza que han terminado por alejar al público, y terminar de decepcionar a la crítica especializada. Así se puede ver el cine de Lombardi, Tamayo, Durant, Pérez-Garland, Eduardo Mendoza, Fabrizio Aguilar, entre otros.

'Días de Santiago' de Josué Méndez

Pero, para no ver esta década como un periodo deprimente, hablaré de las películas que salieron del formato, tanto de producción, como de tratamiento artístico, técnico y expresivo, que sobresalieron durante esta década:

“Detrás del mar” (2005) de Raúl Del Busto es de lejos la mejor película peruana de la década. Deudora de los cineastas trascendentales, Ozu, Bresson, entre otros, Del Busto nos muestra momentos inconclusos, personajes suspendidos en el tiempo, cuando el momento decisivo se fue, y los dejó varados. El mar como símbolo de lo inalcanzable; como la existencia ondulante, la presencia de lo que viene y lo que nunca no vino; lo que se espera sin la certeza de que vendrá. Se puede reflexionar tanto con esta película, pues es toda una experiencia visual, estética y espiritual.

Caso contrario es “SINMUTE” (2008), de Ana Balcázar y Javier Bellido, película que no tiene contemplaciones con el espectador, mostrándonos una pesadilla oscura y perturbadora, llena de viscerales momentos, freudianos, jungianos, lynchianos, pero no por ello desagradables, sino a través de un notable tratamiento visual en clave baja, con un cuidado estético considerando su soporte en digital, y que es propio de las artes plásticas, profesión que comparten ambos directores.

'Sinmute' de Ana Balcázar y Javier Bellido

“Los Actores” (2006) del trujillano Omar Forero, es una atípica película realizada en provincias, pues recurre al relato sobrio, fluidas interpretaciones de “espontaneidad regulada”, con performances alejadas de burdos parlamentos memoristas o academicismos rígidos, por lo que el cáustico título de la película es por demás divertido. Cotidianeidad, situaciones sencillas dentro de la complejidad del ser humano; la soledad, la incomprensión, la incomunicación, la iniciación, la frustración, la recompensa en un final abierto.

Más experimental, personal, autorreferencial y arriesgada, “Reminiscencias” (2010) de Juan Daniel Fernández, es un viaje por la recuperación de la memoria de su autor, usando imágenes familiares de archivo, donde el director es más un neuro-montador de su propia identidad y recuerdos.

Las películas de Rafael Arévalo “Alienados” (2008) y “Kasa Okupada” (2010), son un desmarque a las convencionales historias tragicómicas-realistas, propias de nuestro cine. Acercándose más al trashmovie y el cine de culto, Arévalo muestra situaciones imposibles, con una irreverencia y gusto por lo estrafalario, que contagia. Con sus originales soluciones a problemas de registro visual o de audio, considero más destacada la primera que la segunda, que no llega a tener la contundencia visual o narrativa de su antecesora, pero que sin embargo, se deja ver con simpatía.

“Encierro”(2009), del director Fernando Montenegro, recurre al género del suspenso, para hablarnos de los afanes artísticos por la notoriedad, donde los fantasmas son más reflejos internos, pues el peor miedo del artista es que, a pesar de sus esfuerzos, su obra nunca obtenga valoración que considera merecida.

Estas películas están realizadas sin padrinazgos, sin palmaditas en la espalda y con mucho empuje, con búsquedas de originalidad y pasión por el cine, algo que pareció extinguirse en las décadas pasada.

Con tal panorama, se espera que el 2011 sea el despunte del soporte digital, ya que sus autores dependen de sus propios medios y sólo rinden cuentas a su propio instinto, teniendo a su disposición el interés que comienza a despertar este “refresco”, ante tanta aridez estética y expresiva.

Eduardo Quispe Alarcón.

P.d. Me reservo de comentar mis propias películas, “1”, “2” y “3”, pero las menciono al menos por respeto a los que colaboraron con ellas, y que lo hicieron con tanta pasión y compromiso, que me hicieron disfrutarlas haciéndolas, como viéndolas. Sin ánimo de verme el ombligo, creo que su trabajo merece ser destacado en recuentos de lo que nos dejó esta década.

NOTICIAS SOBRE EL PLANTÓN CONTRA LA LEY PRO CINE

2010-12-22T10:59:00.000-08:00

Noticia publicada en RPP.

Lunes, 20 de Diciembre del 2010

CINEASTAS REALIZAN PLANTÓN EN CONTRA DE LA LEY PRO CINE.

Directores, productores y actores se reunieron en el frontis del Museo de la Nación para pedir la revisión de la ley recientemente aprobada en el Congreso de la República.

La polémica ley Pro Cine, propuesta por una comisión encabezada por el congresista Carlos Raffo, y que fue aprobada hace algunos días atrás, fue el motivo por el que cineastas, productores y actores se reunieron en el frontis del Museo de la Nación en San Borja, para alzar su voz de protesta en contra de esta ley.

“Estamos aquí para exigir que se derogue esta ley, que hace que el 10 % del impuesto municipal para las salas de cine, que lo paga el consumidor con su entrada, se divida entre tres: uno para la producción nacional, en un fondo llamado Pro Cine, otra para las distribuidoras y finalmente para las exhibidoras, las salas de cine. Este convenio es privado, voluntario y temporal. Las distribuidoras y las exhibidoras no están obligadas a darnos ese porcentaje”, explicó Julia Gamarra, productora de cine a RPP Noticias.

Asimismo, el guionista Eduardo Adrianzén comentó que la ley perjudica “seriamente al cine nacional”, por lo que hizo un llamado a todos los cineastas que apoyan la Ley Pro Cine a tomar conciencia sobre los efectos negativos que traerá.

“Carlos Raffo es la última persona en la que se debería confiar. Los cineastas que apoyan esta ley seguramente han sido sorprendidos por esta persona. Me resulta muy penoso”, comentó.

Finalmente, el gremio representado por la Unión de Cineastas del Perú, pidió la renuncia inmediata de la presidenta del Consejo Nacional de Cinematografía, Rosa Maria Oliart, a quien acusan de irregularidades en su gestión.

Para ver el video y la noticia completa:

http://www.rpp.com.pe/2010-12-20-cineastas-realizan-planton-en-contra-de-la-ley-pro-cine-noticia_320757.html

Noticia publicada en la revista virtual ‘número zero’

CINEASTAS EXIGEN QUE EL EJECUTIVO REVISE "LEY PRO CINE"

Lunes 20 Diciembre 2010

Por: Sofía Pichihua

Decenas de miembros de organizaciones de cinéfilos se congregaron hoy en el frontis del Museo de la Nación, en San Borja, para manifestarse en contra de la criticada ‘ley Procine’. La norma fue aprobada el jueves pasado en el Congreso y todavía no ha sido promulgada.

Sin embargo, desde 2009, varios críticos opinaron que la iniciativa legal apoyaba los intereses de los distribuidores y exhibidores más no a los cineastas ni a los productores regionales. Eso no es todo. Todavía no está claro si se eliminaría el aporte del Estado al fomento del cine peruano. Detrás de esta medida hay una extraña combinación: los congresistas Carlos Raffo (Fuerza 2011) y Luciana León (Apra).

Christian Wiener, vocero de la Unión de Cineastas del Perú, pidió que el Ejecutivo devuelva la norma para que sea observada. “Estamos a merced de la buena voluntad de los majors de Hollywood, que boicotean las películas peruanas… Se debe reelaborar un nuevo proyecto que beneficie a cineastas regionales”, declaró.

También manifestó que se debe promover la formación de cineastas y realizadores nacionales.

Posteriormente, Wiener y otros representantes de diversas organizaciones de cineastas y productores independientes coordinaron una reunión con autoridades del Ministerio de Cultura para hacer llegar sus propuestas.

Actualización: A las cinco de la tarde, los participantes formalizaron el pedido de observación de la norma al presidente Alan García mediante una carta. En diálogo con Número Zero, Christian Wiener manifestó que, en la reunión, el sector se comprometió en proteger el presupuesto del Estado para proyectos cinematográficos. “Solicitamos que la ley retorne al Congreso y que pueda crearse una nueva iniciativa desde cero con la asesoría directa del Ministerio de Cultura”, explicó.

Actualización: El congresista Carlos Raffo publicó en su cuenta de Twitter el oficio en el que se solicita que la Comisión Permanente apruebe la aclaración de la norma. Se cuestionó que no se reserven recursos para promocionar los proyectos cinematográficos a través de Conacine, como siempre (Ver PDF).

Puedes descargar el PDF de la norma aprobada desde aquí.

Enlace relacionado: Presunto lobby por parte de presidenta del Conacine (revisa los correos electrónicos publicados por la periodista Jacqueline Fowks).

Vea las fotos del plantón:

http://www.flickr.com/photos/44020415@N05/sets/72157625514383469/show/

http://www.numero-zero.net/2010/12/20/cineasta-exigen-que-ejecutivo-revise-criticada-ley-procine/

Noticia publicada en revista virtual 'Sientemag'

MINISTERIO DE CULTURA PEDIRÍA OBSERVAR LEY PRO CINE

Hoy, en el frontis del Museo de la Nación, en San Borja, se reunieron gran cantidad de cineastas y cinéfilos para reclamar la aprobación de la polémica Ley Raffo-León o Ley Procine.

En este plantón, que empezó al mediodía, el Ministerio de Cultura ofreció defender el actual presupuesto de CONACINE, lo que quiere decir que el Ministerio va a solicitar que la ley sea observada, según nos comentó Pancho Adrianzén.

A las cinco de la tarde, los participantes formalizaron el pedido de observación de la norma al presidente Alan García mediante una carta.
Algunas voces que están a favor y en contra de esta ley, link.

Infórmate más del tema en este link (noticia de la revista número zero)
Wikicine: correos de la presidenta del Conacine, Rosa María Oliart, actuando en favor y en coordinación con las distribuidoras y exhibidoras.

http://sientemag.com/ministerio-de-cultura-pediria-observar-ley-procine

Noticia publicada en el diario Perú21

CINEASTAS PIDEN OBSERVACIÓN DE LA LEY PRO CINE

Martes 21 de diciembre

CompartirEnviar.Un grupo de cineastas peruanos realizaron ayer un plantón en el frontis del Museo de la Nación para manifestar su rechazo contra la recientemente aprobada Ley ProCine, pues solamente favorece a las grandes distribuidoras de películas.

“Esa ley es un negocio para las empresas transnacionales. Se debe reelaborar un nuevo proyecto que beneficie a cineastas regionales”, declaró Christian Wiener, vocero de la Unión de Cineastas del Perú.

Los participantes en esta medida de reclamo formalizaron el pedido de observación de esta norma mediante una carta al presidente Alan García.
“Solicitamos que la ley retorne al Congreso y que pueda crearse una nueva iniciativa desde cero, con la asesoría directa del Ministerio de Cultura”, añadió Wiener.

http://peru21.pe/impresa/noticia/cineastas-piden-observacion-ley-procine/2010-12-21/292770

http://e.peru21.pe/102/impresa/pdf/2010/12/21/240960.pdf

Noticia publicada en 'El Comercio'

LA LUCHA POR EL CINE PERUANO: SE REALIZÓ UN PLANTÓN EN PROTESTA POR LEY APROBADA

Por: Rodrigo Bedoya Forno

La resaca de la aprobación de la ley Procine (que crea el fondo del mismo nombre, que hace que las empresas distribuidoras le entreguen al cine peruano el 3,33% de las entradas a las salas) continúa. Al mediodía de ayer, ~~una serie de~~ personas relacionadas con la producción cinematográfica (técnicos, productores, cortometrajistas, cineastas regionales, entre otros) hicieron un plantón en el frontis del Museo de la Nación para pedir la observación de la ley por parte del Poder Ejecutivo.

La protesta tuvo una respuesta favorable: una comitiva liderada por Christian Wiener (presidente de la Unión de Cineastas Peruanos, opositores al proyecto aprobado) y el documentalista Francisco Adrianzén fueron recibidos por Daniel Alfaro, asesor del Ministerio de Cultura (cuyas oficinas quedan en el museo), al cual le explicaron que la ley, tal cual figura, elimina los aportes del Estado al cine peruano. Según Wiener, el compromiso del asesor fue poner como “cuestión de Estado” el presupuesto para la producción nacional, de tal manera que no se pierda.

Los manifestantes también rechazaron declaraciones del congresista Carlos Raffo, promotor de la ley Procine, quien dijo que quienes apoyan esa ley son aquellos que de verdad hacen cine.

Esta tarde, gente de la UCP se dirigió a Palacio de Gobierno para dejarle al presidente Alan García una carta en la que le piden observar la ley.

¿SOLUCIÓN A LA VISTA?

Lo cierto es que, tal cual ha sido aprobada, la ley deja inconformes a todos, incluso a aquellos que la apoyaron. Una fuente cercana a la Asociación de Productores Cinematográficos del Perú (APCP, principales promotores de la ley Procine), que prefirió permanecer en el anonimato, ha reconocido que la ley tiene un error: elimina el aporte del Estado al cine peruano. Y, por eso, la intención ahora es corregirlo.

Para ese fin, se ha alcanzado a la Comisión Permanente del Congreso un pedido que busca rectificar el proyecto aprobado, agregando el aporte del Estado fijado en la Ley 26370, que rige el cine peruano desde 1994 y que asciende a unos US$2 millones de soles.

La Comisión Permanente tendría hasta antes de fin de año para aprobar el pedido, para que luego el presidente la pueda promulgar y así el aporte del fondo Procine comience desde el 2011. Si esto no ocurre (ya sea porque no entra en agenda o porque el pedido es rechazado), y el texto sigue sin mencionar el monto del Estado, la misma APCP pediría la observación del proyecto por parte del jefe del Estado.

El gran problema es que la Comisión Permanente no tiene fecha fija de instalación. Algunas fuentes del Congreso señalan que incluso podría ser que lo haga el próximo año, lo que dificultaría que el plan de la APCP se pueda realizar.

La UCP, por su parte, demanda la observación de la ley, con la intención de crear un nuevo proyecto que incorpore al Ministerio de Cultura. Ese pedido ha sido planteado tanto en la reunión con Alfaro como en la carta al presidente García.

Lo único claro es que el tema tiene todavía para rato. Esperemos que, al final, el gran beneficiado sea el cine peruano. Ojalá se consiga.

http://elcomercio.pe/espectaculos/687451/noticia-lucha-cine-peruano-se-realizo-planton-protesta-ley-aprobada

CIFRAS DE ESCÁNDALO DE CONACINE Y "LOS VERDADEROS CINEASTAS"

2010-12-22T09:27:00.000-08:00

ALGUNOS DATOS PARA TENER EN CUENTA

Augusto Tamayo es el director que más dinero ha recibido del estado: 628, 000 dólares, entre premios de CONACINE e IBERMEDIA. Sus últimas tres películas han ganado premios y ninguna ha tenido repercusión ni en taquilla ni en Festivales importantes.

Augusto Tamayo es el director que más veces ha recibido dinero del estado. Ocho veces en distintas categorías. Su última película “La Vigilia” no llegó a los 10 mil espectadores.

Alberto “Chicho” Durant acaba de ganar Ibermedia 2010-2, convirtiéndose en tricampeón, pues es la tercera vez que recibe esta ayuda. Sus dos anteriores películas no consiguieron premios importantes. Tampoco trascendieron dentro de la cinematografía nacional. De hecho tuvieron una baja recaudación y comentarios poco alentadores de la crítica.

Juntos Tamayo, Durant y Francisco Lombardi han ganado por turnos y sin interrupción todos los años desde 1996. En el año 2005 Perú no participo en Ibermedia por negligencia del CONACINE, sin embargo, el proyecto de Durant paso a reserva para el 2006, donde obtuvo el premio.

Tamayo y Lombardi tiene el record de haber ganado todas las categorías donde se presentaron: Desarrollo, Delivery y Coproducción en Ibermedia y Producción, Post Producción y Distribución en CONACINE.

Tamayo con “La Vigilia” lidera las estadísticas como la película con más premios monetarios otorgados por el estado. Ganó Ibermedia 2008 en Coproducción: 90,000 dólares, CONACINE 2009 Post producción: 205,000 soles, CONACINE 2010 Distribución: 80,000 soles, Ibermedia 2010 Delivery: 8,000 dólares. La película fracasó en taquilla y crítica.

Frank Pérez Garland, Natalie Hendricx, productora de Augusto Tamayo, Durant, Lombardi y Gustavo Sánchez, productor de las películas de Lombardi y Eduardo Mendoza, forman la directiva de la APCP (Asociación de Productores Cinematográficos del Perú), organismo que tiene la mayoría en el Consejo Directivo del CONACINE. Sánchez es el Presidente de dicha Asociación.

El joven cineasta Pérez Garland parece entrar ya en la élite de los afortunados, obteniendo durante dos años consecutivos triunfos: 2008 CONACINE: 160,000 dólares y 2009 CONACINE: Post Producción 25,000 dólares. De obtener por parte de CONACINE el premio de Ibermedia mantendría la racha de tres años seguidos ganando fondos del Estado.

“Sonidos Vivos” es el documental que ha ganado más dinero del Estado ha ganado: un total de 225,000 dólares entre CONACINE e Ibermedia. Luis Quequezana, productor del documental es la ex pareja sentimental de Rosa María Oliart presidenta del CONACINE y su de cátedra en la Universidad al momento de ganar los premios.

RESUMEN PREMIOS CONACINE

CHICHO DURANT: 225,000 dólares recibidos

AUGUSTO TAMAYO: 370,000 dólares recibidos

FRANCISCO LOMBARDI-GUSTAVO SANCHEZ: 265,000 dólares recibidos

RESUMEN IBERMEDIA

CHICHO DURANT: 270,000 dólares recibidos

AUGUSTO TAMAYO: 258,000 dólares recibidos

FRANCISCO LOMBARDI-GUSTAVO SANCHEZ: 235,000 dólares recibidos

Los tres realizadores, quienes fomentan la Ley ProCine han ganado dos veces el fondo a Coproducción, pero Durant gana todo lo que presenta. De hecho acaba de volver a ganar, convirtiéndose en el director más beneficiado de Ibermedia. Habría que recordar que sus últimas tres películas, Coraje, Doble Juego y El Premio, (todas beneficiadas por CONACINE) no tuvieron ninguna repercusión ni en Perú ni en el extranjero.

CONACINE + IBERMEDIA

Sumado CONACINE e Ibermedia, los montos totales de lo que recibieron estos directores.

AUGUSTO TAMAYO: 628,000 dólares recibidos

FRANCISCO LOMBARDI-GUSTAVO SANCHEZ: 500,000 dólares recibidos

CHICHO DURANT: 495,000 dólares recibidos.

ALGUNAS CONCLUSIONES

Los cineastas “verdaderos” a los que hace mención el Sr. Carlos Raffo, aquellos que defienden la ley ProCine, son justamente quienes desde años remotos reciben los mayores beneficios de un CONACINE, que parece creado para ayudar a unos pocos. La intención de un organismo como CONACINE es el crear las bases para una industria cinematográfica peruana, una industria en la que conviven los directores, guionistas, técnicos, actores, exhibidores, distribuidores, críticos y espectadores. El Sr. Raffo hace alusión a que lo que busca la Ley ProCine es difundir principalmente el cine nacional, sin embargo los cineastas que hoy aparecen como defensores y líderes de la Ley ProCine han hecho poco por desarrollar el cine peruano, preocupados más por desarrollar sus propios proyectos. Y esto pese a la gran cantidad de dinero que el Estado les ha otorgado durante los últimos años. Si a eso sumamos que sus películas no logran interesar a los espectadores y, lo que es peor, que ellos mismos afirman que no les interesa que el público vaya a verlas, pues entonces es válido preguntarse por qué ahora están interesados en la difusión del cine peruano. No será más bien que el interés, como lo han venido demostrando en los últimos años, es recibir dinero para seguir haciendo sus películas, turnarse en la mesa de jurados para seguir ganando premios, ahora con el apoyo de las majors.

Da qué pensar. Sobre todo reflexionando en diez puntos que sorprenden a más de uno. Habría que preguntarse: si hasta ahora estos cineastas se han movido por intereses personales, ¿por qué ahora están tan comprometidos con una ley, a todas luces, negativa y tramposa que hace al cine peruano dependiente de la voluntad de las distribuidoras extranjeras? A continuación el desglose de premios CONACINE e Ibermedia y cómo éstos no dejan de favorecer sistemáticamente a los cineastas “verdaderos”.

RESULTADOS CONACINE (1996 – 2010)

1996: Chicho Durant (Coraje): 429,000 soles (160,000 dólares al cambio de la época)

1997: Augusto Tamayo (El Bien Esquivo): 648,000 soles (240,000 dólares al cambio de la época)

1998: Álvaro Velarde (El destino no tiene favoritos), producida por Gustavo Sánchez, quien incluso aparece en la película interpretando a un sacerdote.

1999: No hubo concurso

2000: Gustavo Sánchez (Django, La Otra Cara): 783,000 soles (225,000 dólares al cambio de la época)

2001: No hubo concurso

2002: No hubo concurso

2003: No hubo concurso

2004: No hubo concurso

2005: Ronnie Temoche (El Inca, La Boba y el Hijo del Ladrón / Producción): 431,000 soles (140,000 dólares al cambio de la época)

2006: Augusto Tamayo (Una Sombra al Frente / Post Producción): 70,000 soles (25,000 dólares al cambio de la época)

Francisco Lombardi (Mariposa Negra / Post Producción): 70,000 soles (25,000 dólares al cambio de la época)

2007: Ganaron otros

2008: Chicho Durant (El Premio / Post Producción): 180,000 soles (65,000 dólares al cambio de la época)

Francisco Lombardi (Un Cuerpo Desnudo / Post Producción): 180,000 soles (65,000 dólares al cambio de la época)

Frank Pérez Garland (Cuatro / Producción): 450,000 (160,000 dólares al cambio de la época)

2009: Francisco Lombardi (Ella / Producción): 400,000 soles (145,000 dólares al cambio de la época)

Augusto Tamayo (La Vigilia / Post producción): 205,000 soles (75,000 dólares al cambio de la época)

Frank Pérez Garland (Cuatro / Distribución): 70,000 (25,000 dólares al cambio de la época)

2010: Francisco Lombardi (Ella / Distribución): 80,000 soles (30,000 dólares)

Augusto Tamayo (La Vigilia / Distribución) 80,000 soles (30,000 dólares al cambio de la época)

Eduardo Mendoza – Gustavo Sánchez, productor (Bolero de Noche/Post Producción) 210,000 soles (75,000 dólares)

Ronnie Temoche (El Inca, La Boba y el Hijo del Ladrón/ Distribución) 80,000 soles (30,000 dólares)

Luis Quequezana (Sonidos vivos / Post Producción): 210,000 soles (75,000 dólares)

IBERMEDIA RESULTADOS TODOS LOS AÑOS

2001: Chicho Durant (Mercurio No es un Planeta, cambio el nombre a Doble Juego): 150,000 dólares.
Augusto Tamayo (Una Sombra al Frente / Desarrollo de Proyecto): 10,000 dólares.

2002: Chicho Durant (El Guardián de Fuego / Desarrollo de Proyectos): 10,000 dólares (No se sabe nada de este proyecto. Parece que no desarrolló nada, pues nunca se presentó como guion o proyecto a ningún concurso)

Gustavo Sánchez (Productor de Polvo Enamorado): 90,000 dólares.

2003: Augusto Tamayo (Una Sombra al Frente): 150,000 dólares.

2004: Chicho Durant (El paraíso / Desarrollo de Proyectos): 5,000 dólares (Otro proyecto del que no se sabe nada, se asume que luego cambio el nombre a EL PREMIO)

Francisco Lombardi (Grandes Miradas, cambio el nombre a Ojos que No Ven): 150,000 dólares.

2005: Perú no asistió a la reunión.

2006: Los proyectos presentados en el 2005 pasaron a reserva y declarados ganadores el año 2006:

Chicho Durant (El Premio): 105,000 dólares

Ronnie Temoche (El Inca, La Boba y El Hijo del Ladrón): 115,000 dólares

2007: Francisco Lombardi (Ella): 85,000 dólares

2008: Augusto Tamayo (La Vigilia): 90,000 dólares.

2009: Luis Quequezana (por el documental Sonidos Vivos): 120,000 dólares (el mas alto financiamiento otorgado por Ibermedia a una película peruana)

Gustavo Sánchez (Productor de Bolero de Noche): 103,000 dólares.

2010: Augusto Tamayo (La Vigilia / Delivery o ayuda para distribución en el extranjero): 8,000 dólares

(Caso raro por que compitió con la película OCTUBRE que obtuvo varios logros importantes. En ese entonces La vigilia de Tamayo ni siquiera se había estrenado.

Los señores mencionados arriba: Augusto Tamayo, Francisco Lombardi, Alberto Durant, Gustavo Sánchez, Frank Pérez Garland, Eduardo Mendoza, Luis Quequezana, Alvaro Velarde, Ronnie Temoche, pertenecen a la Asociación de Productores Cinematográficos del Perú, APCP, que es el grupo que respalda públicamente la Ley PROCINE, que lo único que busca entregar mas dinero a CONACINE, para que ellos puedan ganarlo en los concursos. La APCP, en todos estos años ha tenido el control del Consejo Directivo de CONACINE.

Fuente:

http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com/2010/12/chicos-de-la-apcp-que-manera-de-ganar.html
http://ciniestro.blogspot.com/2010/12/la-loteria-de-conacine.html

CICLO: DARK SIDE OF THE MAN: Slasher, terror, thriller y psicopatías experimentales.

2010-11-09T15:00:00.000-08:00

Del Jueves 11 de noviembre al jueves 16 de diciembre de 2010, a las 7:30 p.m.

Lugar: Pasaje Hernán Velarde 179, Lima. (Altura de la cuadra 1 de Petit Thouars).

El cineclub “Ojos abiertos” estrena nuevo local con el ciclo “DARK SIDE OF THE MAN: Slasher, terror, thriller y psicopatías experimentales” con el que cerraremos nuestra programación del 2010.

El ciclo reúne películas que por su tratamiento visual, narrativo y temático, buscan causar el mayor estupor en el público, escogiendo como protagonistas a sicópatas, asesinos en serie, casi siempre desde planteamientos subjetivos, muchos de ellos tomados de casos reales, o a través de “mockumentarys” (falsos documentales), rompiendo las convenciones de género, incurriendo también en lo paranormal.

Cerramos el ciclo con un documental sobre el género “Slasher” (“destripamiento”), que nos ayuda a entender porqué las películas del mencionado género y sus protagonistas (Michael Myers “Hallowen”, Jason Burgis “Viernes 13”, Freddy Krugger “Pesadilla”, etc.) despiertan fascinación entre sus seguidores, y porqué el público tiene la necesidad de sanguinarias historias de horror. Basta ver la historia de la civilización (los coliseos romanos, las novelas y óperas oscuras, los documentales y corresponsales de guerras, etc.) para entender este hemofílico hábito, que muchas veces se confunde con lo sensacionalista. Habrá un conversatorio al final de cada proyección, con mayor información sobre las películas, los géneros, sus contextos y sus repercusiones en el cine y la sociedad.

EL INGRESO ES LIBRE.

Jueves 11 noviembre de 2010, 7:30 p.m.

MAN BITES DOG (Bélgica, 1992)

Director: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoit Poelvoorde.

Perturbadora y controversial por su estilo de falso documental, Man bites dog muestra con un realismo y crudeza no antes vista, la historia de un grupo de cineastas que deciden filmar un documental sobre Ben, un singular asesino serial, quien desnuda antes las cámaras su cotidianidad que incluye desde tocar el piano y filosofar hasta masacrar, violar y robar. Una ácida parodia satírica de la reality TV, la tele amarillista y morbosa, considerada como referente de algunas películas de éxito como Asesinos por naturaleza, El proyecto de la Bruja de Blair, entre otras.

Jueves 18 noviembre de 2010, 7:30 p.m.

THE POUGHKEEPSIE TAPES (EEUU. - 2007)

Director: John Erick Dowdle

El FBI descubre cientos de cintas de video en una casa abandonada de Poughkeepsie, una pequeña población de Nueva York. El contenido de esas cintas consiste en imágenes de torturas, asesinatos y desmembramientos, convirtiéndose en la más perturbadora prueba de la existencia de un asesino en serie totalmente diferente; que no tiene aparente motivación, que cambia sus modo de operación constantemente y que escoge sin patrón a sus víctimas. Un excelente falso documental sobre el “perfecto asesino”, basado en una serie de hechos reales aislados.

Jueves 25 noviembre de 2010, 7:30 p.m.

BENNY’S VIDEO (Austria - 1992)

Director: Michael Haneke

Benny es el hijo adolescente de una familia rica que no se ocupa mucho de él entonces, él encuentra un sustituto emocional en el mundo del video y poco a poco, imperceptiblemente, sus valores y su sentido de la realidad van cambiando. Se complace de ver videos violentos, y decide averiguar qué se siente matar. Conoce a una chica de su edad y decide experimentar sus deseos extrañamente perturbadores. Antes de la ya conocida “Funny Games” Haneke planteaba ya con esta película la pérdida de valores humanos en la Europa próspera y la violencia injustificada alentada por la sociedad individualista.

Jueves 02 diciembre de 2010, 7:30 p.m.

LAKE MUNGO

(Australia - 2008)

Director: Joel Anderson

Película adscrita al género de terror sobrenatural, con muchas partes de falso documental, que cuenta la historia de Alice, una jovencita de 16 años que desapareció mientras nadaba en un lago. Tras rescatar su cuerpo sin vida, las autoridades competentes emiten el veredicto de muerte accidental. A partir de entonces su familia empieza a experimentar una serie de hechos extraños e inexplicables centrados en el interior de su casa y los alrededores. Presos por la inquietud acuden a solicitar la ayuda de un par de parapsicólogos, quiénes descubrirán que Alice llevaba una doble vida. Una serie de pistas llevarán a la familia de Alice hasta Lake Mungo, lugar en el que el pasado de Alice emerge a la luz.

Jueves 09 diciembre de 2010, 7:30 p.m.

PEEPING TOM

(Reino Unido – 1960)

Director: Michael Powell

Un psicópata fotografía a sus víctimas mientras mueren, poseído por la alucinación y marcado por su infancia, pues si padre, un científico obsesionado por estudiar las reacciones infantiles ante el miedo, destrozó su psiquis y le convirtió en un adulto con una demencia demoníaca. El personaje necesita matar y fijar en imágenes el terror que sienten sus víctimas, para poder satisfacer sus afanes morbosos. Es considerada la película madre del slasher, y se dice que Michael Powell inspiró en mucho a su compatriota Hitchcock, para su obra maestra “Psicosis”, pues ambas tratan de un voyerista asesino en serie.

Jueves 16 diciembre de 2010, 7:30 p.m.

GOING TO PIECES: The Rise And Fall Of The Slasher Film
(EEUU. - 2006).
Director: Adam Rockoff

Interesante documental que repasa de manera completa la historia de un subgénero denominado Slasher, que supo entregar joyas como Halloween, Friday 13th, Black Christmas, Prom Night, The Prowler y muchas mas que, aunque inferiores en calidad, resultaron plenamente entretenidas y supieron ganar gente en su momento y hasta el día de hoy. En el documental se puede ver y escuchar la palabra de varios personajes del mundo del horror, como John Carpenter, Debra Hill, Wes Craven, Sean S. Cunningham, Malek Akkad, Tom Savini, Rob Zombie, Amy Holden, Harry Manfredini, entre muchos mas.

CICLO: CINE DE ANIMACIÓN EN CINECLUB "OJOS ABIERTOS" DE LA UTP.

2010-10-12T17:25:00.000-07:00

Una selección con lo mejor del cine de animación, desde la clásica película francesa "Planeta Fantástico", única película animada que ganó el premio a mejor película del Festival de Cannes 1975, la experimental y épica película de marionetas "Strings", la contemporánea y futurista "Metropia" con las voces de Julliets Lewis y Vicent Gallo y el genial dibujante británico Bill Plympton. Todos los jueves de este mes, a las 7:30 p.m. en la Universidad Tecnológica del Perú, Avenida PetitThouars 116, Lima, auditorio "Elisa Toullier de Valcárcel", pabellón "F" 3º piso.

El ingreso es libre.

JUEVES 07 DE OCTUBRE DE 2010, 7:30 PM.

La Planète sauvage

(El planeta fantástico)

Director: René Laloux

Año y País: 1973 - Francia

Los Draag son gigantes habitantes del planeta Ygam, donde los humanos han sido reducidos a ser mascotas o vivir como criaturas salvaje (”Oms”). Terr, uno de los “Oms” guiará la rebelión contra los Draag y sus planes de exterminarlos.

JUEVES 14 DE OCTUBRE DE 2010, 7:30 PM.

Strings

(Cuerdas)

Director: Anders Rønnow Klarlund

Año y País: 2004 - Dinamarca, Noruega, Suecia y Reino Unido

Película hecha íntegramente con marionetas. Es una historia mitológica sobre el hijo de un rey, Hal Tara, que emprende un viaje para vengar la muerte de su padre. En su trayecto descubre la verdad sobre su pueblo y encuentra el amor verdadero. Una fábula dramática de aventura, servidumbre y liberación.

JUEVES 21 DE OCTUBRE DE 2010, 7:30 PM.

Metropia

Director: Tarik Saleh

Año y País: 2009 - Suecia, Dinamarca, Finlandia y Noruega.

Es el año 2024, el mundo se está quedando sin petroleo y por ello Europa está conectada por una red de metro gigantesca llamada Metropia. Roger, un hombre flemático, descubre un día que hasta el último detalle de su vida está totalmente controlado e intentará liberarse.

~~JUEVES 28 DE OCTUBRE DE 2010, 7:30 PM.~~

(SE REPROGRAMA LA PROYECCIÓN DE ESTA PELÍCULA PARA EL JUEVES 04 DE NOVIEMBRE DE 2010, A LAS 7:30 P.M.)

I Married a strange person !

(Me casé con un extraño!)

Director: Bill Plympton

Año y País: 1997 - EEUU.

Grant, un joven recién casado, recibe una descarga eléctrica que le proporciona extraordinarios poderes, con los que podrá transformar personas y objetos a su voluntad, así como materializar todo aquello que piense. Unas corporaciones intentarán descubrir el secreto de Grant para adueñarse del mundo.

SINMUTE de Javier Bellido y Ana Balcázar

2010-10-06T09:22:00.000-07:00

Máquinas. Hacen ruido, se mueven de forma autómata por ciclos encerrados en segundos que parecen eternos por la cadencia. De pronto, un hombre.

SINMUTE es una visceral película /pesadilla/hijo de Ana Balcázar y Javier Bellido, una pareja de noveles realizadores limeños, provenientes de las artes plásticas.

La condición humana; aquel gran universo que abordan los artistas, desde que se consideran como tales, es la excusa de los directores para entrar de lleno a una experiencia onírica y tenebrosa. Nada más escabroso que ver a un ser humano de adentro hacia fuera.

La enajenación no es tan simple; no es simplemente dejar de ser o llegar ser otra cosa, ni poseer una existencia rutinaria. La condición humana ha llegado a una fractura metafísica, a una inevitable deshumanización. En todo caso, es el proceso lo que lo hace complejo y atractivo.

De esta experiencia concluimos en que no hay escapatoria; estamos condenados ser fantasmales, a ver y convertirlo todo en una proyección nuestros temores, justificados o no. Que nadie puede darnos el cariño suficiente para dejar de ser monstruosos.

El protagonista anónimo de SINMUTE parece huir de eso. Se desplaza por áridos caminos, por calles vacías (que sin embargo, no están deshabitadas), yendo y viniendo sin aparente rumbo, encerrándose en un auto abandonado. Cualquier lugar es bueno para huir de sí mismo.

Llegar a casa es introducirse a un laberinto; las imágenes evocan situaciones dentro del núcleo familiar; la cena, los juegos de mesa, encontrando en cada habitación un episodio en clave de David Lynch. Así, los “seres queridos” adquieren la categoría de arquetipos, de siniestros y silentes personajes que representan la mirada enferma del hombre, el hombre que quiere huir, que quiere ser lo que no es, ni puede ser.

Todos los recuerdos son denigrados a categoría de traumas; “Siempre serás un mediocre” dice una de esas criaturas, figura de algún tutor o maestro. Parece ser la frase que desencadenó la película. Los directores parecen responder “Para que veas que no” con un cuidadoso tratamiento visual (considerando el soporte digital), deudora del cine trascendental, de los climas bizarros de Ulmer, de Lynch, y claro, del lenguaje pictórico en el habitualmente se comunican los realizadores.

La película adquiere carácter propio, impresiona no por sus referencias inherentes, sino por méritos que van más allá de lo formal. No existe un relato, ni una historia determinada. Su fuerza está en el simple hecho de divagar, sin la esperanza de ser o parecer, sino sólo aparecer.

La película no encajaría en un género, pero se acerca. Busca por momentos ser expresionista, surrealista, videoclip de heavy metal, pero no lo consigue. Sigue siendo una película extraña, una golosina para sicoanalistas, estimulante para cineastas en digital y para los cinéfilos nacionales que esperamos de nuestra producción local algo más que lo que nos presentan las salas comerciales.

A continuación, una entrevista a Javier Bellido, uno de los directores de la película.

CINESTESIA: Veo en SINMUTE muchas referencias a Lynch, aunque muestras un lenguaje personal, ¿Cuáles han sido las fuentes audiovisuales de tu película?

JAVIER BELLIDO: Definitivamente yo creo que las hay, sin embargo creo que por parte de los dos (de Ana y mía), esas referencias se dan inconscientemente. A los dos nos gusta bastante el cine de Lynch de todas maneras.

Lo que te puedo decir es que todas las imágenes han sido construidas bajo la concepción personal de cada uno y por nuestra necesidad e interés de expresarnos a través de las imágenes. Como ya sabes los dos somos pintores, y una de las cosas más importantes al hacer la pela, era poder expresar nuestro mundo interno, buscando cargar las imagenes de metáforas y poesía.

C: ¿Qué esperabas conseguir con SINMUTE?

JB: Sobre todo expresar mediante las imágenes una serie de sentimientos y sensaciones. Sacar, capturar estas imágenes de mi cabeza. Todos los medios posibles donde se de la expresión artística son de mi interés. No somos artistas que trabajamos bajo una idea específica y que saben muy bien lo que quieren comunicar.

Con la película no buscamos comunicar algo específico, nos interesa expresarnos como personas, trabajamos de manera bastante intuitiva, al final viene la reflexión. Por otro lado, me interesa que el espectador aprenda a ver por sí solo, con su propia individualidad, con su creatividad, con su propio mundo y que se sientan también gestores, por el hecho de que ellos al verla también crean sus propias interpretaciones y nos ayudan a descubrir distintos significados. Cada persona es libre de encontrar distintas interpretaciones de acuerdo a su propia sensibilidad.

C: Cuéntame detalles de la producción; ¿cuánto duró el rodaje, cuál fue la modalidad de producción, cuál fue el presupuesto, de cuántas personas estuvo conformada tu equipo, eran tus amigos, contrataste a alguien?

JB: Duro unos dos años, pero fue por épocas, como es un una película independiente teníamos que darnos tiempo para coordinar con la gente que actuó, todos eran amigos nuestros que actuaron voluntariamente.

También tuvimos muchos atrasos. Y dependíamos de cosas de las que no estamos acostumbrados. Cuando pintas solo estas tu y el soporte con los materias que usaras, en cambio, acá dependíamos para empezar de que la cámara este con batería, del tiempo de los actores, si es de día o de noche, pero la mayor dificultad fue tener que acostumbrarnos a lidiar con las maquinas para guardar y proteger lo que íbamos filmando.

El presupuesto para realizar la película yo creo que puede haber sido de ochocientos soles aproximadamente. Pero al momento de sacar el tiraje para la fabricación de los dvds sí gastamos como dos mil soles. Nunca contratamos a nadie, los únicos gastos fueron de utilería.

C: Como artista plástico (curiosamente Lynch también lo es), ¿crees que ello es un plus para alguien que está incursionando en el lenguaje cinematográfico?, ¿de qué forma?

JB: Definitivamente sí, porque trabajas con la imagen y también con el inconsciente todo el tiempo.

C: Hay bastantes situaciones freudianas, ¿Qué tan premeditado fue?

JB: Como te comentaba hace un momento, en nuestra película, así como en nuestro modo de expresarnos en el arte, nada esta "premeditado", en realidad es bastante espontaneo, es como que tratamos de escuchar agudamente nuestro interior.

C: ¿Puedes dar algunos avances de tu próximo proyecto?

JB: Creo que te puedo decir que narrativamente va a ser bastante parecido, porque todavía continúo con una serie de inquietudes similares.

C: ¿Cómo ves la escena cinematográfica local? ¿consideras que hay una necesidad de cambio de dirección?

JB: Más que eso, te diría que animaría las personas a darse cuenta que deben creer en ellos mismos y mandarse a hacer sus cosas. A crear su rollo, a expresar lo que los “mueve por dentro”. Para esto no se necesita un gran presupuesto. Se necesita una cámara para grabar y una maquina en donde puedan cuidar y editar lo que filman. Esto es todo. Ahora por el formato digital las cámaras no son tan caras como hace años que tenías que conseguir una con rollo y era carísimo.

SOLO LAS VERÁS AQUÍ: 4 OBRAS MAESTRAS DESCONOCIDAS. NUEVO CICLO EN LA CAYETANO HEREDIA.

2010-09-13T12:49:00.000-07:00

Cuatro películas de culto. Cuatro obras maestras desconocidas. Cuatro películas espirituales, profundas, prohibidas, liberadoras; de escasa distribución, casi imposibles de hacer, habitualmente incomprendidas y que forman parte de una historia secreta del cine.

Cineclub de la Cayetano de Heredia.- Lunes. 7 de la noche. Av. Armendáriz 445, Miraflores. Entrada Libre.

Lunes 13 de Setiembre:

Yeelen, de Souleymane Cissé (La luz. Mali, 1987, 106 min).

Con este ejemplo de cine 'trascendental' presenta un África enteramente independiente de influencias foráneas en un tiempo anterior a la llegada del Islam o de la Cristiandad. A través de la exploración brillante de sus raíces míticas y un conocimiento ancestral Yeelen muestra que la inspiración democrática contra las dictaduras y tiranías en África provienen de la herencia de su propio pasado y no de Occidente.

Lunes 20 de Setiembre:
Vase de noces, de Thierry Zeno (Vaso de bodas. Bélgica, 1974, 80 min).

Filmada en blanco y negro, con un solo actor humano y con sonidos diversos y melodías que no hacen extrañar la palabra. Sublime, extrema, alegórica; inspirada por la pintura de Bosch, el análisis de Jung y el cine de Pasolini, comporta una reflexión en clave poética sobre la soledad del hombre y su regreso a una serie de experiencias primarias, 'míticas' y pre-lingüísticas.

Lunes 27 de Setiembre:
Angst, de Gerald Kargl (La angustia del miedo, Austria, 1984, 94 min).

"Estaba muy interesado en la psicología de este asesino en serie (Kniesek) y quería proveer una mirada más honda de su psique, mayormente vía la narración en tiempo real y su voz interna, continuamente presente en la voz en off." Considerada superior a 'Henry, retrato de un asesino en serie' de John MacNaughton (1986) y referencia ineludible para el cine de Michael Haneke.

Lunes de 4 Octubre:
Themrock, de Claude Faraldo (Francia, 1973, 104 min).

Sátira anarquista. "Hace años, un obrero dejaba de trabajar y sentía vergüenza, ya no era nadie. Ahora te encuentras a un tipo que te dice: "Llevo dos años en paro y voy a intentar renovarlo por un año más", y esto está muy bien. En Themroc hablo de esto. También hablo de que hacer el amor con tu hermana está muy bien, si ella está de acuerdo. Hay que acabar con los viejos tabúes burgueses. Yo descubrí la libertad muy tarde. Me refiero a tu libertad individual, íntima, que es muy importante."

SEGUNDO CONCURSO EXTRAORDINARIO DE CONCINE: "DESIERTO" SERÍA MI PELÍCULA FAVORITA

2010-09-08T09:48:00.000-07:00

Recibí esta información y creo que es menester publicarla, porque en estas líneas se expresa algo que algunos denunciamos abiertamente, otros defienden y justifican con ciega condescendencia, y muchos más conocen y comentan a media voz ...

En mi opinión, es acertada la evaluación, pero fallida la desición final...DESIERTO sería la película perfecta en una situación así. Es mejor el silencio que el ridículo...

CONACINE INFORMA A LA COMUNIDAD CINEMATOGRAFICA

A continuación, se les remite el acta final del Concurso de Postproducción II y acta final del Concurso de Distribución II.

SEGUNDO CONCURSO EXTRAORDINARIO

PARA POST-PRODUCCION DE OBRAS

CINEMATOGRÁFICAS PERUANAS DE

LARGOMETRAJE - CONACINE 2010

Base Legal: Ley de Cinematografía 26370 y Reglamento D.S. 42-95-ED

Convocatoria y Bases del Segundo Concurso Extraordinario para Post-Producción de Obras Cinematográficas Peruanas de Largometraje - CONACINE 2010

ACTA FINAL DEL JURADO

Nos sorprende y lamentamos la baja calidad en todo aspecto de los proyectos presentados, habiendo encontrado falta de creatividad, pobre desarrollo de la narrativa, guiones poco trabajados (sobre todo los textos y diálogos), desconocimiento del uso del Lenguaje Cinematográfico y escasa dirección de actores. Sin embargo, por una cuestión de conciencia de lo que significaría declarar los premios desiertos, ya que el cine peruano tiene tan poca ayuda y promoción, es que optamos por premiar los dos proyectos menos carentes de los aspectos mencionados y que más se aproximan a ser una obra cinematográfica.

1. El Rincón de los Inocentes, producida por la empresa Andina Compañía Cinematográfica S.R.L. y dirigida por Palito Ortega Matute

A pesar de tener un tratamiento bastante elemental. Consideramos que es un tema difícil de abordar y rescatamos la propuesta de un director de provincia que muestra una visión propia y personal de los hechos de alguien que vivió en el lugar de los acontecimientos.

Encontramos válido confrontar al espectador de Lima, en su mayoría migrante, frente a una película filmada en provincia. Al mismo tiempo es rescatable que el director en esta película se enfrente a unas condiciones de producción más cercanas a las convencionales y menos alternativas que en sus anteriores producciones.

2. Bolero de Noche, de la empresa productora La Soga Producciones E.I.R.L. y dirigida por Eduardo Mendoza De Echave

Siendo una película de fórmula facilista y estereotipada, cumple con los mínimos niveles técnicos requeridos de lenguaje cinematográfico, fotografía y edición. A pesar de tener una deficiencia y desigualdad en la dirección de actores, rescatamos el conocimiento del lenguaje cinematográfico del director. Por lo tanto, decidimos apoyarlo para que concluya su proceso.

Considerando los trabajos presentados en este concurso y el anterior, el jurado, desea sugerir a CONACINE, que en las bases del concurso de postproducción se incluyan como requisitos algunos aspectos técnicos, o que se designe una Comisión Técnica que filtre los proyectos que son impresentables.

MARTA MENDEZ ITURRIAGA

Presidente del Jurado

DNI 10710233

MICAELA CAJAHUARINGA SCHREIBER

DNI 07562460

CARLA LEVI VELAZQUEZ

DNI 09336907

CINE Y MUSICA: DOCUMENTALES, EN EL CINE CLUB "OJOS ABIERTOS" DE LA UTP

2010-08-27T15:15:00.000-07:00

El cineclub "Ojos abiertos" de la UTP, con el apoyo de PROYECTO LADO B, presentan el ciclo CINE Y MUSICA: DOCUMENTALES, presentando documentales sobre movimientos musicales de contracultura que generaron a su vez impactos sociales vigentes hasta la actualidad. Las proyecciones serán todos los jueves de septiembre a las 7:30 p.m. en la Universidad Tecnológica del Perú, en el auditorio "Elisa Toullier de Valcárcel" (Pabellón "F" 3º piso). El ingreso es libre.

PROGRAMACIÓN

JUEVES 2 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.

Punk attitude

País y año: EEUU. 2007/ Director: Don Letts

A mediados de los años 70, una revolución encendió las calles de Londres y de Nueva York, afectando a la juventud del momento y de todas las generaciones futuras. El Punk redefinió el pop, amenazando con romper todo lo establecido y legitimizando la actitud independiente. Inspiración para una generación entera de músicos y cineastas, poetas, fotógrafos, diseñadores y de artistas gráficos. La película recorre la historia de este movimiento, combinando entrevistas con las principales figuras del movimiento con un importante material de archivo. Un a narración cronológica que permite que los hechos hablen por sí mismos.

JUEVES 9 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.

American hardcore
País y año: EEUU. 2006/ Director: Paul Rachman

Documental que bucea en las tendencias suburbanas que a partir de los 80 confeccionaron lo que conocemos como Movimiento Punk. Con archivo de bandas como Circle Jerks, The Misfits y Suicidal Tendencies, entre muchas otras, el film recorre en 98 minutos con una mirada diferente del fenómeno, más los efectos visuales del diseñador John Vondracek, respetuoso de la estética 80s.

JUEVES 16 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.

Metal: a headbanger's journey
País y año: EEUU. 2005/ Director: Sam Dunn

En 1986, algo extraño ocurrió: el Heavy Metal se convirtió en la música más popular del mundo, y por todas partes se veía a chicos de pelo largo haciendo la señal de los cuernos y tocando air guitars. Pero no a todos les gustaba: los críticos la calificaron de música poco sofisticada para gente poco sofisticada. Un artículo llegó a llamarlo enfermo, repulsivo, horrible y peligroso...". Así comienza Sam Dumn la narración de su película, posiblemente el mejor trabajo audiovisual de investigación sobre el Metal hecho hasta la fecha, y sin duda uno de los más entretenidos, y que da en el objetivo de saber qué, dónde y cómo se originó este estilo musical, y a qué se debe que haya generado siempre reacciones tan encontradas entre el público.

JUEVES 23 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.

Hype!

País y año: EEUU. 1996/ Director: Doug Pray

Es un documental que nos muestra el origen, crecimiento y sobre-exposicion del Seattle-Grunge. Tomas y entrevistas a grupos, productores, fans que nos muestran que el grunge no sólo es Pearl Jam, Nirvana, Alice in Chains, Soundgarden, sino muchísimo más. Se pueden ver grabaciones y registros en vivo de grupos como Blood Circus, Coffin Break, Crackerbash, Dead Moon, Fastbacks, Flop, Gas Huffer, Green River , The Gits, Hammerbox, Love Battery , The Melvins, The Mono Meny Mudhoney. Aparece también Nirvana (la primera tocata en vivo de Smells Like Teen Spirit, cuando aún eran 4 y Kurt se llamaba Kurdt), The Posies, Seaweed, 7 Year Bitch, Some Velvet Sidewalk, Soundgarden, Supersuckers, Young Fresh Fellows y Zipgun.

JUEVES 30 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.

Live forever: The rise and fall of the britpop

País y año: EEUU. 2003/ Director: John Dower

Es un documental que retrata el auge y caída del Britpop de los años 90. Un movimiento que no sólo fue representado por la música de Reino Unido de esos años si no que por toda una efervecente cultura popular británica que se dió a conocer a nivel mundial. Contado por sus íconos mas representativos: Blur, Pulp, Oasis (aunque ellos nunca se reconocieron parte del Britpop), The Verve, entre otros.

CICLO AGOSTO 2010: "UN NUEVO CINE PERUANO II" EN EL CINECLUB DE LA UTP.

2010-08-04T15:19:00.000-07:00

Continuando con las proyecciones de las películas nacionales pertenecientes a jóvenes directores independientes, el cineclub "Ojos Abiertos" de la UTP, presenta el ciclo Nuevo Cine peruano II; producciones realizadas en formato digital, de forma autogestionaria, y con innovaciones tanto formales, como temáticas, siendo propuestas llenas de frescura y de un espíritu renovador.

La cita son los jueves 19 de agosto de 2010, a las 7:30 p.m. en la Universidad Tecnológica del Perú (Av. Petit Thouars 116, Lima), en el auditorio "Elisa Toullier de Valcárcel", Pabellón "F", 3º piso. el ingreso es libre.

Jueves 19 Agosto 2010 - 7:30 p.m. / Auditorio "Elisa Toullier de Valcárcel"

KASA OKUPADA (Duración 66 min. / Año: 2010)
Director: Rafael Arévalo

Un joven es secuestrado por dos sádicos que lo someten a todo tipo de torturas sin razón aparente, hasta que pierde la memoria. Cuando consigue escapar, se refugia en una casa abandonada ocupada por dos brujas que preparan un ritual pues un trascendental eclipse solar que cambiará la vida de todos los personajes para siempre está por producirse.

Jueves 26 Agosto 2010 - 7:30 p.m. / Auditorio "Elisa Toullier de Valcárcel"

SINMUTE (Perú, 2008, 56 min.)

Directores: Ana Balcazar y Javier Bellido

Enlace: http://sinmute.blogspot.com/

Las imágenes muestran sucesos de la vida cotidiana de un hombre, mezcladas con otras de su oscuro y maravilloso mundo subconsciente. Así, el sueño, la pesadilla, la fantasía y la realidad lo acechan constantemente en su mecanizada condición humana. Una película que recuerda el clima de Eraserhead, de David Lynch, combinando expresionismo y surrealismo, pero que luce una brillantez original y destacado tratamiento visual.

MINICICLO: NUEVO CINE PERUANO. PARTE 3.

2010-07-24T07:22:00.000-07:00

*Con las disculpas del caso, recién re-publicamos este post que apareción en La Cinefilia no es Patriota. Ya estaremos comunicando sobre más noticias e información del cine peruano independiente (de verdad), autogestionario, y en digital...

He venido sosteniendo -o verbalizando la evidencia- la realidad de la existencia de un Nuevo Cine Peruano, hecho en digital, que no necesitó de Conacine ni de industria alguna para ser. Un cine, que hablando en general, sabemos que, aunque poco conocido, es mejor (no le tengo a miedo a esta palabra), y que ya ha dado algunos frutos que revelan su pertenencia a otras tradiciones que van más allá de un realismo y de un costumbrismo lamentablemente tan ingenuos como perversos. Y todo esto, a despecho de estar siendo construido con menores recursos económicos. Pero sí, en cambio, con mayores recursos mentales. Hay directores muy distintos entre sí pero, a la vez, noto que hay una idea común en todos ellos, una independencia estética, espiritual, e incluso ética, que desea claramente romper con mucho de lo que se hecho en el pasado aquí. Directores que pese a su juventud acaso hayan visto y asimilado más de un mejor cine. Estos directores quieren, por así decirlo, 'servir al arte' en vez de servirse de él. Quieren ser ellos mismos y no quieren que nadie venga a decirles cómo tienen que hacer sus películas. Es necesario valorar ese gesto y estar atentos a lo que pasará en un futuro tal vez no tan lejano, porque esa actitud digna tendrá sin duda sus consecuencias. (M.C.).

Lunes 19 de Julio:

"3", de Jim Marcelo y Eduardo Quispe (Perú, 2010, 66 min). Una ciudad, un parque, un momento cualquiera. Un grupo de jóvenes limeños dialogan sobre sus vidas y su intimidad, mostrando mundos apartados por las bancas y veredas, pero relacionados por el espacio-tiempo del parque, acercándonos a una mirada microscópica de una realidad generacional que oscila entre la ficción naturalista y el documental.

http://cinestesiaperu.blogspot.com/2010/06/entrevista-eduardo-quispe-director-de-3.html

http://cinestesiaperu.blogspot.com/2010/06/hicimos-3.html

http://www.cinencuentro.com/2010/07/10/3-2010/

Lunes 19 de Julio:

Sinmute, de Javier Bellido y Ana Balcázar (Perú, 2008, 56 min.) Las imágenes narran sucesos en los que un hombre mezcla su vida cotidiana con su oscuro y maravilloso mundo subconsciente. Su condición de humano lo acecha constantemente y se pierden las nociones de realidad o sueño.

http://sinmute.blogspot.com/

Lunes 19 de Julio:

Un héroe inmortal, de Fernando Gutiérrez "Huanchaco" y Rómulo Franco (Perú, 2008, 29 min). Un tipo vestido con capita y el bisnieto de Miguel Grau viajan hasta Chile junto con un equipo de filmación en pos de una bella, simbólica hazaña: grabar a la reencarnación del héroe, vestido de gala, dentro del mísmisimo, glorioso, legendario, Monitor Huáscar.

Lunes 26 de Julio:

Kasa Okupada, de Rafael Arévalo (Perú, 2010, 66 minutos). Un joven es secuestrado por dos sádicos que lo someten a todo tipo de torturas sin razón aparente, hasta que pierde la memoria. Cuando consigue escapar, se refugia en una casa abandonada ocupada por dos brujas que preparan un ritual pues un trascendental eclipse solar que cambiará la vida de todos los personajes para siempre está por producirse.

http://eltopoproducciones.blogspot.com/2010/01/esto-es-kasa-okupada.html

http://eltopoproducciones.blogspot.com/2010/03/imagenes-de-kasa-okupada.html

http://www.cinencuentro.com/2010/07/07/kasa-okupada-2010/
http://paginasdeldiariodesatan.blogspot.com/2010/07/illary-y-kasa-okupada.html

Lunes 26 de Julio:

La Tarea, de Milagro Farfán (Perú / Cuba, 2009, 27 min). Sayné, de 8 años, debe escribir un cuento sobre su familia para la escuela. Así, concientiza su núcleo: papá, mamá, y la novia de mamá. Aunque la relación lleva tiempo, ahora comienza a entender que la pareja de su mamá es otra mujer y que eso la difstingue de las otras familias. Ama a su madre y quiere a la compañera de ésta, a la vez que no quiere ser vista como alguien 'diferente'.

http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=538&Itemid=93

Lunes 26 de Julio:

Avishka from Karina Cáceres Pacheco on Vimeo.

Avishka, de Karina Cáceres (Perú / Cuba, 2009, 6 min). Documental contemplativo que enlaza imágenes y sonidos capturados en dos viajes: uno hecho a la comunidad de Timpia, en la selva peruana, con otro hecho a la pequeña ciudad germana de Esslingen. Ambos materiales proponen un acercamiento a las vidas de personas disfrutando de la vida cotidiana en sus lugares de origen.

http://vimeo.com/karinacaceres

http://sihaypanparaquemigajas.tumblr.com/

http://www.flickr.com/photos/karinagcp

Lunes 26 de Julio:

El perdón, de Omar Quezada (Perú, 2006, 31 min). ¿Por qué burlarse de alguien solo porque es 'diferente'? Pasaron seis años desde el fin de la época del colegio pero ¿algo cambió? La búsqueda del compañero humillado se convierte en una radiografía de su entorno, y la búsqueda del perdón en algo más problemático de lo que parecía al principio.

http://www.cinencuentro.com/2007/04/07/el-perdon-de-omar-quezada/

"NATURALEZA MISTERIOSA: EL CINE APICHATPONG WEERASETHAKUL"

2010-07-10T09:00:00.000-07:00

La Dirección de Cultura, el Centro Cultural "Alberto Quintanilla" y el cineclub "Ojos abiertos" de la Universidad Tecnológica del Perú, presentan un ciclo dedicado a la obra del cineasta tailandés Apichatpong Weerasethakul, quien viene redefiniendo el cine, generando apasionamientos en la crítica especializada y en los principales festivales de cine en el mundo, haciéndose merecedor de importantes premios internacionales. Su obra está marcada por una mirada contemplativa naturalista, una narrativa conceptual, una mística en sus imágenes y paisajes tropicales, con personajes llenos de una humanidad que va más allá del cuerpo y la psicología, trascendiendo a lo espiritual y la naturaleza primaria del hombre, muchas veces quieta, otras veces salvaje.

Las proyecciones se realizarán los jueves 15, 22 de julio (el 29 de julio no hay función por fiestas patrias) 05 y 12 de agosto a las 7:30 p.m. en el campus de la UTP (Av. Petit Thouars 116, Lima) en los auditorios "Elisa Toullier de Valcárcel" y el anfiteatro "Angélica Gallegos Escobedo".

El ingreso es Libre.

PROGRAMACIÓN:

Jueves 15 de julio – 7:30 p.m. / Auditorio “Elisa Toullier de Valcárcel”

Mysterious Object at Noon (Duración: 89 min. / Año: 2000)

La realidad y la ficción se dan la mano en este aclamado documental experimental. Sin un guión ni tema específico, el equipo de rodaje se movilizará a través de toda Tailandia y otorgará carta blanca a sus habitantes, para contar una historia, a modo de “cadáver exquisito” mediante el cual la película se guía a través de pequeños relatos que se unen de forma inconsciente entre la gente a la que entrevistó.

Jueves 22 de julio – 7:30 p.m. / Auditorio “Elisa Toullier de Valcárcel”

Blissfully yours (Duración: 125 min. / Año: 2002)

Un refugiado birmano mantiene una indefinida relación con dos mujeres tailandesas, quienes le cuidan de una extraña patología en la piel, debiendo estar en constante humectación. Las acciones suceden durante un día entero, siendo la tarde calurosa que los tres comparten en la selva el momento más intenso. Por momentos, los personajes se comportan absurdamente; desde confeccionar una extraña receta de crema para la piel mezclando cantidad de vegetales cortados, a ignorar a un hombre manejando un scooter al mismo andar del auto en el que se trasladan. Apichatpong Weerasethakul trata magistralmente un problema social y político, sin recurrir a los discursos, ni a la retórica panfletaria, haciendo una historia tan extraordinaria a través de sucesos cotidianos.

Jueves 05 de agosto – 7:30 p.m. / Auditorio “Angélica Gallegos Escobedo”

Tropical Malady (Duración: 118 min. / Año: 2004)

Hay algo mágico en el aire. Son tiempos felices, y el amor es algo sin complicaciones para el joven soldado Keng y el chico campesino Tong. Tardes agradables con la familia de Tong, noches llenas de canciones en la ciudad... Hasta que la vida se ve perturbada por una desaparición. Además, algún tipo de bestia salvaje ha estado matando a las vacas. Las leyendas locales dicen que, de algún modo, un humano puede convertirse en otra criatura... Entonces empieza la historia de un soldado que se introduce solo en el corazón de la jungla, donde el mito a menudo se hace realidad.

Jueves 12 de Agosto – 7:30 p.m. / Auditorio “Elisa Toullier de Valcárcel”

Syndromes and a Century (Duración: 105 min. / Año: 2006)

Basada en la Inspirada en la historia de amor real de los padres del director, ambos médicos, y los recuerdos de infancia del propio director. En la película los personajes y la acción no tienen relevancia. Lo fundamental radica en el entorno, en los mismos actores, las mismas líneas de diálogo, situaciones análogas. La película está dividida en 2 partes simétricas, que subrayan la extrañeza: en la primera, la naturaleza resplandece en belleza contemplativa y sensualidad. En la segunda parte la arquitectura urbana configura un espacio muy mecanizado, como si la acción del hombre condujera hacia una paradójica deshumanización.

INGRESO LIBRE

Entrevista a Eduardo Quispe, director de 3

2010-06-27T21:13:00.000-07:00

Sábado, 26 Junio 2010

Por John Campos Gómez de cinencuentro

En la última fecha, 7 de julio, del ciclo “Un Nuevo Cine Peruano”, que se realiza en la UTP, se presentará -en el auditorio “Angélica Gallegos Escobedo”- el único estreno previsto para este marco. Se trata de “3″, de Eduardo Quispe, el mismo autor de “1″ y “2″, que pudimos ver el año pasado en el ~~Festival~~ Muestra de Cine Limeño, realizado en esa misma universidad.

A propósito de este estreno, le hicimos una entrevista en la se habló sobre el proceso de grabación de esta película y, sobre todo, temas de fondo del cine peruano.

¿Alguna nueva exploración en “3” con respecto a tus dos películas anteriores?

Eduardo Quispe (EQ): Bueno, esta vez trabajé con más de 10 personas (normalmente trabajo con menos de 5) lo que puso a prueba mi capacidad comunicativa y organizativa, ya que trabajamos siempre sin guión. El borrador de la película nos sirve de punto de partida para que los participantes confluyamos ideas y realicemos varios procesos creativos paralelos. Jim y yo nos limitamos a canalizar ese torrente creativo hacia la dirección de la idea central de la película. La gente que trabaja con nosotros no cobra un sol, apenas si le retribuimos pasándoles películas, invitándoles pizza, alguna cena con su pisco sour, etc. Eso quiere decir que ellos creen tanto en este proyecto como nosotros; le ponen su entusiasmo, esfuerzo y su ingenio. Es prácticamente una obra colectiva, donde mi rol de director es más de motivador y facilitador.

“3” es una película sobre la realidad generacional de los jóvenes limeños; tratamos de recrear una noche cualquiera en un parque, siempre en la onda de la ficción naturalista y el documental/experimental que ya utilizamos en las películas anteriores. Nuestra temática sigue girando en torno a las dificultades en las relaciones, en una ciudad conservadora que ha sido mediatizada y que le cuesta adaptarse a tan rápidos cambios de paradigmas sociales.

¿Cuál fue la modalidad de grabación para esta película?

EQ: En esta ocasión grabamos casi toda la película de una sola toma secuencia. Como eso no es tan novedoso, buscamos la forma de darle nuestro toque original, y bueno, el resultado me dejó satisfecho. Gastamos más que en las dos películas anteriores juntas, tuvimos que grabar todo en 3 ocasiones, y tuvimos muchas dificultades, para reunir a toda la gente, para coordinar los diálogos, el nivel de participación de cada uno, pues no todos coincidíamos en el mismo horario de las reuniones y ensayos, algunos ya no pudieron participar por diferentes razones, tuve un grave problema de salud que me llevó al quirófano, falleció la madre de uno de los participantes, hubo problemas personales entre algunos miembros del elenco, entre otras cosas. Me imagino que son dificultades propias de grabar de ese modo, pero a pesar de las complicaciones, fue una buena experiencia y felizmente todo llegó a buen puerto.

Si contaras con un presupuesto más holgado, ¿saldrías del digital? O crees que este soporte tiene una personalidad propia que va con tu sensibilidad.

EQ: Si tuviera una considerable suma de dinero, encontraría una excusa para traer a Charlotte Gainsbourg, no sé, me encanta esa mujer. Nunca dejaré el soporte digital, es cuestión de principios, no sólo de sensibilidad o dinero. Si tuviera más presupuesto lo usaría para la distribución; hacer mis películas más accesibles a la gente. Por ejemplo, sacar de forma masiva ediciones de DVD de buena calidad, que cuesten 3 soles, ó 2.50, que es el precio que la gente paga en la calle. Estoy en contra de grabar en un formato tan caro y escaso en este país, así como gastar en tantos aspectos técnicos que conlleva grabar y exhibir en celuloide. Además, para mi hacer cine forma parte de una serie de actividades para la verdadera democratización de los medios y del arte, por lo que el celuloide sólo me complicaría la vida.

¿Denominar Nuevo Cine Peruano a un grupo de películas de directores jóvenes es una forma de denunciar la existencia de un cine “viejo”?

EQ: No es necesario denunciar la existencia de un cine viejo, porque esa es una realidad bastante evidente para cualquiera que tiene una percepción imparcial. Podría llamar “un cine viejo” al tipo de películas que sólo inspiran a hacer todo lo contrario a lo que han hecho sus realizadores, ante lo cual inevitablemente surgirá el impulso de generar nuevas propuestas estéticas, expresivas y formales; lo que llamo “un nuevo cine”. Sé que no podemos obviar la existencia de películas hechas en el pasado que trascienden y permanecen vigentes, justamente por su propuesta, pero que lamentablemente no tuvieron eco, ni generaron una tradición de innovación, ni mucho menos agruparon a los realizadores en algún movimiento de vanguardia, algo que sucede actualmente con los jóvenes que mencionas.

¿Qué características presenta este cine “viejo”?

EQ: A mi parecer este cine no ha nacido viejo, sino que ha ido envejeciendo por renunciar a renovarse. Se ha convertido en un cine bastante aburrido e insípido, tratando temas profundos de modo superficial, con excesivas teatralizaciones, dramatizaciones que parecen sacadas de algún noticiero local, textos tan evidentes, excesiva explotación de estereotipos, gags, situaciones inverosímiles, predecibles, planos y secuencias reducidos a ser ilustración de guiones; un realismo ingenuo en el que si un personaje golpea la pared, está golpeando la pared, si está comiendo, pues está comiendo, si camina por una calle, pues se están yendo a algún lado. No hay alusión, ni metáforas o significantes, o al menos el realizador lo hace sentir así. El espectador apenas hace el esfuerzo de seguir una serie de acontecimientos que ya han sido aligerados, esperando que se convierta en un producto más comercial, sin alma, sin pasión, sin arte.

¿Sienten la necesidad de constituir los jóvenes cineastas un grupo para ser atendidos?

EQ: No creo que exista la necesidad de reunirnos, sino que es la necesidad lo que no reunió. Cada uno tiene su propio estilo, sus propuestas, su forma de producción, sus elementos que lo caracterizan, sus gustos y su propia visión del cine. Pero lo que nos une es la encarnada necesidad de hacer algo nuevo, aburridos de que el cine peruano sea vituperado por los mismos peruanos. Me atrevería a decir que cada uno quiere hacer de sus películas obras de arte; sin el interés de que estas se masifiquen de la forma convencional, que busquen desesperadamente la vigencia mediática o ganar algún festival. Hacer arte es bastante estimulante, catártico e inspirador y esas sensaciones no se pueden obtener en alguna otra actividad, y mucho menos lo puede satisfacer el dinero. Y creo que eso se transmite en el alma de la película, por eso es que la (poca) gente que la ve, no sale igual de la sala de cine.

* Una vez mencionaste que quieres motivar a que más jóvenes hagan películas ¿Cómo transmites eso en tus películas? (*Esta pregunta no está en la publicación, pero la respuesta sí, por lo que me tomé la libertad de incluirla)

EQ: La modalidad de producción de mis películas, los recursos empleados, su presupuesto, todo ello está al alcance de todos. Grabamos con la cámara que tengamos disponible, y por los mínimos requerimientos técnicos que usamos, sólo el casting es un escollo, pero ni tanto; por ejemplo, en “2” necesitaba una actriz y ninguna de mis amigas estaba disponible. Entonces, empecé a buscar por Hi5 (muy de moda hace unos años) a chicas que tengan las características que buscaba para el personaje, y que además tenga bastante afinidad con el arte y cierto tipo de cine. Así conocí a Linda Soto, le propuse formar parte del proyecto, le gustó, nos fuimos escribiendo hasta ganar confianza, filmamos, nos hicimos amigos y hasta tenemos proyectos para grabar más adelante. En “3”, como requería de más personas, pues hice lo mismo, pero esta vez convocando a través de facebook. Algunos los conocía por ser asiduos del cineclub, les hice la invitación y aceptaron, y hasta invitaron a sus amigos. Incluso, hubo gente que se ofreció voluntariamente porque les había gustado mucho mis películas anteriores.

Asumiendo que haces películas para hacer masiva tu impresión del mundo y reconociendo que el circuito alternativo en el que te mueves goza de poca difusión y rebote. ¿De qué manera pretendes difundir tu trabajo en pos de llegar a más público?

Terminando de grabar “4” (a más tardar a fines de octubre de este año) voy a mover ese paquete de películas por los mercados alternativos; Polvos Azules, Mesa redonda, El Hueco, etc. También está tratar de colocarlos en el extranjero, a través de algunos contactos cinéfilos. De igual modo, con Jim Marcelo, mi compañero de Cinestesia, tenemos un proyecto desde hace bastante tiempo; llevar las películas a colegios, institutos, locales comunales, y lugares públicos que simplemente tengan un proyector, equipo de sonido y lugar donde se siente la gente. Adicionalmente, las películas estarán en el blog de Cinestesia, donde la gente las podrá descargar sin costo. La razón por la que espero hasta octubre es porque estoy mejorando la presentación de los DVD, así como tratando de limpiar el audio, sobre todo de “1”, para que la gente no tenga problemas al verla en sus casas.

¿Algo qué decir acerca de CONACINE?

Tú puedes darle plata a alguien para que haga una película, teniendo como criterio principal la “factibilidad del proyecto”. Y eso, ¿Qué significa? Al parecer sólo financiar películas que tengan el respaldo de personas y productoras de “experiencia” que te aseguren que el proyecto se va realizar sin inconvenientes. Entonces ya no hablamos de la finalidad del cine, ni del arte, sino sólo del producto. Si la película no funciona, no se devuelve la plata ¿o sí?, entonces ¿porqué ese criterio prima por encima de consideraciones, digamos, más artísticas?. Considerando que las películas que se arriesgan más son las que promueven más valores cinematográficos y artísticos, entonces, premiar la “factibilidad” ya no tiene mucho sentido. Necesitamos un instituto del cine, que no sólo premie proyectos con un determinado perfil (bastante discutible, por cierto) y uno que otro curso, sino que se preocupe del principal capital del arte; la creatividad. Si se sigue manteniendo una posición conservadora, sin arriesgarse a propuestas más experimentales, así como fomentar en los realizadores la investigación tanto formal como estética, y la educación audiovisual, principalmente en la población, pues no creo que se avance mucho. No considero que los logros personales de Claudia Llosa, Héctor Gálvez, los hermanos Vega, sean indicador que vamos por buen camino, sino que reafirma mi impresión de que sólo se puede lograr algo importante si haces lo contrario a lo que se ha hecho realizadores “experimentados”, principalmente con el apoyo de CONACINE.

Publicado en cinencuentro.com

*Fotografías de este post (también forman parte de "3"): Hugo Palomino Gonzáles

HICIMOS "3"

2010-06-24T15:47:00.000-07:00

Volver a las preguntas. ¿Existe un nuevo cine peruano? ¿Existía una industria cinematografica peruana? ¿Existía "cine peruano" como teoría o manifiesto llevados a la pantalla?

El haber participado en la materialización de una idea me hace sentir afortunado. Afortunado de ser parte de algo que quedará en la mente y en el registro cinematográfico peruano (para ser golpeado o acariciado). Sin embargo, cabe la pregunta, incómoda por cierto, de qué tan importante sea esto para quien, como yo, no está imbuido de toda la teoría cinéfila que otros manejan. No pretendo responder a esa interrogante. Supongo que con el tiempo me daré cuenta de qué significó ser parte del equipo de "3", tercer largometraje de Eduardo Quispe, promoción de años juveniles.

Lo que sí quiero decir es lo siguiente: CUALQUIERA PUEDE HACER CINE EN EL PERÚ. Que no suene despectivo, pero eso, ahora, en estos años, es cierto. Como siempre, tenemos que hacer distinciones: cualquiera puede hacer cine el Perú, pero no todos tenemos el valor ni las ideas claras para poder hacerlo. Ese es el mérito de nuestro director y amigo Eduardo. Hizo una película en la que los involucrados -no digo "actores" ni "actrices" porque no lo somos, ni remotamente- desarrollasen ideas propias sobre la base del tema que había preparado. Se arriesgó a que varios invitados pensaran que se trataba de un desvarío, de un sin sentido de un maníaco cinéfilo demasiado pretensioso. Y sin embargo no cesó, no claudicó y siguió adelante. Cualquiera puede hacer cine en el Perú, pero no todos tienen lo que se requiere.

Y qué se requiere: cámara, amigos, dinero -poco, pero necesario-, tiempo -indispensable-, pero sobretodo, una idea, una bandera, fe en lo que uno quiere lograr, un concepto. Prestarse una cámara, juntar a los amigos con los que uno comparte, juntar y aprovechar al máximo el poco tiempo libre que uno tiene después de trabajar -como en mi caso- casi 10 horas al día, invertir los pocos soles restantes del sueldo y las cuentas a pagar en materiales para la grabación. Pero sobretodo, y en primer lugar, una idea que valga la pena realizar teniendo en cuenta lo visto, lo leído, lo observado, lo escuchado. "3", es una visión particular sobre Lima en general. "3" es la materialización de discursos individuales en búsqueda de una verdad general para entender nuestra sociedad. "3" es un manifiesto. Historias distintas, personales, unidas por un espacio común que está retrocediendo poco a poco a favor de la inpersonalidad de la vida en el concreto que se edifica a diario en Lima. Tratamos de escapar a la vida que uniformiza y clasifica a todos como anarquistas, racistas, yuppies, etc. Y lo hacemos tratando de asumir nuestro propio camino. Cada uno con sus historias, sus traumas, sus miedos, sus fetiches, pero cada uno con todos compartimos nuestra individualidad. La vida común y corriente -como la mía- no se centra en la búsqueda del amor perfecto o del santo grial. La vida es tal y como es: dura, fea y simple, pero, ahí su belleza, llena de esperanza y de incontables momentos indescifrables para el resto, excepto para el que los vive.

¿Existe un nuevo cine peruano? No lo sé. Pero sé que todos podemos hacer una película de nuestras vidas. Retratar lo que hay en ellas a través de una cámara de video prestada. Podemos contar historias reales. No creo que haya un nuevo cine peruano. Creo simplemente que hay más maneras de hacer cine ahora. Hay más miradas, más conocimiento, más ganas, menos barreras. Pienso que lo que se hizo en el cine peruano anteriormente tiene validez. No pienso mi vida cultural cinematográfica sin haber visto "Alias la gringa", "Sin compasión", "La boca del lobo", "Juliana", "Muerte al amanecer", "Cuentos inmorales" y otras más. Pero sé que el cine, como la cultura en general, no debe ser privilegio de algunos afortunados que pueden y hacen postgrados en cine en el extranjero; por eso sé que afortunadamente cualquiera puede hacer cine en el Perú.

Miguel Vargas

post publicado en: http://proyectoladob.blogspot.com/2010/06/hicimos-3.html