CICLO SEPTIEMBRE: "90's: CINE GENERACIONAL

La "Generación X" es la que fue criada por el marketing, la apatía ideológica, el desencanto de la generación de consumo, las crisis políticas y económicas, el desempleo, la filosofía cutre, y la marginalidad.

El escape de esta generación fue el arte, muy a su estilo. En el cine de los 90 abundan los yonkies, grunges y frikis. Estos deben enfrentarse a la muy cruenta y natural lucha por sobrevivir, buscar un espacio donde ser uno mismo y sentirse regularmente satisfecho por no encontrarlo, pero al menos intentarlo. Podríamos definirlo como un cine "adolescente", pero no entendiéndolo como inmaduro sino como que no quiere madurar, en el sentido tradicional que exige la sociedad individualista.

La lección de los 90's y que está siempre presente en el cine de esa generación, es que la verdadera libertad no se encuentra impresa en billetes o bolsas de supermercado, ni la realización personal en el sofá-cama frente al televisor.

*Por esta ocasión, las proyecciones del cineclub serán en el Centro Cultural "Alberto Quintanilla" de la UTP. Ubicado en la Av. Petit Thouars 195 - Lima.

Todos los viernes de Septiembre a las 6:00 p.m. Se proyectarán cortometrajes y una presentación de la película.

Gracias por su comprensión.

La Programación:

VIERNES 04 SEPTIEMBRE / 6:00 P.M.

Singles (Solteros)

Director: Cameron Crowe / País y Año: EUA. - 1992 / Duración: 99 min.

Dos parejas y sus amigos, que viven en unos blocks de departamentos en Seattle (USA) a principios de los noventas. Sus vidas transcurren en torno a la escena musical de Seattle; trabajando en lo que pueden mientras busca una pareja estable. La película generó un legado que incluye "Reality Bites" y series televisivas como "Friends", la cual fue concebida primero como película. En el film participan Eddie Vedder, Jeff Ament y Stone Gossard, de Pearl Jam, uno de los personajes principales Cliff Poncier (interpretado por Matt Dillon) tiene un grupo rock con ellos: Citizen Dick. Aparecen también las bandas Soundgarden, Mudhoney, Heart (como The Lovemongers), Tad, Screaming Trees, Tim Burton y hasta el mismo Crowe.

VIERNES 11 DE SEPTIEMBRE / 6.00 P.M.

Kids (Chicos)

Director: Larry Clark / País y Año: Reino Unido - 1995 / Duración: 90 min.

Película de gran realismo protagonizada por actores no profesionales, que le dan una apariencia de documental. Esta polémica obra refleja la fría realidad de muchos adolescentes americanos. En un ambiente urbano tan duro como New York un grupo de chicos vive su propia cultura de forma autodestructiva; sin la influencia de su familia, policías, o personajes ejemplares. Abastecidos con cervezas, comida chatarra, cómics y drogas, ellos caminan por las calles hablando de sexo, su mecánica, y realizando actos crueles de forma aleatoria.

VIERNES 18 DE SEPTIEMBRE / 6:00 P.M.

Heathers

Director: Michael Lehmann / País y Año: EUA.- 1989 / Duración: 120 min.

Un grupo de cuatro jóvenes llamadas las “Heathers” son la cúspide del entramado social de una escuela, consideradas como las más bellas y populares, cometen todo tipo de crueldades con sus compañeros menos favorecidos que ellas. Una nueva integrante, Veronica, empieza a darse cuenta de que lo que hacen no es bueno, pero le resulta difícil salir del grupo. Conoce a un intrigante chico recién llegado, y que le es extrañamente atractivo y misterioso. Aliado con él, logran matar a tres alumnos molestos, haciendo pasar los casos como suicidios. Pronto Verónica se dará cuenta de que su amigo es un psicópata que quiere volar en pedazos la escuela y a todos los que están en ella.

VIERNES 25 DE SEPTIEMBRE / 6:00 PM.

Reality Bites (Bocados de realidad)

Director: Ben Stiller / País y Año: EUA: - 1994 / Duración: 99 min.

La graduación de Lelaina es un buen pretexto para reunirse con sus amigos. Troy, Sammy y Vicky, tomar unas cervezas y grabar un vídeo documental casero. "Reality Bites", en el que plasman su visión de la vida. Lelaina trabaja en un programa de TV, a las órdenes de un tipo que odia y cuya presión le lleva a jugarse el puesto. Pero su vida va a sufrir un cambio cuando conoce a Michael, ejecutivo de éxito que representa todo lo que ella y sus amigos aborrecen... y sin embargo, Lelaina se siente atraída por él. Pronto tendrá que elegir entre el amor a Michael, o sus principios y filosofía grunge que rigen su vida y le unen a sus amigos.

El Nido Vacío

Ficha Técnica:

Director: Daniel Burman.

Año y País: 2008 - Argentina / Francia / Italia
Duración: 91 min.

Protagonistas: Oscar Martínez, Cecilia Roth, Inés Efron,
Eugenia Capizzano, Jean Pierre Noher.

La madurez esquiva, la dificultad para adaptarse a los cambios y los problemas para relacionarse con las personas cercanas, todo ello en el microcosmos de la comunidad judía porteña, son elementos infaltables en el cine de Daniel Burman. El director argentino nos ha mostrado historias en las que el costumbrismo, el sincretismo y los trastornos familiares del mundo post moderno conjugan de forma irónica, entrañable, y melancólica.

Curiosamente, El Nido Vacío es una película madura en todo sentido. Ya no hay sólo un manejo de oficio y frescura narrativa, además de esa facilidad de familiarizar al espectador con situaciones “Burmanianas” (como en la absurda modalidad suicida de Todas las Azafatas van al Cielo, o la carrera de carretas en El Abrazo Partido), sino que su toque de drama homeopático ha superado con creces a todos sus trabajos anteriores, notándose un estilo más cuajado, detallista y acertado. Este hecho tal vez se deba a lo que le han aportado a la película la pareja protagonista, conformada por Cecilia Roth y Oscar Martinez, a quienes se les recuerda por Nueve lunas, un exitoso programa televisivo de hace unos años atrás. Y es que además de ser necesaria esta experiencia, por la temática del film (motivo por el cual se justifica la ausencia de Daniel Hendler, otrora alter ego de Burman, y que aparece sólo colaborador del guión), su presencia y calidad representativa hacen más de lo que se les encomienda en el film, para probar esto, basta un solo ejemplo: la sensacional escena de la cena, que es la que abre la película.

Entrando ya de lleno a la historia, esta se aleja un poco de ese microcosmos semita al que nos tiene acostumbrados, dejándonos algunos atisbos como quien no quiere la cosa, y nos adentra en el inmenso universo del matrimonio con hijos; específicamente en una pareja cincuentona que trata de cuajar su vida marital, después de la vertiginosa tarea de criar tres hijos, quienes ya adultos , se encuentran al borde de "abandonar el nido".

Este hecho genera la crisis (se conoce como síndrome del nido vacío a la sensación de soledad que los padres experimentan cuando uno o más de sus hijos abandonan el hogar), pues ahora que ya no están las múltiples ocupaciones que dan “los chicos”, los padres tienen el tiempo para verse; como individuos y como pareja, y cuestionarse el porqué están juntos y qué quieren para sus vidas en el futuro. Esto no sería ningún problema, según la tradicional idea de familia, pero en la actualidad, a la edad de cincuenta años los panoramas se amplían; las personas pueden retomar sus estudios, volver a casarse o tener aventuras ocasionales, reactivar su vida social o profesional, encontrar nuevas pasiones y pasatiempos, entre otras cosas.

Por eso Leonardo, un escritor sociópata con relativo éxito, prefiere recluirse en la fantasía, mientras que su esposa Martha, una brillante mujer que abandonó sus estudios para dedicarse a los hijos, prefiere ocultar su desencanto con un múltiple quehacer, en una hiperactiva vida social, pues a esas alturas, ambos no se encuentra en condición de solucionar su vida matrimonial, ni paternal, ni mucho menos personal.

Dentro de la mente del hombre casado

Como es usual en Burman, la historia está dentro de la perspectiva masculina, así que seguimos a Leonardo dentro de sus tribulaciones, alejándose de las amistades grupales, y las adulaciones a su incomprendido oficio.

Un par de situaciones marcan todo el desarrollo de la película; ver a una joven mujer detrás de su esposa en una reunión social asfixiante, en la mencionada primera escena del film; a partir de ahí comienza a entrelazarse el relato real y el fantástico. El otro hecho es experimentar el trauma de la primera noche en que su hija la pasa fuera de casa, situación que genera una fuerte discusión con su esposa, quien ve en el hecho nada más que un comportamiento natural. Esto sirve de excusa para que ingrese a un proceso creativo, como medio escapista, desde el sillón de la sala, como el típico esposo fóbico del dormitorio.

Pero lo que Leonardo no puede evitar es que la experiencia se convierte en una catarsis, válida para superar su crisis, y de paso construir una nueva obra, con elementos que el mismo no consideraría jamás (como dejar en claro que detesta los musicales, para luego escribir y ser parte de uno, escribir de noche cuando acostumbra hacerlo de día) teniendo como guías en su viaje a la epifanía a un publicista promiscuo, una bella joven odontóloga, su aparente yerno, y principalmente un neurólogo llamado Sprivak, quien le explica cosas que el entiende, pero que por si mismo no puede asimilar (el consejo del neurólogo es más que apropiado “Ud. Que trabaja con la imaginación, ¿Porqué no la usa para la vida cotidiana?”)

Las nuevas conductas sociales de su esposa, así como el regreso de la misma a la universidad, el avión de modelismo que no deja de estrellar, su trunca incursión a la publicidad, el affaire con la joven odontóloga, las llamadas a sus hijos desde una cabina telefónica extrañamente ubicada, el éxito inesperado del libro del yerno y sobre todo el viaje a Israel (el plano de la pareja flotando en el mar muerto, no es pretenciosa, es simplemente genial), está llena de un poético simbolismo, adentrándonos en la médula de la obra del escritor, donde hay fantasías sobre fantasía; redescubriendo el atractivo e interés por su mujer conforme va recibiendo (o más bien aceptando) las verdades existenciales. Todas estas situaciones son convincentes y efectivas, no hay nada gratuito, cada detalle nos confirma la minuciosa mano de Burman, complementando el trabajo la excelente banda sonora, principalmente interpretada por Jorge Drexler (se puede descargar la canción desde la página web oficial).

Ya con Derecho de Familia, Burman se había adentrado en ese terreno, mostrando el excesivo desgaste que es ser padre sin dejar de ser hijo. En esta ocasión nos muestra la cara inversa; un padre que no quiere dejar de serlo, pero no porque le entusiasme la idea, sino porque ve en su preocupación y ocupación familiar la manera de corregir defectos propios, a los que no quiere ver de frente, ni afrontarlos con el mismo apasionamiento con el que pretende llevar la crianza, más allá de los límites del nido. Esto se nota en las escenas de Leonardo frente a los tres paquetes Fedx, uno para cada hijo, y su meticulosidad en ese ceremonial acto en el que ha convertido el simple hecho de enviar un paquete a sus hijos en el extranjero.

Existen muy buenas razones para ver El Nido Vacío, y al paracer así lo confirmó el público argentino, quienes la convirtieron en un éxito comercial, bordeando el medio millón de espectadores. Nada mal para una película de ese calibre, aunque el nivel de producción invertido es superior, la independencia de la película, en este caso, no está en juego. A estas alturas Burman puede hacer la película que quiera, y eso es bueno, pues hay un entrañable vínculo con sus películas que uno no puede obviar, lo que genera una extraña confianza hacia el director argentino, como si no terminaramos de conocernos y tenemos la sensación de que lo que se viene, es mejor.

SWEET SWEETBACK'S BAADASSSSSS SONG

Director:Melvin Van Peebles
Año y País: 1971 - E.U.A.
Duración: 97 min.
Protagonistas: Simon Chuckster, Melvin Van Peebles, Hubert Scales, John Dullaghan, West Gale, Niva Rochelle, Rhetta Hughes, Nick Ferrari, Ed Rue, Lavelle Roby, Mario Van Peebles

Considerada la primera película Blaxplotation Sweet Sweetback’s Baadassssss song, es una película totalmente irreverente, que cumple con su cometido de arremeter contra cualquier tópico y tapujo del cine de ese entonces. Sólo para darnos una idea mencionaré algunos; escena de sexo entre un niño y una prostituta que bien podría ser su madre, escenas de sexo interracial (que por entonces era considerada la herejía más osada), planos de genitales masculinos (que a la fecha sigue siendo un tabú difícilmente transgredido), escenas de un hombre defecando (con todo y sonidos flatulentos), un hombre tratándose una herida infecta con el lodo de su propia orina, además de tener una dieta a base de lagartijas, etc.

Pero lo importante del film no radica en esto, ya que si analizamos formalmente su resultado es fallido; pésimas iluminaciones, planos con un movimiento casi insoportable, pérfida edición, sonido sucio, actuaciones que no convencen, diálogos forzados, entre otros. No, el mayor irrespeto es ideológico y político, y por ello se justifican muchos de estos “errores” formales, ya que todo es parte de todo un complot bien orquestado.

En un solo film vemos tanto denuncias como reivindicaciones, actitudes serviles y avasalladas como atrevidas, dignificantes y sobre todo rebeldes. No llega a convertirse en un panfleto, porque no está clara la alusión a movimiento político alguno (si bien es cierto recibió el beneplácito de la comunidad y de las Panteras negras, movimiento radical pro lucha de la igualdad de derechos de los afroamericanos) y porque la mayoría de los casos de abusos expuestos son extraídos de una cruda realidad, la que viven cada día no sólo los afro ascendientes, sino todos aquellos marginales, todos aquellos a los que Van Peebles dedica la película: “Dedicado para todos los hermanos y hermanas que tuvieron suficiente del Jefe”.

El Jefe de todo esto

Sweetback es un flete, un puto, o para ser más respetuoso un trabajador sexual, bien dotado y que goza la fama de satisfacer el apetito de cualquier fémina, por más exigente que esta sea. Pero es ante todo un hombre de acción, un héroe de pocas palabras (las pocas que dice son para comunicar lo que va hacer) y que tiene las cosas claras, en cuestión de oprimidos y opresores, aún antes de presenciar el abuso a un joven hermano, a manos de la “servicial” fuerza policiaca, ante lo cual interviene atacando y asesinando a los agentes.

De lo que no es consciente es de lo que este hecho produce en toda la comunidad, pues a raíz de esa acción se desata una ola de violencia; por una parte se incrementa el abuso policial contra los afro ascendientes, y por otra se adquiere valor contra el opresor, respondiendo con fuego al incesante infierno que le hace vivir el hombre blanco. Sweetback se convierte en una símbolo, una fuerza motivadora y conforme avanza la película se convierte en un mito, una imagen presente en la conciencia colectiva y los labios de los bajos fondos.

“El Jefe” (The man) es la representación impersonal de la fuerza opresora, está presente, tratando de mantener el Stablishment, conteniendo el cambio social y la igualdad de derechos. En la película muestra su estructura a tercer nivel; en la policía, la prensa y las personas influenciadas por su lógica, su orden y su modo de hacer las cosas. Lo vemos desde el arresto de Sweetback al inicio del film, quien es apresado sólo porque “se necesitaba un sospechoso”. Lo vemos presente también en el tráfico de drogas, la delincuencia y las mafias, compuestas por hermanos que se quejan del cambio que está desatando Sweetback (“salvas a un hermano, haciendo sufrir a varios”).

La huida de Sweetback es una referencia a la época en la que los esclavos debían escapar cruzando valles desérticos, pequeños arroyos y estados para obtener por fin la libertad. Esto se va acentuando mezclando canciones de work song (canciones cantadas a capella por esclavos) con canciones Funk, compuestas por el mismo Van Peebles y por Earth, Wind & Fire.

La película no tuvo espacios de exhibición, salvo los cine porno (fue clasificada como pornográfica, aunque sólo hay escenas de softcore) adquiriendo su fama poco a poco hasta alcanzar su categoría de film de culto y enfrentando a todos los sindicatos del medio cinematográfico. Mario Van Peebles, el hijo de Melvin, dirigió el 2003 una película sobre los pormenores de la producción de la película de su padre, titulada Baadasssss, y que tuvo una tibia recepción de público y crítica.

Si alguna moraleja nos deja la historia de Sweetback no creo que este claramente en la película, o mejor dicho, no propiamente en la película, sino en que haya conseguido hacerla con todo en contra, y que se haya enfrentado abiertamente a un tan sistema excluyente como el de Hollywood. Esta enseñanza es una aliciente a cualquier aspirante a cineasta que actualmente goza de las bondades de la tecnología digital y el abaratamiento de costos de producción, así como en la independencia de su temática, por más controversial que esta sea.

CICLO AGOSTO: CINE INDIE

TODOS LOS VIERNES DE AGOSTO 6:00 P.M.
UTP - AV. 28 DE JULIO CON AV. PETIT THOUARS
PABELLON "F" - TERCER PISO
AUDITORIO ELISSA TOULLIERE DE VALCARCEL


Películas que fueron concebidas fuera de los parámetros económicos, formales e ideológicos de la industria imperante de Hollywood. Financiadas de forma anecdótica, estas películas buscan relatar historias en su mayoría marginales, describiendo personajes y situaciones ultra realistas, sin caer en estereotipos y que nos muestran lo complejo que es entender la vida; sus problemas y misterios. Las relaciones personales, la comunicación (o más bien incomunicación), el amor, el desamor, la compañía, la soledad, la lucha por sobrevivir, la depresión, la libertad, la prisión, el miedo, el coraje, etc. Temas que la gran insdustria del entretenimiento muestra superficialmente o de forma prejuiciosa y explicativa, son planteadas sin ánimo de entusiasmar o dramatizar con una marcada filosofía del "final feliz", sino que buscan la experiencia del "ser" (como Richard Linklater), la mirada inquieta a través de la quietud contemplativa (como Jim Jarmush), o ser controversiales e irreverentes (como Van Peebles y Bruce Robinson).


Viernes 07 de agosto - 6:00 pm.


Sweet Sweetback's Baadasssss Song
Director: Melvin Van Peebles País y Año: EUA. - 1971 Duración: 97 min.



Producida, escrita, dirigida, editada, interpretada y con banda sonora compuesta por Melvin Van Peebles, que realizó todas estas labores para reducir presupuesto. Se dice que el resto del dinero lo consiguió de amigos y algunos crímenes menores. "Sweet Sweetback's Baadasssss Song" es un film de culto afroamericano de los 70 a modo de Western Funky, que narra la historia de Sweetback, un hombre negro que se prostituye, mata a dos policías blancos para salvar a un joven detenido, y posteriormente huye a Méjico, cruzándose con personajes diversos en su camino. Una película provocadora desde el inicio, donde menciona “estelarizada: Por la Comunidad negra” y la frase dedicatoria "Dedicated to all the Brothers and Sisters who had enough of the Man" ("Dedicado a los hermanos y hermanas que ya han tenido suficiente del jefe"), que fue inclasificable e impresentable para el mainstream, con lo que su exhibición fue condenada a la marginalidad.


Viernes 14 de agosto - 6:00 pm.


Slacker

(Holgazán) Director: Richard Linklater Pais y año: EUA. – 1991 Duración: 85 min.





Estas frente a un tren; puedes entrar o dejar que las puertas se cierren antes de hacerlo. Ir o permanecer en el sitio. La decisión es tuya pero una vez que elijas habrás elegido: si entras, estarás dentro; y si no lo haces, nunca sabrás que habría pasado allí. Pero, ¿y si esto no fuera así? ¿Podríamos elegir sin que se ahogaran el resto de posibilidades; elegir y que las diferentes decisiones se convirtieran en pequeñas realidades con vida propia y paralela? Puede que la realidad que crees única no sea más que una de las miles existentes. Puede que tú habites solo en una de tus realidades. Ese es el planteamiento de Slacker, Opera prima de Richard Linklater, quien en 1991 reunió a un grupo de amigos, una cámara de 16mm y con un presupuesto de $23,000 se convirtió en productor,
director y escritor de esta película que ofrece un vistazo a la vida de la subcultura de ciudadanos excéntricos, marginales y sobre educados que viven en los alrededores de la Universidad de Texas en Austin.


Viernes 21 de agosto - 6:00 pm.


Withnail and I

(Withnail y Yo) Director: Bruce Robinson País y Año: Inglaterra 1987 Duración: 107 min.




Ópera prima de Bruce Robinson. Narra la historia de dos amigos, Withnail y Peter Marwood, actores desempleados con problemas de alcohol y drogas, que viven sin recursos en un piso sucio y maloliente de un barrio marginal de Londres. Monty, tío de Withnail, excéntrico y acomodado, les deja una casa de campo para que pasen unos días, donde se amontonan platos sin lavar, ropa sucia, basura y malos olores. Su vida, sumida en la marginación, está abocada a la degradación personal. La película, casi autobiográfica, recuerda a finales de los 80 cómo fue la vida de un amplio grupo de adolescentes ingleses en los últimos 60 y primeros 70. Es un film nostálgico sobre las esperanzas perdidas y los sueños rotos de muchos jóvenes idealistas, cuyo retrato la película traza con añoranza y melancolía.


Viernes 28 de agosto - 6:00 pm.

Stranger Than Paradise

(Extraños en el paraiso) Director: Jim Jarmusch País y Año: EUA. 1984 Duración: 89 min.





En 1984 Jim Jarmusch gana la Cámara de Oro del Festival Cannes con esta historia minimalista, que sería un precedente del cine Indie americano, pues fue rodada en apenas 18 días y con un equipo de tan sólo 11 personas -3 actores y 8 técnicos. Narra la historia de dos amigos y la prima de uno de ellos, que acaba de llegar a Estados Unidos desde Budapest. Los tres Viven diversas aventuras en Florida, surgiendo un extraño vínculo afectivo dentro de un mundo seco y olvidado.
Un cuento sobre los desheredados, sobre lo oscuro de la vida y sobre el negro futuro que la sociedad va fabricando poco a poco. Hermosa, triste, sobria, con una excelente fotografía y una banda sonora que acompaña perfectamente el metraje.