"El camino de los independientes" artículo publicado en la revista Godard

Por Sebastián Pimentel

… La propuesta de la dupla Quispe-Marcelo está la senda de un realismo “rohmeriano” concentrando en la tensión establecida entre parejas, y en planos secuencias que funcionan como unidades o flujos sin interrupción. 3, es la continuación de un programa iniciado por 1 (2008) y 2 (2009). Y, podríamos decir, cada episodio o “largo” no es más que una variante de una conversación de un pretendiente y una pretendida, de dos enamorados en el proceso “oral” de unirse o separarse.

Quizá, lo más interesante del “sistema” Quispe-Marcelo (ambos socios y líderes del grupo de creación Cinestesia) es la vocación filosófica y pragmática de su proyecto-laboratorio: uno tan secuencial, tan serial, como el título de cada película. Un programa de trabajo sin fin alrededor de un tema que podría denominarse, casi como una fórmula: “la soledad de la pareja”, valga la paradoja. Este filme no puede acabar porque tiene que re-hacerse con todas las combinaciones de un número limitado de elementos. Al parecer, se trata de llegar a un virtual 100: con Quispe y Marcelo el cine se ha vuelto un poco lo que fue para Vertov a inicios del siglo XX: un instrumento de trabajo y de estudio, una forma de conocimiento. De allí lo fascinante de este método.

Si 1 se remite a la especie de nacimiento abortado de una pareja que divaga en escenarios urbanos, emplazando los rostros como un asedio que permita diferentes ángulos, 2 hace un viraje hacia “afuera”: empieza como un documental sobre un día en las riberas del Centro de Lima que termina en la fiesta donde, de nuevo, el mismo Quispe asume el rol protagónico. Luego, vemos al director, como a Linda Soto, empezar, cada uno por su lado y en paralelo, su propia rutina solitaria, aunque desde dos clases sociales diferentes. Como es de preverse, ambos se encontrarán. Un aspecto interesante de la serie se refuerza: la escucha de la conversación se enturbia por el ambiente, casi como se enturbia la visión de los rostros por la navegación de la cámara alrededor del entorno próximo. Sin embargo, la “negociación” final entre la pareja de 2, en un parque, podría ser lo menos convincente de una propuesta que no llega a sentirse íntima: esta vez la soledad no tuvo contrapunto mayor.

 

3 devuelve, al proyecto, una fuerza que quizá había perdido 2. Ahora, en la noche, una cámara recorre, con ese estilo sistemático del proyecto Cinestesia, las bancas de un parque. Así, el filme se estructura como una red de pequeños filmes unidos conceptualmente, ya que todas las parejas encontradas despliegan un micro-show oral y dramático directo. La nueva ola, el Dogma 95, y todos los free cinemas, tienen su continuidad en 3, con el atractivo que ahora las parejas son múltiples y el filme adquiere un carácter más eléctrico, cómico y violento, incluso más documental, que en el caso de las historias protagonizadas por Quispe. Si bien no todas las dinámicas gozan del mismo nivel de naturalidad y fluidez, otro atractivo es que no hay cortes en este devenir audiovisual, especie de tour de forcé sobre distintas parejas-universos en un cosmos urbano donde el sonido interferido hace su espectáculo secreto. Vuelve una pregunta muy contemporánea, forzada por 3, pero ya entrevista en 1 y 2: ¿Qué sucede cuando la ficcionalización de la propia vida pierde sus contornos ilusorios, en el flujo libre de oralidad registrada de forma documental y precaria?

Pero si tuviéramos que elegir, nos quedaríamos con la más menesterosa -técnicamente hablando- y concentrada 1. Allí el mismo Quispe, como protagónico pretendiente, emplaza, en una secuencia de conversaciones y “sets” en exteriores, a su pretendida: Grecia Aguinaga. El proceso adquiere misterio y expectativa por la incorporación de otro tema fundamental del cine moderno: el tiempo. Las largas secuencias de diálogo empiezan en un orden cronológico, en un arco temporal reducido (ellos en la calle, ellos en un café, ellos en un solar antiguo), para permutar el orden del tiempo, de modo que el espectador tiene que participar en la reconstrucción del proceso que ha llevado la relación, atendiendo, también, a los diversos signos y “datos” que proliferan en las dilatadas conversaciones. Nuestra preferencia, hay que decirlo, elige un criterio: el nivel de tensión entre los personajes, y el grado de complejidad que va adquiriendo su relación, de principio a fin. Es la más parecida a una historia de amor inconclusa, o indefinida de las tres y, quizá, la que conserve un mayor poder emotivo.

Por Sebastián Pimentel

Entrevista a Eduardo Quispe, director de 3

Sábado, 26 Junio 2010

Por John Campos Gómez de cinencuentro

En la última fecha, 7 de julio, del ciclo “Un Nuevo Cine Peruano”, que se realiza en la UTP, se presentará -en el auditorio “Angélica Gallegos Escobedo”- el único estreno previsto para este marco. Se trata de “3″, de Eduardo Quispe, el mismo autor de “1″ y “2″, que pudimos ver el año pasado en el Festival Muestra de Cine Limeño, realizado en esa misma universidad.

A propósito de este estreno, le hicimos una entrevista en la se habló sobre el proceso de grabación de esta película y, sobre todo, temas de fondo del cine peruano.

¿Alguna nueva exploración en “3” con respecto a tus dos películas anteriores?

Eduardo Quispe (EQ): Bueno, esta vez trabajé con más de 10 personas (normalmente trabajo con menos de 5) lo que puso a prueba mi capacidad comunicativa y organizativa, ya que trabajamos siempre sin guión. El borrador de la película nos sirve de punto de partida para que los participantes confluyamos ideas y realicemos varios procesos creativos paralelos. Jim y yo nos limitamos a canalizar ese torrente creativo hacia la dirección de la idea central de la película. La gente que trabaja con nosotros no cobra un sol, apenas si le retribuimos pasándoles películas, invitándoles pizza, alguna cena con su pisco sour, etc. Eso quiere decir que ellos creen tanto en este proyecto como nosotros; le ponen su entusiasmo, esfuerzo y su ingenio. Es prácticamente una obra colectiva, donde mi rol de director es más de motivador y facilitador.

“3” es una película sobre la realidad generacional de los jóvenes limeños; tratamos de recrear una noche cualquiera en un parque, siempre en la onda de la ficción naturalista y el documental/experimental que ya utilizamos en las películas anteriores. Nuestra temática sigue girando en torno a las dificultades en las relaciones, en una ciudad conservadora que ha sido mediatizada y que le cuesta adaptarse a tan rápidos cambios de paradigmas sociales.

¿Cuál fue la modalidad de grabación para esta película?

 

EQ: En esta ocasión grabamos casi toda la película de una sola toma secuencia. Como eso no es tan novedoso, buscamos la forma de darle nuestro toque original, y bueno, el resultado me dejó satisfecho. Gastamos más que en las dos películas anteriores juntas, tuvimos que grabar todo en 3 ocasiones, y tuvimos muchas dificultades, para reunir a toda la gente, para coordinar los diálogos, el nivel de participación de cada uno, pues no todos coincidíamos en el mismo horario de las reuniones y ensayos, algunos ya no pudieron participar por diferentes razones, tuve un grave problema de salud que me llevó al quirófano, falleció la madre de uno de los participantes, hubo problemas personales entre algunos miembros del elenco, entre otras cosas. Me imagino que son dificultades propias de grabar de ese modo, pero a pesar de las complicaciones, fue una buena experiencia y felizmente todo llegó a buen puerto.

Si contaras con un presupuesto más holgado, ¿saldrías del digital? O crees que este soporte tiene una personalidad propia que va con tu sensibilidad.

EQ: Si tuviera una considerable suma de dinero, encontraría una excusa para traer a Charlotte Gainsbourg, no sé, me encanta esa mujer. Nunca dejaré el soporte digital, es cuestión de principios, no sólo de sensibilidad o dinero. Si tuviera más presupuesto lo usaría para la distribución; hacer mis películas más accesibles a la gente. Por ejemplo, sacar de forma masiva ediciones de DVD de buena calidad, que cuesten 3 soles, ó 2.50, que es el precio que la gente paga en la calle. Estoy en contra de grabar en un formato tan caro y escaso en este país, así como gastar en tantos aspectos técnicos que conlleva grabar y exhibir en celuloide. Además, para mi hacer cine forma parte de una serie de actividades para la verdadera democratización de los medios y del arte, por lo que el celuloide sólo me complicaría la vida.

¿Denominar Nuevo Cine Peruano a un grupo de películas de directores jóvenes es una forma de denunciar la existencia de un cine “viejo”?

 

EQ: No es necesario denunciar la existencia de un cine viejo, porque esa es una realidad bastante evidente para cualquiera que tiene una percepción imparcial. Podría llamar “un cine viejo” al tipo de películas que sólo inspiran a hacer todo lo contrario a lo que han hecho sus realizadores, ante lo cual inevitablemente surgirá el impulso de generar nuevas propuestas estéticas, expresivas y formales; lo que llamo “un nuevo cine”. Sé que no podemos obviar la existencia de películas hechas en el pasado que trascienden y permanecen vigentes, justamente por su propuesta, pero que lamentablemente no tuvieron eco, ni generaron una tradición de innovación, ni mucho menos agruparon a los realizadores en algún movimiento de vanguardia, algo que sucede actualmente con los jóvenes que mencionas.

¿Qué características presenta este cine “viejo”?

 

EQ: A mi parecer este cine no ha nacido viejo, sino que ha ido envejeciendo por renunciar a renovarse. Se ha convertido en un cine bastante aburrido e insípido, tratando temas profundos de modo superficial, con excesivas teatralizaciones, dramatizaciones que parecen sacadas de algún noticiero local, textos tan evidentes, excesiva explotación de estereotipos, gags, situaciones inverosímiles, predecibles, planos y secuencias reducidos a ser ilustración de guiones; un realismo ingenuo en el que si un personaje golpea la pared, está golpeando la pared, si está comiendo, pues está comiendo, si camina por una calle, pues se están yendo a algún lado. No hay alusión, ni metáforas o significantes, o al menos el realizador lo hace sentir así. El espectador apenas hace el esfuerzo de seguir una serie de acontecimientos que ya han sido aligerados, esperando que se convierta en un producto más comercial, sin alma, sin pasión, sin arte.

¿Sienten la necesidad de constituir los jóvenes cineastas un grupo para ser atendidos?

EQ: No creo que exista la necesidad de reunirnos, sino que es la necesidad lo que no reunió. Cada uno tiene su propio estilo, sus propuestas, su forma de producción, sus elementos que lo caracterizan, sus gustos y su propia visión del cine. Pero lo que nos une es la encarnada necesidad de hacer algo nuevo, aburridos de que el cine peruano sea vituperado por los mismos peruanos. Me atrevería a decir que cada uno quiere hacer de sus películas obras de arte; sin el interés de que estas se masifiquen de la forma convencional, que busquen desesperadamente la vigencia mediática o ganar algún festival. Hacer arte es bastante estimulante, catártico e inspirador y esas sensaciones no se pueden obtener en alguna otra actividad, y mucho menos lo puede satisfacer el dinero. Y creo que eso se transmite en el alma de la película, por eso es que la (poca) gente que la ve, no sale igual de la sala de cine.

* Una vez mencionaste que quieres motivar a que más jóvenes hagan películas ¿Cómo transmites eso en tus películas? (*Esta pregunta no está en la publicación, pero la respuesta sí, por lo que me tomé la libertad de incluirla)

 

EQ: La modalidad de producción de mis películas, los recursos empleados, su presupuesto, todo ello está al alcance de todos. Grabamos con la cámara que tengamos disponible, y por los mínimos requerimientos técnicos que usamos, sólo el casting es un escollo, pero ni tanto; por ejemplo, en “2” necesitaba una actriz y ninguna de mis amigas estaba disponible. Entonces, empecé a buscar por Hi5 (muy de moda hace unos años) a chicas que tengan las características que buscaba para el personaje, y que además tenga bastante afinidad con el arte y cierto tipo de cine. Así conocí a Linda Soto, le propuse formar parte del proyecto, le gustó, nos fuimos escribiendo hasta ganar confianza, filmamos, nos hicimos amigos y hasta tenemos proyectos para grabar más adelante. En “3”, como requería de más personas, pues hice lo mismo, pero esta vez convocando a través de facebook. Algunos los conocía por ser asiduos del cineclub, les hice la invitación y aceptaron, y hasta invitaron a sus amigos. Incluso, hubo gente que se ofreció voluntariamente porque les había gustado mucho mis películas anteriores.

 

Asumiendo que haces películas para hacer masiva tu impresión del mundo y reconociendo que el circuito alternativo en el que te mueves goza de poca difusión y rebote. ¿De qué manera pretendes difundir tu trabajo en pos de llegar a más público?

 

Terminando de grabar “4” (a más tardar a fines de octubre de este año) voy a mover ese paquete de películas por los mercados alternativos; Polvos Azules, Mesa redonda, El Hueco, etc. También está tratar de colocarlos en el extranjero, a través de algunos contactos cinéfilos. De igual modo, con Jim Marcelo, mi compañero de Cinestesia, tenemos un proyecto desde hace bastante tiempo; llevar las películas a colegios, institutos, locales comunales, y lugares públicos que simplemente tengan un proyector, equipo de sonido y lugar donde se siente la gente. Adicionalmente, las películas estarán en el blog de Cinestesia, donde la gente las podrá descargar sin costo. La razón por la que espero hasta octubre es porque estoy mejorando la presentación de los DVD, así como tratando de limpiar el audio, sobre todo de “1”, para que la gente no tenga problemas al verla en sus casas.

¿Algo qué decir acerca de CONACINE?

 

Tú puedes darle plata a alguien para que haga una película, teniendo como criterio principal la “factibilidad del proyecto”. Y eso, ¿Qué significa? Al parecer sólo financiar películas que tengan el respaldo de personas y productoras de “experiencia” que te aseguren que el proyecto se va realizar sin inconvenientes. Entonces ya no hablamos de la finalidad del cine, ni del arte, sino sólo del producto. Si la película no funciona, no se devuelve la plata ¿o sí?, entonces ¿porqué ese criterio prima por encima de consideraciones, digamos, más artísticas?. Considerando que las películas que se arriesgan más son las que promueven más valores cinematográficos y artísticos, entonces, premiar la “factibilidad” ya no tiene mucho sentido. Necesitamos un instituto del cine, que no sólo premie proyectos con un determinado perfil (bastante discutible, por cierto) y uno que otro curso, sino que se preocupe del principal capital del arte; la creatividad. Si se sigue manteniendo una posición conservadora, sin arriesgarse a propuestas más experimentales, así como fomentar en los realizadores la investigación tanto formal como estética, y la educación audiovisual, principalmente en la población, pues no creo que se avance mucho. No considero que los logros personales de Claudia Llosa, Héctor Gálvez, los hermanos Vega, sean indicador que vamos por buen camino, sino que reafirma mi impresión de que sólo se puede lograr algo importante si haces lo contrario a lo que se ha hecho realizadores “experimentados”, principalmente con el apoyo de CONACINE.

Publicado en cinencuentro.com

*Fotografías de este post (también forman parte de "3"): Hugo Palomino Gonzáles

HICIMOS "3"

Volver a las preguntas. ¿Existe un nuevo cine peruano? ¿Existía una industria cinematografica peruana? ¿Existía "cine peruano" como teoría o manifiesto llevados a la pantalla?

 

El haber participado en la materialización de una idea me hace sentir afortunado. Afortunado de ser parte de algo que quedará en la mente y en el registro cinematográfico peruano (para ser golpeado o acariciado). Sin embargo, cabe la pregunta, incómoda por cierto, de qué tan importante sea esto para quien, como yo, no está imbuido de toda la teoría cinéfila que otros manejan. No pretendo responder a esa interrogante. Supongo que con el tiempo me daré cuenta de qué significó ser parte del equipo de "3", tercer largometraje de Eduardo Quispe, promoción de años juveniles.

 

Lo que sí quiero decir es lo siguiente: CUALQUIERA PUEDE HACER CINE EN EL PERÚ. Que no suene despectivo, pero eso, ahora, en estos años, es cierto. Como siempre, tenemos que hacer distinciones: cualquiera puede hacer cine el Perú, pero no todos tenemos el valor ni las ideas claras para poder hacerlo. Ese es el mérito de nuestro director y amigo Eduardo. Hizo una película en la que los involucrados -no digo "actores" ni "actrices" porque no lo somos, ni remotamente- desarrollasen ideas propias sobre la base del tema que había preparado. Se arriesgó a que varios invitados pensaran que se trataba de un desvarío, de un sin sentido de un maníaco cinéfilo demasiado pretensioso. Y sin embargo no cesó, no claudicó y siguió adelante. Cualquiera puede hacer cine en el Perú, pero no todos tienen lo que se requiere.

Y qué se requiere: cámara, amigos, dinero -poco, pero necesario-, tiempo -indispensable-, pero sobretodo, una idea, una bandera, fe en lo que uno quiere lograr, un concepto. Prestarse una cámara, juntar a los amigos con los que uno comparte, juntar y aprovechar al máximo el poco tiempo libre que uno tiene después de trabajar -como en mi caso- casi 10 horas al día, invertir los pocos soles restantes del sueldo y las cuentas a pagar en materiales para la grabación. Pero sobretodo, y en primer lugar, una idea que valga la pena realizar teniendo en cuenta lo visto, lo leído, lo observado, lo escuchado. "3", es una visión particular sobre Lima en general. "3" es la materialización de discursos individuales en búsqueda de una verdad general para entender nuestra sociedad. "3" es un manifiesto. Historias distintas, personales, unidas por un espacio común que está retrocediendo poco a poco a favor de la inpersonalidad de la vida en el concreto que se edifica a diario en Lima. Tratamos de escapar a la vida que uniformiza y clasifica a todos como anarquistas, racistas, yuppies, etc. Y lo hacemos tratando de asumir nuestro propio camino. Cada uno con sus historias, sus traumas, sus miedos, sus fetiches, pero cada uno con todos compartimos nuestra individualidad. La vida común y corriente -como la mía- no se centra en la búsqueda del amor perfecto o del santo grial. La vida es tal y como es: dura, fea y simple, pero, ahí su belleza, llena de esperanza y de incontables momentos indescifrables para el resto, excepto para el que los vive.

 

¿Existe un nuevo cine peruano? No lo sé. Pero sé que todos podemos hacer una película de nuestras vidas. Retratar lo que hay en ellas a través de una cámara de video prestada. Podemos contar historias reales. No creo que haya un nuevo cine peruano. Creo simplemente que hay más maneras de hacer cine ahora. Hay más miradas, más conocimiento, más ganas, menos barreras. Pienso que lo que se hizo en el cine peruano anteriormente tiene validez. No pienso mi vida cultural cinematográfica sin haber visto "Alias la gringa", "Sin compasión", "La boca del lobo", "Juliana", "Muerte al amanecer", "Cuentos inmorales" y otras más. Pero sé que el cine, como la cultura en general, no debe ser privilegio de algunos afortunados que pueden y hacen postgrados en cine en el extranjero; por eso sé que afortunadamente cualquiera puede hacer cine en el Perú.

 

Miguel Vargas

 

post publicado en: http://proyectoladob.blogspot.com/2010/06/hicimos-3.html

¿Quién más quiere jugar a hacer películas?

Play es una palabra en inglés que me encanta. Puede referirse a situaciones lúdicas, tanto como a serias y acartonadas.

Ahora, no todo juego es “juego”, hay juegos que son bastante serios. Todo está en que hay de por medio al jugar, y principalmente el porqué jugamos, lo cual determinará el cómo lo hacemos.

Hubo algunas publicaciones sobre “2”, la película que realizamos el año pasado, y que ha tenido mejor cobertura que trabajos anteriores. Dudas y no impresiones, interrogantes y no apreciaciones es lo que dejó “2” entre las personas que la vieron, por lo cual me siento satisfecho, ya que mencioné en las presentaciones que ha tenido que esta es una película provocadora y no para el disfrute visual, o al menos no de la forma convencional.

A muchos eso les sonará a excusas, justificaciones que no se transmiten en lo que vieron, y que no será tampoco, ni con el tiempo, el epítome del trabajo de cinestesia. “2” es una película nacida bajo la premisa de abandonar un lenguaje que por más que evoluciona y se renueva constantemente ya no sorprende. Me explico: una historia que se construye en base a los códigos propios del lenguaje, respetando los formatos, y las elucubraciones que puede permitir el guión, que según lo plantean, es el alma de la película, su quid, su eje,  la espina dorsal de la película.

Y no hay porqué “dudarlo”; un guión es la película, pero en palabras, como diría Mckay es escribir “pensando en imágenes”. Y no hablo sólo de un storyboard, story line,  o hasta una historieta bastante detallista y detallada (y con ello, ya no necesito hacer una película). Ahora, antes de pensar en un guión, debes pensar en qué quieres comunicar, o cuál es tu objetivo. Para ello necesitas (y permítanme enumerar):

-          Idea nucleo

-          Idea dramática

-          Intención principal y secundaria

-          Niveles  narrativos (historia, relato, narración)

-          Conflicto: motivo, intención, objetivo, intencionalidad última

-          Puntos de giro

-          Carrera de obstáculos, nudos de acción

-          Progresión dramática. Curva dramática, Paradigma ternario.

-          Clímax

-          Desenlace

Listo, ya tienes las ideas claras, además ordenadas y construidas. Ahora, necesitas definir personajes, por lo que debes construirlos en base a los estándares clásicos o bien puede ser en los modernos (“personajes problemáticos”, les llaman algunos), y también idear algo llamado “arcos de transformación”; saber dónde, cuándo y cómo el personaje debe asumir cierta actitud y postura en la historia (“guiones de vida”).

Ahora, necesitas también construir un contexto, un mundo, un universo diegético; es decir, cada lugar donde el personaje y sus pares (e impares), se desarrollen y relacionen a través de un tratamiento de estadios progresivos y dramáticos (se reconocen 4 estadios: 1- Estadio inalterado  2- Alteración ó perturbación  3- La lucha y 4- El ajuste). Esto tiene una serie de  significancias vinculadas con el planteamiento y objetivos de la obra; la unidad de significación de escenas, microestructuras  y funcionalidad.

Adicionalmente, se debe considerar la lógica del comportamiento social, pues toda obra pretende (o debe pretender) alcanzar la verosimilitud, teniendo un buen manejo de información narrativa, un cuidadoso tratamiento del tiempo y el espacio (ya sea que nuestra estructura sea lineal o no lineal, cronológica o las llamadas historias “atemporales”). Y sin olvidarnos que tanto la fotografía (claves tonales, expresivas, campos de profundidad, focalización, filtros de luz, etc..), el sonido (acusmático o visualizado y el sonido in/off), son parte del lenguaje, que la forma y el fondo, (el qué digo y cómo lo digo), tema y tratamiento van siempre de la mano.

Pregunta: ¿Y qué pasa si sencillamente todo lo descrito anteriormente me importa un rábano?

 Cuando planteaba “1” explicaba que si todas las películas, geniales y consideradas (por mi también) obras excelsas del cine, pues sencillamente estaban escritas y eran leídas como si de un material bibliográfico se tratase, un libro (bien) pensado en imágenes.

Y es lógico, si existen las normas establecidas, se pueden expender creatividad, y no lo niego, pero hasta la creatividad y originalidad tienen un límite y en el cine ya se agotaron, o se han desgastado hasta la previsibilidad.

No se puede reinventar el cine, ni su lenguaje, por eso sólo se puede renunciar, renunciar a lo que se llamó cine, y a cómo se usa ese lenguaje.

No se trata de no tener reglas, ni de rebelarse contra el lenguaje. Se trata de tener tus propias reglas, tu propio lenguaje.

No se puede tener nada en contra del lenguaje, porque el lenguaje es puro.

Una película que tiene que (obligatoriamente) tener una historia extraordinaria, ya sea de una estructura  austera o de una compleja: desde un enamoramiento, hasta unos ataques alienígenas contra la tierra (ambas situaciones, a mi opinión, bastante emparentadas),  con personajes que deben poseer una humanidad detallada y metafísicamente construida (aunque por ser tan bien elaborada, pierde su humanidad natural). Los personajes donde hasta sus errores son aciertos (vale decir, son parte de una historia construida de tal manera en la que ese error logrará algo provechoso para la misma), que sus logros sean hazañas de diverso calibre (ya sea en el espacio íntimo o en lo colectivo), héroes y villanos; villanos héroes, y héroes villanos, víctimas y victimarios, presas y cazadores…¿Porqué?

 Desde los personajes austeros y complejos, pasando por los personajes entrañables y apreciados,  están también los admirables, las eminencias, hasta los personajes deleznables y abyectos. Están también  los “marcianos”, los frikis, los jonkis, grunges, punk, suicidas, sicópatas, etc… de Jarmusch, Kawase, (Kyoshi) Kurosawa, Chan-wook, Lynch,  Herzog, Jarman, Korine, Gillian, Gondry, Kauffman, Jonze, Anderson (Wes y Paul T.), Nolan, Clark, etc…

Búsqueda de redención, de amor, de justicia, venganza, sentido de la vida, de trascendencia, de logros…¿Porqué? ¿Para qué?

 Yo digo no. No puede ser el guión (un buen material literario), el alma de una película.

¿Qué pasaría si a Warhol, June Paik, Brakhage, Rybczynski, Mekas, Anger o Duncan se les encargara hacer una película con guión de Lubitsch, Wilder o Kauffman?

Me dijeron una vez que Avatar es “un peliculón” y que verla en 3D es “ver otra película”.

¿Qué pasaría si a El Custodio, de Rodrigo Moreno le quitabas ese final jalado de los pelos, si a Blisfully yours le quitabas las escenas de sexo, si a El Séptimo Continente le quitabas el suicidio colectivo, si este simplemente se quedaba en lo implícito?

Para que me entiendan mejor: ¿Qué pasa si a tu película le quitas los momentos de clímax, si no hay crescendo, si todo lo que pasa son pormenores y asuntos sin interés, pero que si uno tiene una mirada detalla todo lo que suprimiste se construye en tu interior?

¿Qué pasa si ya no le preguntas al director qué quiso decir, sino que te preguntas a ti qué quiere decir?

Eso me parece más cinematográfico, que las imágenes hablen, y no indicar ni subrayar algo que el espectador debe darse cuenta por sí mismo,  y que la significancia se construya en el proceso de visionar/meditar. Se trata de mirada, no de vista.

…...

Está bien, no hagas lo que yo digo, ni hagas las cosas porque te las dicen, no hagas lo que “tienes” que hacer, no compartas mi visión del cine, pero haz tus reglas, haz tu lenguaje, haz tu arte. Comunica, pero no digas lo que quieren escuchar, ni lo digas de la forma como quieren escucharlo, di lo que quieres comunicar, sé honesto contigo, con los demás, porque haz meditado de forma consciente y responsable en lo que vas a decir y haz llegado a la conclusión de que es importante de ser oído (visto).

¡Hazlo Tú mismo!

Prescinde de los que piensan tener todo encajonado y clasificado, de los “profesionales”, ya que un profesional es aquel que ama y se dedica a lo que hace, sabiendo lo que hace. No escuches a los que juzgan tu trabajo sin entender primero qué te motivo a hacerlo o qué querías comunicar. Huye de opiniones de quienes quieren domesticarte, rehúsa a ser etiquetado, renuncia a ser uno más, renuncia a quedarte callado, cabizbajo, renuncia a seguir las rutas del mapa, ¡haz tu propia ruta!

Que tu equipo técnico sea el que crees que deba ser, que tus recursos sean los que te sirvan y no los que deban estar porque “así se hacen las cosas”.

Ve a la fiesta, y lleva tu música. Lleva tu comida, ve con lo que tengas puesto. Todo tiene lugar sólo cuando lo defines al caminar.

¿Qué pasa si ya no necesitas de equipos y técnicos costosos? ¿Y si ya no quieres productores, ni financistas que quieran interferir y no apoyar? ¿Si no necesitas de distribuidores, ni ejecutivos, ni burocracia?  ¿Qué pasa si ya no necesitas a CONACINE?

Sólo necesitas hacer tu película. Sólo necesitas lugares donde exhibir, y los hay. Y si aún consideras que estos son pocos, pues genera los espacios: colegios, universidades, centros culturales, cineclubs, locales comunales, comités vecinales, cooperativas, la calle… Tienes internet, con millones potenciales espectadores esperándote, tienes Polvos Azules, el Hueco, los mercados.

¿Tienes tu idea? ¿Tienes tu cámara?

¿Quién más quiere jugar?

Sobre el proceso de "2"

Para acercarse a una película hay que mentener una mirada abierta a la vez que escrutadora; una posición flexible y despejada de casi todos los prejuicios que pudieran haberse mentalizado. Aclaro esto porque si nos permitimos ver películas pensando que ya todo está clasificado, etiquetado y empaquetado, pues nos limitamos a un estrecho visor nada sorprendente y sencillamente aburrido.

La premisa de "2" era grabar algo que no cayera en alguna etiqueta, que no sea una película de fácil clasificación, ni siquiera como experimental (que también tiene sus características), que tuviera elementos formales fuera de los márgenes académicos y cuya narrativa, a pesar de ser lineal, no cayera en las convenciones literarias aristotélicas del retrato convencional del personaje, con situaciones sin una lógica en la estructura del tiempo y espacio narrativo, a fin de evitar la previsibilidad, que lamentablemente son casi marca registrada en la mayoría de películas que se hacen por estos lares.

Algunos ven en esa libertad un camino fácil y llano, ya que sin un disciplinado seguimiento de las normas se puede hacer "cualquier cosa". Ven también flojera y desdén en la renuncia a los recursos técnicos como registro fotográfico, de sonido, y demás arbitrariedades visuales que cometen "videastas" como nosotros.

Pero, ¿Es la rebelión un trabajo fácil? Y no hablo sólo de resistencia, sino de agravios directos; de transgresiones, aberraciones formales y confrontaciones directas a una forma de ver (y concebir)el cine: tradicional, clásica, romántica, pero anacrónica y desconsiderada para quienes buscan "algo más".

No, la rebelión tiene su costo. Escaparse cada vez que tu cámara registra algo que se va pareciendo a "algo" o "alguien", evadir las olas y lanzar piedras de indefinida forma al mar no es tarea fácil. Si tienes la posibilidad de "mejorar", de estilizar o de usar cada vez más referencias a fin de hacer más "cercana" la obra, más digerible o más "parecida a", significaría renunciar a tus renuncias. Una renuncia es poder hacer algo, pero decidir no hacerlo por cualesquiera de los motivos que uno tiene por principios.

Por eso, y pondré como ejemplo La Cinta Blanca de Haneke, que es una buena película, pero no al nivel de Séptimo Continente, Tiempo del Lobo, 71 Fragmentos de una cronología al azar, o la genial Escondido. Haneke ganó la Palma de Oro en Cannes con una película que recurre a lo que su autor había renunciado y que era una buena marca personal: ausencia de narrador, de voz en off, de relato reminiscente y explicativo, así como de difuminados, trasiciones, de usar el costoso y "artístico" blanco y negro. Se puede considerar como concesiones que dieron sus frutos, pero que pierde en identidad.

No se trata de buscar una línea de producción, sino de pensamiento, que la película sea reflejo de ello, que sea el producto de un proceso inusual y que desde su inicio esté pensado para el desmarque.

....

"2" se grabó en el trayecto de 3 meses, grabando sólo los fines de semana (sólo contábamos con la cámara esos días, además de ser días que disponíamos todo el equipo...de 3 personas!!), y considerando las horas grabadas, un aproximado de 6 horas, el resultado fue satisfactorio. Linda Soto se agregó al equipo, después de aceptar nuestra propuesta (hicimos un casting vía Hi5, visitando perfiles de personas que tuvieran gustos cinematográficos afines a nuestros propósitos), aportando su peculiar carisma a la película. Y nos alegraba que ella, a pesar de ser fotógrafa profesional, no se escandalizaba del empobrecido (a drede) registro visual. Preparamos juntos los personajes viendo escenas de películas claves (una vez, tuvimos que hacerlo en un bar ya que no había donde), como Los Climas, En la Ciudad de Sylvia, El Nido Vacío, La Doble Vida de Verónica, 4 Meses, 3 Semanas y 2 Días, entre otras.

Nuestro presupuesto total, fue de S/.80.00 (ochenta nuevos soles) aproximadamente, siendo gastado principalmente en movilidad, casetes miniDV (una vez, y por olvido, tuvimos que comprarlo en una bodega "ficha" de Miraflores, costándonos casi el doble de lo normal), y en los gastos de "producción" en el Yacana Bar y el Munich. Grabamos en todas las locaciones sin permiso, y sin advertir que grabaríamos (el mejor resultado fue en la fiesta en casa de un amigo) obteniendo resultados bastante espóntaneos, que inimaginablemente se podrían dirigir.

Tratamos de mostrar la cotidianidad de 2 personas que no se conocen, que viven en entornos diferenciados por lo socioeconómico, pero que coinciden en la actitud de la gente hacia ellos y de ellos hacia los demás; en la soledad en solitario, en la disfuncionalidad de la familia limeña, la ausencia paternal y tutorial que genera una desorientación, que lleva a la lejanía personal, el aislamiento, la incomprención de la secularidad de la vida y la suceptibilidad propia de los espíritus sensibles.

2 personas en Lima la indiferente, la apurada, la superficial y alienada; la resistencia del individuo al individualismo reinante. Es la supervivencia en un medio urbano hostil que ahoga y atormenta a los diferentes, quienes, no obstante, gozan y padecen escondidos entre la muchedumbre, camuflados entre el pavimento, la combi, el puente, la rivera del Rimac, los parques y estacionamientos. Viven como exóticos especímenes, forasteros que se cruzan entre ellos, que viven en constantes desencuentros, hasta que se hallan, se comprenden y se comparten.

Antes de adentrarnos en los personajes, nos adentramos a su entorno, en un viaje en combi, como no puede ser de otro modo en Lima. Un plano con vista de gusano abre la película. Es una topográfica mirada que recorre la capital, y que va abriendose, mostrando caminos de la capital y a sus habitantes; unos niños que juegan a ser adultos y adultos que juegan a ser niños. Y de pronto la juventud, que en la película es eso, un intermedio, indefinido, inestable, y a veces hasta insostenible. "Ella" y "El" son representantes de eso; son jóvenes que no pueden dar el siguiente paso, porque al parecer es un paso atrás.

Teniendo tan compleja premisa, "2" no pretende hacerse una película aleccionadora, ni del gusto de quienes optan por algo fácil de ver y entender. Tampoco añora ser valorada por la crítica especializada, Sino busca cumplir con su cometido de ser diferente desde su forma de producción, hasta la distribución/exhibición. Muy pronto, la podrá encontrar en la red, y en el paraíso de Polvos Azules, Pasaje 18.

*Este viernes 05 de febrero de 2010, a las 7.30 p.m. se re-estrena en el Centro cultural CAFAE-SE, Av. Arequipa 2985.

Reseña de la 1º Muestra de cine limeño 2009

Les presentamos una reseña de la 1º muestra de cine limeño 2009, escrita por el profesor Alberto Sotelo:

Una interesante iniciativa en un año de vacas flacas. Normalmente se cree que el cine peruano está regido en su mayoría por los patrones estéticos limeños, los cuales en las últimas décadas están marcados por las repercusiones de los fenómenos sociales, tales como la migración andina a la capital, el terrorismo, y la marginalidad en diversos aspectos de la vida metropolitana. Pero la constante y pujante producción al interior del país, modifica esa visión centralista. Paradójicamente, es el cine de provincias el que mejor se ha adaptado a una realidad global cambiante, en referencia al cine, la de la producción en formatos digitales y video. Menciono esto porque, tal vez sea el caso que la influencia esta vez venga del interior, y no me refiero a la mal llamada "cultura chicha".

Los jóvenes directores que exhibieron sus producciones en la 1º muestra de cine limeño han cambiado mi forma de entender, hasta ahora, el cine peruano. Ellos no explotan el caos de la informalidad limeña, ni su bizarra vida nocturna, o la versátil comicidad popular, y tampoco los variopintos personajes que agoran la ciudad. Han apostado por la Lima personal, la que viven o interpretan ellos. Sus propuestas , artísticas y arriesgadas, sin llegar a ser frescas, pero totalmente necesarias en el oásis del cine capitalino.

Eduardo Quispe presentó los largometrajes "1" y "2". Y ya desde los títulos estaba siendo provocador. A esto, el jóven director mencionó que el título es un indicador que no considera necesario, pues él no está planteando una historia encerrada en una trama o al tratamiento de un tema. "1" es una película que juega al documental casero. El planteamiento es aparentemente sencillo, pero muy interesante; son tres versiones diferentes de un mismo momento entre una pareja de jóvenes que intentan cortejarse, viendo frustradas todas sus aspiraciones por diversos motivos. Está grabada sin artilugios, con pocos recursos, tanto narrativos como estructurales; con muchas renuncias en lo técnico, y bastantes denuncias en lo formal. Podría decir que es una película que hace todo lo que está a su alcance para ser transgresora; Eduardo Quispe es un perfeccionista de la imperfección. Su evidente falta de apegarse a lo establecido, lo aceptable, a las convenciones de producción hacen que su rebeldía sea simpática, o antipática, dependiendo desde que posición se vea.

El hiperrealismo de la película se acentúa cuando los personajes hablan, tartamudean, desarticulan y desvarían. Si bien la base de la película son los diálogos (los cuales son destacados si se considera que no se ha escrito guión), uno no puede evitar sentir la ciudad pesando en sus ojos, sus gestos, y en ese marco sonoro, que desespera por momentos, lleno de sonidos sucios; pregones, bocinazos, frenadas y silbatos. Uno se va preparando a lo que se viene cuando de pronto el silente y contemplativo inicio se ve irrumpido por el ruido de un avión. Hay cinco personajes en "1", dos de ellos presenciales y tres implícitos: "Él" y "Ella" (los personajes tampoco tienen nombres), a ellos se suma la ex pareja de "Ella", presente a través del teléfono móvil al que no deja de estar pendiente, el cuarto, la ciudad, que representa el espacio de desarrollo donde los personajes (no) se ubican (todas las situaciones terminan en el enorme edificio del centro cívico, representando lo inalcanzable), y el quinto no es otro que la mismísima mala suerte, arriesgándome a considerarla como la verdadera protagonista de la película.

En"2", el director decide abrir los planos, mostrar esta vez sí de forma explícita la ciudad. Pero para mi grata sorpresa no se trata de una vista turística, ni mucho menos con influencias de "realismo social". Quispe utiliza la ciudad como metáfora, realiza una relectura de espacios como el río Rimac, el cerro San Cristobal y sus faldas adornadas de casitas color pastel, así como algunos detalles de las calles limeñas y su gente, para poder representar la situación interna de los dos protagonistas, cada uno viviendo la soledad desde su lugar a ambos extremos sociales de la ciudad. En "2" no hay una prédica o propaganda, ni hay panfletos socialistas, y sin embargo, es destacable la sutileza con la que trata la diferencia socio-económica y la igualdad de condiciones emocionales. Ambos personajes viven solos y en soledad, incapaces de adaptarse o socializar en un medio aparentemente hostil para su inusitada sensibilidad. Esto se representa a través de las imágenes de palomas y gallinazos; es decir, en la ciudad o eres gavilán o paloma.

Rafael Arévalo es un director friki, apelativo que de buena gana aceptaría. Ha creado un mundo donde los limeños se comunican por telepatía (interesante y creativa solución para evitar problemas con el sonido, ya que fue grabada con una cámara casera), en una ciudad gris, casi vacía e indiferente. Su propuesta es la exploración de la naturaleza humana a través de un grupo de "Alienados", unos jóvenes fanáticos de los ovnis que han asumido la identidad de un astro, según su personalidad. Hay muchas referencias al cine b, los hombres de negro, las persecusiones, las agrupaciones clandestinas, incluso, el mismo director hace 2 papeles diferentes en la película. A esto se suma la frescura de un relato no lineal; intrincado, entrecortado, bastante original, y exigente, al que hay que prestarle bastante atención; es una película difícil de ver en el buen sentido de la palabra. Sólo como guión la película ya consiguió un buen logro. La fotografía ha sido acertada, casi toda la película usa una clave baja (se utilizó blanco y negro como solución al problema del registro), que por momentos hace guiños a Eraserhead y Caligari, destaca la escena grabada en la Costa Verde. La banda sonora es igual de extraña, la canción final del grupo Boomerang es sencillamente genial. El director mencionó que hizo una película que sus profesores de comunicación odiaran, y no sé hasta que punto lo consiguió, ya que ha abofeteado la convencional manera de hacer un largometraje del sub género de ciencia ficción experimental. Es una película que está hecha para ser de culto.

Por su parte, Fernando Montenegro se acomoda muy bien en el cine de género. El suspense de su película "Encierro" es bastante inusual y original, además de ser efectivo. A esto, se suma el hecho de que no existe un director peruano en ese género, ya que las Jarjachas, Pistakos, Tunches y demás son más cómicos que terroríficos, y encajan mejor como parte de una imaginería costumbrista, por lo que la propuesta de Fernando se vuelve más arriesgada. En la película, Dafne es una escritora sin mucho exito comercial que decide conseguir una foto de un fantasma real para usarla como portada de su novela, una estrategia de marketing sugerida por su editor . Se puede notar una posible autoreferencia entre el director y su protagonista, que usan el género del terror para llamar la atención, pero que proponen un tratamiento artístico, y una autoexigencia que connota vocación, pasión y disciplina. La estética es bastante lograda para el mínimo presupuesto que manejó la película, se utiliza blanco y negro y color, según lo requiera la historia. Cada personaje posee un color característico, que lo describe y representa. Muy buena la fotografía (la película fue grabada en HD), saturando los verdes y rojos de las escenas en el campo. El aspecto literario de la historia marca su narración, haciéndose por momentos poética y hasta lírica. El ritmo del relato no deja un espacio en blanco, pues, si quitáramos lo fantasmal, esta no dejaría de ser una interesante mirada al proceso creativo de un artista; su necesidad expresiva, su búsqueda de la "obra perfecta", además de la frustración por no resaltar, y su decisión de hacer lo que haga falta para salir a la luz. Destacable es la escena en el hospital abandonado, con esa camilla de ginecólogo y esos aparatos que duelen de sólo verlos.

En resumen, podría decir que la generación Youtube ya tiene sus representantes en el país, lo cual es gratificante, considerando que ninguno ha recibido un centavo del estado o alguna productora, de esas que andan por ahí. Se merece hacer seguimiento a estos jóvenes directores, y que no nos sorprenda que de pronto empiecen a dar que hablar en el exterior, pues se sabe bien que en nuestro país encaja de maravilla la frase "no hay profeta en su propia tierra".

Alberto Sotelo

Comunicador.

Iª MUESTRA DE CINE LIMEÑO /2009

El Centro Cultural “Alberto Quintanilla” y el cineclub “Ojos abiertos” de la Universidad Tecnológica del Perú presentan la “Iª MUESTRA DE CINE LIMEÑO/2009” donde se exhibirá un conjunto de largometrajes de ficción de jóvenes directores capitalinos, cuya producción tiene en común su realización autogestionaria, utilización de recursos mínimos, presentando propuestas alejadas de convencionalismos narrativos, formales y tomando como escenario el contexto urbano limeño.

La muestra se llevará a cabo los días jueves 12, 19, 26 de noviembre y jueves 03 de diciembre de 2009, a las 7:30 p.m. en el auditorio “Elisa Toullier de Valcárcel” de la UTP. Después de cada proyección se llevará a cabo un dialogo con los directores.

El Ingreso es libre.

La programación es la siguiente:

JUEVES 12 DE NOVIEMBRE - 7:30 p.m.

“1” de Eduardo Quispe

Son 3 versiones de una historia, la 3º cita de 2 jóvenes sin suerte en el amor; Ella no puede superar una relación pasada, Él simplemente no ha encontrado a alguien. Ambos quieren dejar atrás sus fracasos y empezar una relación, pero sin conseguirlo a pesar de sus esfuerzos.

JUEVES 19 DE NOVIEMBRE - 7:30 p.m.

“Alienados” de Rafael Arévalo

Película que trata de un grupo de jóvenes fanáticos de los ovnis, ellos buscan tener un encuentro cercano, cayendo en una histeria colectiva que los hace perder la razón, convenciéndose de que una invasión extraterrestre se está produciendo sin que el resto de la población se percatara del hecho.

JUEVES 26 DE NOVIEMBRE - 7:30 p.m.

“Encierro” de Fernando Montenegro

Es la historia de Dafne, una joven novelista de misterio ignorada, que con la ayuda de sus amigos, busca fotografiar a un fantasma real, para usar la imagen como portada de su último libro y así llamar la atención de los medios.

JUEVES 03 DE DICIEMBRE - 7:30 p.m.

“2” de Eduardo Quispe

Una película que ensaya sobre la experiencia de vivir solo en la capital, con la sensación de desolación y desasosiego, así como con dificultades para relacionarse con los demás; situación que no respeta género, condición social, económica o cultural.

Lugar : Universidad Tecnológica del Perú.
Auditorio “Elisa Toullier de Valcárcel”, pabellón “F”, 3º piso.

Dirección : Avenida Petit Thouars 116, Lima 1.

Día : Los jueves 12, 19, 26 de noviembre y jueves 03 de diciembre de 2009.

Hora : 7:30 p.m.

Teléfonos: 315-9600, 330-0367, Anexo 143.
Email: cultura@utp.edu.pe
Web: www.utp.edu/ac.aspx

DIARIO DE UNA NINFÓMANA

Director: Christian Molina
Reparto: Belén Fabras, Leonardo Sbaraglia, Llum Barrera, Angela Molina, Geraldine Chaplin
Año y País: 2008 - España
Distribuidora: Filmax

Las historias sobre ninfas insaciables, apetitosas y dispuestas a todo por explorar su exacerbada sexualidad, están a la orden del día en el cine erótico. Por eso tal vez mi duda sobre Diario de una ninfómana, por lo que se decía de esta cinta española, basada en un libro autobiográfico de Valerie Tasso, de bastante acogida, y principalmente por lo que ha mostrado el cine español de género (3 Días, El Orfanato, Rec, entre otras), que bien podría ser un replanteamiento del mismo, o una propuesta a resaltar.

Pero, después de la primera escena, uno tiene la sensación de a dónde va toda la película. No por un prejuicio fuera de lugar, el síndrome de “ya la vi”, sino porque en este caso la sorpresa de la cinta viene a ser irónicamente la falta originalidad, de frescura, y de sorpresa en sí, en una historia predecible hasta el aburrimiento. El estandarizado modo de contarse, sus clichés genéricos, sus actuaciones burdas, sus excesivos recursos melodramáticos, y sobre todo sus ideas primarias, casi artificiosas y sin profundizar, hacen de esta una película mediocre, de fácil goce carnal masculino y sin más hazañas, que ser una mezcla de “Lo que callamos las mujeres” con algún capítulo de “Emanuelle”.

Valeri, la protagonista, es una mujer que aparentemente lo tiene todo; es bella, profesional, sin problemas económicos y con la facilidad de estar con el hombre que quiera. Pero, utiliza el sexo como medio en su búsqueda de identidad, y su establecimiento emocional y personal. Con un tema así, el tratamiento del director Christian Molina deja mucho en el tintero, sin llegar a la altura de Rojo Sangre, su más que interesante ópera prima. Belén Fabra, la protagonista del film, utilizó en la película lo que estuvo a su alcance, que le puede servir como trampolín en su carrera, pero no trasciende, no motiva, ni genera culto. Ni siquiera se aproxima a ser la próxima Paz Vega o Penélope Cruz.

El resto de los personajes son sólo excusas para la lujuria; no hay en ellos desarrollos interesantes, ni exploraciones, no hay silencios, ni espacios para la contemplación o el análisis. Todo lo que ofrecen está subrayado por la voz en off de la protagonista, o el forzado cuarteto de cuerdas que trata de saldar las deudas de ideas visuales.
De igual forma, el film no sigue la tradición películas hispanas de contenido erótico como la picante y sensual Átame, de Pedro Almodovar, la carga erótica y la poética mirada del deseo de Lucia y el sexo, del director Julio Médem, o la manera de mostrar la evolución sexual y sentimental en Las Edades de Lulú, de Bigas Luna, así como una efectiva mezcla con el humor en Jamón, Jamón del mismo director catalán.

Sin mucho que ofrecer, este estreno llega a Lima y de seguro generará buena acogida en sus funciones nocturnas, principalmente de un público que sólo busca un poco de humedad dentro del menú, en la irregular cartelera capitalina.

SOBRE EL PROCESO DE "1" (tercera parte)

El director no tiene la última palabra, no es una directocracia, ni un “autor” al estilo pedante francés. Por eso el equipo está conformado por amigos que, aparte de respetarnos, tenemos más o menos, las mismas inquietudes sobre el cine, el arte y la vida. El director es una especie de desencadenante de ideas sobre una idea básica, debatida y concluida en conjunto previo a filmar. No se trata de grabar por grabar, sino de conseguir algo en ese proceso que no termina ni en la proyección, pues preferimos que sea de permanente dialogo con quienes la vean, y obviamente con nosotros.

La calidad de imagen importa, pero no es determinante. Si no poseemos una cámara mejor, ¿Para qué hacernos problemas?, la idea es hacer la película. De hecho que si se puede conseguir mejoras, se harán, pero sin que eso nos limite a hacer la película. De igual forma con el sonido, ya que todo el sonido prácticamente es ambiental. No entramos a esto de ensuciarlo, cual decálogo de Perrone, sino a ser lo más claro que nuestras posibilidades y recursos nos lo permitan.
Nos interesa mucho el lenguaje cinematográfico, pero creemos que es muy plástico y moldeable, de modo que no nos deje una gramática y sintaxis estricta. Y sobre todo, como todo lenguaje está en constante evolución.

Todos, como equipo, somos amantes del cine. Es lo principal para dedicarnos a esto, fieles a ese otro cliché que adoptamos como nuestro; “es por amor al arte”.
Si pudiéramos hablar de referentes, como para dejar en claro que no somos simplemente improvisados o grandes chiquillos que juegan a ser cineastas. Nombraríamos a John Cassavetes, Michael Haneke, Jim Jarmusch, Daniel Burman, Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Apichatpong Weerasethakul, Atom Egoyan, Derek Jarman, Lisandro Alonso, Albertina Carri, Glauber Rocha, Andrei Tarkovski, Tsai Ming Liang, Krzysztof_Kieslowski, Hou Hsiao Hsien, Naomi Kawase, Kim Ki Duk, Won Kar Wai, Lucrecia Martel, Richard Linklater (sobre todo su primera etapa), Jean Luc Godard, Woody Allen, Los Hnos Dardenne y de hecho, también los Coen, Vicent Gallo, y porqué no, los Dogme 95, así como los clásicos Billy Wilder, Igmar Bergman, Pier Paolo Pasolini y Eric Von Stroheim. Diríamos que tenemos una deuda de amar al cine por estos apasionados cineastas, a quienes les debemos más de una desvelada rompecabezas, y jaquecas/banquetes intelectuales.

SOBRE EL PROCESO DE "1" (segunda parte)

Ya en “producción” buscamos las locaciones, las que reflejen lo que queríamos decir, y que mejor punto de encuentro para comprender lo inalcanzable que el Centro Cívico, en el Centro de Lima. La idea básica era contar tres versiones diferentes de una situación entre dos personas que querían ser uno. La construcción de la historia no era problema, ya que desde el inicio, y en búsqueda de esa honestidad, queríamos que no haya actores, ni “roles” que asumir; que sea una especie de recreación de hechos que se acerquen a los reales, que vaya en parte, por lo documental. De hecho que hay mucho de autobiográfico en la historia, pero sólo nos sirvió de punto de partida para crear las situaciones, de la forma más verosímil posible. La cámara se tenía que entrometer, voyeristamente, alcanzando planos que nos dejaron más que satisfechos, sorprendidos.
Ello respondía a la intención de no manipular, o manipular al mínimo, que creemos es otra de las artimañas que desprestigian una película. Por ejemplo; que más manipulador que poner a una persona en primer plano llorando; un close up con ojos vidriosos es para nosotros casi vomitivo. ¿Música de fondo? ¿Para qué? No hacemos un videoclip. Lo que no puedes decir en imágenes no lo va ayudar una canción o un trucaje de sonido; crear emociones con violincitos, crear miedo con eso golpes de sonido no va con nosotros. De igual forma, nos abstenemos a mostrar cualquiera de esos cliché cine/televisivos; escenas de sexo, desnudos de mujeres, violencia física, sangre, peleas, golpes, accidentes, explosiones, etc. Nada de humor físico barato, ni de lenguaje soez forzado.
Por ello también nos abstenemos a cualquier truco de post producción, nada de efectismos, ni de entrelazados, difuminados, Fades, mucho menos flashbacks; si no lo puedes decir en imágenes, si tu personaje no puede “decirlo” sin hablar, y sin esas reminiscencias explicativas, no podrás lograr una buena comunicación con tanta explicación. A veces, y por más cliché que parezca (prefiero entonces los clichés que me liberen de los demás cliché), el silencio dice y lograr más. Nunca, pero nunca, usar voz en off, o textos indicativos, es una aberración a un lenguaje de imágenes.
Ni que decir de efectos digitales. Si no tienes la tecnología para hacer más verosímil una escena con algún efecto digital, lo que vas a conseguir es el efecto contrario; vas a hacer un ridículo evitable. Como ejemplo la escena final de “Luz Silenciosa” de Carlos Reygadas fue tan superficial y forzada; esa mariposita volando. Nos juramos a nosotros mismos no hacer algo que arruine el arduo trabajo en el que creemos.

Ya con poner créditos a la película es mucho.
Ninguna película nuestra va tener título. Todas son parte de un proceso, son una especie de ensayos. Por eso sólo tienen número, según el orden cronológico de producción. El título prepara a un espectador; le genera una expectativa, muchas veces falsa, condicionándolo, y eso también es manipular.
Ninguno de nuestros personajes va a tener nombre; van a tener identidad, que es diferente. Podría decir que más que personajes, son personalidades, ya que expresan y muestran lo que son; lo que son en las situaciones que le plantea la película. No se le pide a ningún “actor” que “actúe”, no se va trabajar nunca con actores profesionales, los que ya tienen fórmulas, métodos y técnicas que van a distraer en vez de comunicar. Mientras se pueda parte del equipo va participar como personajes, para ahorrar presupuesto, y para ser más honestos con las ideas.
Nuestro equipo siempre va ser el necesario. No necesitamos script, ni sonidista, ni booman, si asistente de cámara, ni de director, etc. El personal que necesitamos, es el que tenemos: Director, Camarógrafo (que es el mismo que se encarga de la foto y la luz), Director de arte, Productor y Equipo de Edición, que son los mismos de producción. 3 ó a lo más 5 personas, incluidos los que van aparecer frente a cámaras. Nada de extras, todos los que aparecen en la película y no son parte de la película, son personas que sorprendimos con nuestra presencia y cámara. Tal vez personajes pequeños, que sólo aparecen un par de veces, y nada más.
Nuestro presupuesto es el mínimo del mínimo, no somos pretenciosos, nuestros bolsillos no son holgados, no tenemos mecenas, ni auspiciadores. Si aparecen, bacán, porque plata si hace falta, sobre todo para el salchipapón o chifa después de cada día de grabación. Y si queda para otras cosas, también, porque la mayoría no tenemos ingresos fijos. Dejando claro que si quisiéramos hacer esto para ganar plata, no haríamos de la forma en la que venimos explicando.

No usamos guión. Primero para no tener un documento o material literario que guíe algo que está planteado como estrictamente audiovisual. Segundo para no “tener las cosas claras”, pues debido a nuestro particular proceso, no todo saldrá como esperamos, es más, ese espacio para lo improvisto, queremos que sea el determinante. Lo cual no es trabajar improvisadamente, la premisa existe, pero ¿Para qué tomarnos el trabajo de elaborar algo que no vamos a seguir o que vamos a rescribir, sino deshacer totalmente?. Lo otro es porque no se puede hacer ningún guión o Storyboard que explique el tipo de plano o movimiento de cámara que surgirá de la expresión o las condiciones en las que se encuentren nuestros personajes. Mientras el equipo sepa a que jugamos, no hay problemas, ni de comunicación, ni de asumir nuestra parte en el trabajo.